El final de la Necrópolis de la Luna Negra

Un 20 de diciembre de 2011 abría sus puertas la Necrópolis de la Luna Negra. Siete años y medio más tarde, tras una larga labor con 523 entradas publicadas y 99.668 visitantes en el momento de escribir esto, ha llegado el momento de decir adios.

Ha sido un largo periodo con buenos y malos momentos, pero el tiempo no pasa en balde y se ha ido produciendo un progresivo desgaste en el que escribe. Por ello, y no sin pesar, debo dar por finalizado este proyecto. Es el final de una etapa que ha resultado muy productiva, de la que he aprendido mucho y con la que he disfrutado compartiendo contenidos con los lectores de este blog. Pero esto no es un punto y final, sino un punto y aparte, tal vez un punto y coma en una larga historia que, de momento llega a la conclusión de un capítulo.

Hay más proyectos en mente, nuevas ideas que se irán desarrollando en el futuro y que harán que los nombres de Necrópolis de la Luna Negra y La Llave y la Puerta tengan nueva vida y sigan adelante en nuevas iteraciones, con nuevos contenidos e ideas para elaborar. Por el momento, me despido. Este blog seguirá abierto, aunque no se publiquen más contenidos, pues sigue siendo un lugar que vale la pena visitar.

MUCHAS GRACIAS A TODOS LOS VISITANTES

DE LA NECRÓPOLIS DE LA LUNA NEGRA

Good Omens (2019)

Título: Good Omens (Miniserie de TV)

Título original: Good Omens

País: Reino Unido

Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC / Narrativia / The Blank Corporation / Salt River Studios / Amazon Studios. Distribuida por Amazon Prime Video
Director: Neil Gaiman (Creator),  Douglas Mackinnon

Guión: Neil Gaiman (Novela: Neil Gaiman, Terry Pratchett)

Reparto: Michael Sheen,  David Tennant,  Adria Arjona,  Jack Whitehall,  Sam Taylor Buck, Michael McKean,  Miranda Richardson,  Jon Hamm,  Ned Dennehy,  Daniel Mays, Mireille Enos,  Yusuf Gatewood,  Lourdes Faberes,  Sian Brooke,  Ilan Galkoff, Bill Paterson,  Anna Maxwell Martin,  Nick Offerman,  Simon Merrells,  Paul Chahidi, Josie Lawrence,  Doon Mackichan,  Gloria Obianyo,  Elizabeth Berrington, Mark Gatiss,  Steve Pemberton,  Reece Shearsmith,  Jonathan Aris,  Derek Jacobi, Sanjeev Bhaskar

Sinopsis:

Miniserie de TV (2019). 6 episodios. El mundo está al borde del apocalipsis mientras la humanidad se prepara para su juicio final. Pero Azirafel, un ángel algo quisquilloso, y Crowley, un demonio, no están entusiasmados con el fin del mundo, y no pueden encontrar al Anticristo.

Estrenada en Amazon Prime el 31 de mayo 2019.

Crítica:

Good Omens es una miniserie de TV de 6 episodios que adapta la novela homónima (titulada Buenos Presagios en español) de Terry Pratchett y Neil Gaiman. Se trata de un proyecto personal de Neil Gaiman creado en homenaje al fallecido coautor de la novela, Terry Pratchett. Juntos crearon una novela que parodia la película "La Profecía" (The Omen) de 1976 con una visión bastante retorcida y llena de un humor que roza a menudo lo absurdo, con toques de sátira política y social y una historia bien narrada que relata los acontecimientos de los últimos días de la Tierra antes de la llegada del Apocalipsis.

La serie es una adaptación bastante fiel, aunque se toma algunas libertades que se mantienen dentro del tono general y no quitan lustre a la trama, sino que la complementan de forma acertada por lo que no se pierde el desbordante humor de los autores. Por otro lado, la pareja protagonista, Michael Sheen y David Tennant, hacen un gran papel como personajes centrales de la historia, con un Sheen encarnando de forma muy apropiada al ángel Azirafel y un Tennant idóneo como el histriónico demonio Crowley. De esta manera se convierten en los guías idóneos para el espectador e introducirlo en esta satírica y absurda historia del fin del mundo.

Se trata de una miniserie muy recomendable por su humor y buen trabajo de dirección que, en el aspecto visual puede desmerecer en comparación con otras series de mayor presupuesto, pero que logra mantener el tipo. Apta tanto para fans de Gaiman y Pratchett como para aquellos que desconozcan el estilo y humor de estos dos autores.

Godzilla: Rey de los monstruos (2019)

Título: Godizlla: Rey de los monstruos

Título original: Godzilla: King of the Monsters 

País: Estados Unidos

Productora: Coproducción Estados Unidos-Japón; Legendary Pictures / Warner Bros. / Wanda Qingdao Studios
Director: Michael Dougherty

Guión: Michael Dougherty, Zach Shields (Historia: Michael Dougherty, Max Borenstein, Zach Shields)

Reparto: Vera Farmiga,  Kyle Chandler,  Millie Bobby Brown,  Bradley Whitford,  Charles Dance, Thomas Middleditch,  Ken Watanabe,  Zhang Ziyi,  Sally Hawkins,  Aisha Hinds, David Strathairn,  Randy Havens,  Anthony Ramos,  Jonathan Howard,  Vince Foster, O'Shea Jackson Jr.,  Marko Caka,  Mitch Craft
Sinopsis:

La agencia Monarch ha estado buscando y catalogando la existencia de los conocidos como Titanes, cuya existencia salió a la luz en 2014 con la aparición de Godzilla y los MUTOs. Pero un grupo ecoterrista pretende liberar a los titanes en hibernación para destruir la civilización humana y salvar el medio ambiente de la Tierra. Monarch debe ayudar a Godzilla a enfrentarse a otros titanes despertados liderados por el Rey Ghidorah, el dragón tricéfalo considerado como un evento de extinción, el mal definitivo. Sólo derrotando a esta criatura lograrán asegurar la supervivencia de la humanidad.

Crítica:

Gozilla: Rey de los monstruos es una meritoria y aplaudible secuela de su predecesora de 2014 y la precuela Kong: La Isla Calavera. En este caso, vemos como, tras los sucesos de 2014, Monarch ha logrado avanzar en la localización y estudio de los llamados titanes, estando todos en hibernación, salvo Godzilla, que permanece en paradero desconocido desde entonces. La trama se desarrolla en torno a la aparición de un grupo ecoterrorista que decide utilizar un aparato diseñado para controlar a los titanes y así ir liberándolos poco a poco para que destruyan la civilización y provocar un nuevo comienzo de la humanidad salvando la Tierra de la destrucción ecológica. Bajo esta premisa, se presentan una serie de kaijus clásicos que acompañarán a Godzilla como protagonistas: Rodan, el hijo del volcán; Mothra, la gigantesca polilla benefactora y King Ghidorah, el villano definitivo y clásico de las películas de Godzilla.

La película destila una espectacularidad visual, tanto en los combates entre kaijus, que resultan impresionantes, como en toda la tecnología de Monarch y las escenas de destrucción y las ciudades dañadas. Los kaijus son absolutamente sorprendentes y muy bien desarrollados, basándose en los diseños originales y adaptándolos para aprovechar al máximo la tecnología digital de efectos visuales. De esta manera, obtenemos unas criaturas impresionantes muy alejadas de aquellos primeros monstruos que eran marionetas y hombres disfrazados propios de las películas de los años 50 a 70. Además, la historia tiene diversos guiños además de recuperar a los kaijus clásicos: el personaje del Dr. Serizawa (buena interpretación de Ken Watanabe), el sistema de control mental de los kaijus, el origen alienígena de Ghidorah, el Destructro de Oxígeno (arma utilizada en la película original de 1954 para matar a Godzilla) y, por supuesto, aprovechar el excelente tema musical original de Akira Ifukube para la banda sonora. Y es que la música de la película acompaña perfectamente aportando temas épicos y memorables, tanto con la base de Ifukube como mediante los temas compuestos para esta cinta.

Al contrario de lo que sucede en la película de 2014, y recuperando lo logrado en Kong, los protagonistas humanos y su subtrama resultan más interesantes y están mejor desarrollados, por lo que los espectaculares enfrentamientos y apariciones de los kaijus quedan equilibrados por la trama de los humanos. Estos tienen momentos muy interesantes con escenas muy logradas, como cuando tienen que moverse en los entornos donde Godzilla y Ghidorah combaten. De esta manera se magnifica el aspecto épico de la lucha de los titanes, auténticos dioses, fuerzas de la naturaleza imparables para los que los humanos son meras molestias. En conclusión se trata de una película meritoria, digna de esta saga que deja un buen nivel y que honra a las películas originales de Godzilla tomando lo mejor de las mismas y adaptándolo a otros tiempos.

Iron Sky: The Coming Race (2019)

Título: Iron Sky: The Coming Race

Título original: Iron Sky: The Coming Race

País: Finlandia

Productora: Coproducción Finlandia-Alemania; 27 Films Production / Iron Sky Universe
Director: Timo Vuorensola

Guión: Timo Vuorensola

Reparto: Udo Kier,  Julia Dietze,  Tom Green,  Lloyd Kaufman,  Stephanie Paul,  Kari Ketonen, Jukka Hilden,  Tero Kaukomaa,  Dalan Musson,  Lara Rossi,  Vladimir Burlakov
Sinopsis:

La secuela de "Iron Sky" (2012) nos llevará 20 años más tarde de un apocalípsis nuclear en la Tierra. Lo que queda de la humanidad está atrapado en la Luna en la base nazi. Enterrado en lo más profundo del desierto se esconde una fuerza que puede salvar lo que queda de la humanidad, o destruirla de una vez por todas y para siempre. La verdad que se esconde tras la creación de la humanidad será revelada cuando un viejo enemigo lleva a nuestros héroes a una aventura al interior de la Tierra. Para salvar a la humanidad deberán luchar contra los Vril, una antigua raza reptil y su armada de dinosaurios. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Segunda parte de la divertida y genial Iron Sky que vuelve a la carga con el humor y la parodia de las teorías de la conspiración a través de una historia de ciencia ficción. Mientras que en la primera parte teníamos a los nazis en la cara oculta de la Luna, en esta ocasión, 20 años después del holocausto nuclear, surge una nueva amenaza y nuevas teorías de la conspiración de las que reírse: la Tierra hueca y los reptilianos. Pero el tono ácido y satírico va más allá con la inclusión de la disparatada secta religiosa de los Jobsistas, adoradores de Steve Jobs y la marca Apple.

La película tiene un tono más ligero que su predecesora y encadena una serie de acontecimientos y escenas que combinan la acción y el humor.  Se trata de una secuela divertida, amena, y que ofrece lo que promete: parodias de conspiraciones con una trama disparatada y con más efectos especiales que su predecesora. Momentos como la reunión de los reptilianos (todos personajes históricos de cierta relevancia), la absurda liturgia jobsista o la carrera en carros tirados por triceratops aportan ese tono de locura propio de estas dos películas. Y es que Iron Sky: The Coming Race no deja de ser, como su predecesora, una comedia ligera para reírse a costa de las absurdas teorías de la conspiración salpimentadas con ciencia ficción y humor.

Por ello, esta secuela no hay que verla como una cinta seria, sino como una nueva disparatada reunión de tópicos y clichés conspiranoicos revisionados bajo el prisma del humor y un toque de sátira que es de agradecer. Humor desenfadado con toques de acción para reírse gracias a esta revisión de diversas teorías de la conspiración.

Kaiju Incorporated

¡EL VERDADERO MONSTRUO SE LLAMA TRABAJO!

¡Lánzate a vivir la vida de quienes trabajan para las mayores multinacionales kaiju del planeta!

Reconstruir el mundo después de haber sufrido ataques de monstruos gigantes requiere una colosal cantidad de mano de obra. ¿Te atreverás a enfrentarte a los peligros del caos, la destrucción, los residuos biológicos, el departamento de recursos humanos, mínimas perspectivas profesionales y, sobre todo, huellas enormes? ¡Descúbrelo en Kaiju Incorporated: el juego de rol!

¡Que no os detengan los charcos de baba, los escombros volando por encima de vuestras cabezas, los atascos o las ridículas políticas de relaciones públicas!

KAIJU INCORPORATED.

No es solo una aventura…

¡Es un trabajo!

Kaiju Incorporated (El juego de rol del capitalismo Kaiju) es un Mundo Fate que necesita el manual de Fate Básico para jugarse. Presenta una ambientación basada en las películas clásicas de Kaiju-eiga, desde la original Godzilla de 1954 hasta las influencias del cine y la animación de robots gigantes y la reciente Pacific Rim. En el mundo de Kaiju Incorporated los kaijus llevan apareciendo desde los años 50, sembrando el caos y la destrucción cada vez que atacan. Pero el control de daños y la reconstrucción después de cada incursión se han convertido en un poderoso negocio con una potente industria y grandes corporaciones que hacen riquezas de esto. Además, han desarrollado la K-tech, tecnología basada en los kaijus, que va desde abono de Kaiju hasta hamburguesas de carne de kaiju y todo tipo de productos de consumo. En este mundo, las corporaciones son las amas del negocio y los ases kaiju, los pilotos de los robots gigantes que se despliegan para combatir a los monstruos, estrellas de gran fama.

El papel de los jugadores es el de miembros de un Equipo Kaiju. Estos son equipos de trabajos al servicio de las corporaciones que colaboran en los ataques ayudando en la evacuación, rescatando civiles, conteniendo los daños o haciendo cualquier cosa necesaria, incluso ayudando a preparar trampas para los kaiju, aunque son los ases los que se llevan toda la fama. De esta manera, los jugadores se verán enfrentados a ataques de todo tipo de kaijus, como Blobstera (homenaje a The Blob, 1958), Kudzus (basado en Swamp Thing) o Thorzilla (un Godzilla con aliento helado y descargas de electricidad). El director de juego tiene que planear el ataque del kaiju así como las consecuencias y peligros asociados al mismo que los jugadores deberán afrontar para cumplir los objetivos de la empresa. Pero pueden surgir otras complicaciones además del kaiju. Y es que se pueden encontrar con equipos ilegales que venden restos en el mercado negro, otakaijus (fans de los kaijus que buscan estar lo más cerca de sus ídolos monstruosos), equipos rivales de otras corporaciones enviados para molestar o sabotear o, incluso, liberawillys (defensores de los derechos de los kaijus).

El juego se define a sí mismo "El juego de rol del capitalismo Kaiju", y es que, junto con el humor y la acción hay un fuerte componente paródico del sistema capitalista, ya que las corporaciones dirigen todo lo relacionado con los kaijus y generan millones en beneficios con los productos de consumo asociados. Así pues, Kaiju Incorporated es un juego que ofrece una parodia divertida del clásico tema de los kaijus con un giro original, diferente y muy interesante. Está creado para el sistema Fate, pero se puede adaptar fácilmente para su uso con otros sistemas de juego. 

X-Men: Fénix oscura (2019)

Título: X-Men: Fénix oscura

Título original: Dark Phoenix

País: Estados Unidos

Productora: 20th Century Fox Film Corporation / Bad Hat Harry Productions / Donners' Company
Director: Simon Kinberg

Guión: Simon Kinberg (Historia "Saga de Fénix Oscura": John Byrne, Chris Claremont. Creador de Fénix: Dave Cockrum. Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)

Reparto: Sophie Turner,  James McAvoy,  Michael Fassbender,  Jennifer Lawrence, Jessica Chastain,  Nicholas Hoult,  Tye Sheridan,  Alexandra Shipp, Kodi Smit-McPhee,  Evan Peters,  Scott Shepherd,  Ato Essandoh, Brian d'Arcy James,  Summer Fontana,  Hannah Emily Anderson

Sinopsis:

Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men. (FILMAFFINITY)

Crítica:

X-Men: Fénix oscura supone el fin de un ciclo dentro de los X-Men y, aunque así no fuera, que supiéramos con seguridad que la saga continuara, resulta decepcionante al ver lo insípida que se vuelve en algunos momentos. Una película que presente algo tan trascendental e importante como la Fuerza Fénix, sin necesidad de suponer un fin de ciclo, debe tener una carga argumental de dramatismo y épica bastante importante, ser capaz de mantener al espectador sentado y atento, sin perder la concentración y atento a todo lo que está pasando en la pantalla.

En lugar de la historia cargada de dramatismo y tensión que supuso la saga original de Fénix oscura en los comics nos encontramos con algo diferente. Se trata de una historia que, aunque tiene los toques de dramatismo necesarios, esto son escasos. Es cierto que hace usos de algunos recursos de forma apropiada, como el llevar a diversos personajes al extremo, enfrentándolos a situaciones que los ponen al límite y les hacen afrontar o asumir su oscuridad interior. Pero más allá de esto, encontramos una historia con un ritmo inconstante, que se acelera y no da tiempo a reposar las acciones y desarrollar apropiadamente la trama. Además, encontramos a unos villanos de origen alienígena bastante anónimos y olvidables, unos meros recursos secundarios para ofrecer una mayor dosis de acción y donde la líder del grupo, que pretende manipular a Jean Grey, es una entidad completamente anónima y carente por completo de profundidad. Para colmo de males, en diversas escenas los alienígenas hablan en su lengua natal y existen versiones de la película en la que no están subtitulados estos diálogos. Además, resulta curioso que sólo en una ocasión, y durante uno de los diálogos en lengua alienígena, se identifique a los aliens. Igualmente en una sola ocasión se le da a Jean Grey el nombre de Fénix, lo que hace que el título de la película resulte un tanto inconexo.

Es de agradecer que hayan dejado atrás la olvidable y nefasta X-Men: The last stand con su ridículo origen para el Fénix, y que en esta ocasión si se hable de una fuerza cósmica. Sin embargo, la película en general, aunque es entretenida, no deja de carecer de la fuerza que requeriría un proyecto de este tipo. Por ello, el espectador no sentirá que ha tirado su dinero, pero se puede sentir defraudado ya que es una película por debajo de las expectactivas que merece un título relacionado con la Fuerza Fénix.

Iron Sky (2012)

Título: Iron Sky

Título original: Iron Sky

País: Finlandia

Productora: Blind Spot Pictures / 27 Films Production / New Holland Pictures / Tuotantoyhtiö Energia / YLE/SARI Volanen
Director: Timo Vuorensola

Guión: Michael Kalesniko, Timo Vuorensola (Historia: Johanna Sinisalo)

Reparto: Julia Dietze,  Christopher Kirby,  Götz Otto,  Tilo Prückner,  Peta Sergeant, Stephanie Paul,  Udo Kier,  Kym Jackson,  Yuki Iwamoto,  George Koutros,  Fang Yu, James Quinn

Sinopsis:

A finales de la Segunda Guerra Mundial un grupo de científicos nazis lanzó un cohete en dirección a la cara oculta de la Luna. Una vez allí, establecieron un campamento secreto que les permitió recomponerse y formar un nuevo ejercito. 2018 es el año que han escogido para regresar a la Tierra, con una misión muy clara: dominar, de una vez por todas, a la Humanidad. La amenaza de un posible IV Reich todavía pervive en el subconsciente colectivo, y Timo Vuorensola ha decidido convertirla en materia prima de una comedia paródica y descacharrante. Creada por el equipo que realizó "Star Wreck: In the Pirkinning". (FILMAFFINITY)

Crítica:

Con una hábil estética dieselpunk, Iron Sky es una divertida comedia que satiriza las teorías de la conspiración en torno a los nazis, en particular el hecho de que hayan sobrevivido en una base secreta en la cara oculta de la Luna. Con un afilado y en ocasiones ácido sentido del humor, la película aprovecha la ciencia ficción para realizar una crítica política con diversas referencias y guiños, no dejando títere con cabeza. Tener a Udo Kier como Führer Lunar es todo un acierto, y está acompañado por un plantel de actores que logra mantener el tipo y darse la réplica en esta alocada comedia.

Se trata de una película con buenas dosis de humor, unos escenarios y estética dieselpunk muy logrados y con unas dosis de sátira y parodia que encajan y ayudan a dar más peso a la historia. Sin embargo, aunque se disfruta y tiene momentos deliciosamente delirantes, el ritmo de la trama es desigual. Mientras que en algunas escenas te mantiene en tensión o riéndote con las ocurrencias de los personajes, en otras el espectador se queda un tanto descolgado por que la película pierde fuerza. Aun así, pese a estos altibajos que tiene la historia, resulta entretenida y logra su objetivo.

Por ello, Iron Sky es una película muy recomendable por su humor, su nada velada parodia y crítica social y que rinde honores al género de ciencia-ficción de esta manera. Con una estética muy cuidada y aprovechando muy bien teorías de la conspiración, elabora una historia amena y que deja un buen sabor de boca.

Books from the Crypt #89: El color de la magia y La luz fantástica

Título: El color de la magia y La luz fantástica

Título original: The Colour of Magic, The Light Fantastic

Autor: Terry Pratchett

Año: 1983, 1986
Género: Fantasía, Humor

Sinopsis:
-El color de la magia.
En un mundo plano sostenido por cuatro elefantes impasibles -que se apoyan en la espalda de una tortuga gigante- habitan los estrafalarios personajes de esta novela: un hechicero avaro y torpe, un turista ingenuo cuyo fiero equipaje le sigue a todas partes sostenido por cientos de patitas, dragones que existen si se cree en ellos, gremios de ladrones y asesinos, espadas mágicas, la Muerte y, por supuesto, un extenso catálogo de magos y demonios... En esta serie de novelas se dan cita todos los temas y situaciones del género fantástico, visto a través del personalismo y corrosivo sentido dela comicidad de un autor inglés que se ha convertido en uno de los escritores de humor de mayor éxito y fama en el mundo.

-La luz fantástica.
Un nuevo día, sereno y apacible, empieza en Mundo Disco. Como es habitual, la gran tortuga navega por el éter entregada a reflexiones inescrutables, sosteniendo en su caparazón a los cuatro elefantes sobre los que descansa el mundo. Sin embargo, se avecina una inexorable colisión con una malévola estrella roja, y sólo una persona puede poner remedio al inminente desastre: Rincewind, el inepto y cobarde hechicero. Por desgracia, Rincewind fue visto por última vez cuando caía por el borde del mundo... Esta serie de novelas está considerada la más divertida y heterodoxa saga fantástica jamás escrita. Como ha señalado la crítica, "las novelas de Terry Pratchett deberían ser lectura obligada para aquellos que se toman la vida demasiado en serio".

Crítica:

El color de la magia y La luz fantástica son las dos primeras novelas de la larga saga de Mundodisco creada por Terry Pratchett. En estas dos novelas, siendo la segunda una secuela directa tras el final abierto de la primera, este genial escritor inglés nos presenta su más conocida y peculiar creación: el Mundodisco. Planteado originalmente como una parodia de la fantasía heroica, su protagonista, Rincewind, es un total, completo y absoluto fracasado como mago. Pratchett toma el arquetipo del héroe de fantasía, en este caso el mago, y la da la vuelta para convertirlo en un antihéroe cobarde, flacucho, con barba desastrada y un absoluto negado para practicar la magia. Pero no se queda ahí, sino que lo convierte en compañero forzoso de Dosflores, el primer turista del Mundodisco. Este personaje es representado como una parodia del turista arquetípico, igualándolo así a toda la ambientación.

Y es que Mundodisco en ningún momento deja de ser eso: una parodia, una revisión humorística y retorcida de los estereotipos y clichés de la fantasía heroica más típica. Así pues, ambas novelas, además de servir de presentación para la ambientación, nos muestran todo tipo de situaciones clásicas de otras historias fantásticas vistas desde una perspectiva llena de humor y retorcidas para mostrar su lado más risible y absurdo. De esta manera Pratchett da inicio a una larga saga que, con este humilde comienzo, nos introduce en una ambientación original, única, que bebe de muchas fuentes y que las parodia y homenajea a todas. Aunque aquí nos encontramos a un Pratchett que está experimentando con el Mundodisco, con una ambientación novata que necesita madurar y que va mejorando a medida que avanza, si que logra asentar firmemente las bases de su humor y genio literario para disfrute del lector.

Books from the Crypt #88: Ilión

Título: Ilión

Título original: Ilium

Autor: Dan Simmons

Año: 2003
Género: Ciencia ficción

Sinopsis: La historia del asedio de Troya (Ilión), reconstruída en un lejano futuro con elementos de ciencia ficción: los dioses son post-humanos que disponen de una "divina" tecnología cuántica, el Monte Olimpo está en Marte y los nuevos robots "moravecs" de más allá del cinturón de asteroides se interesan por la inusitada actividad que se observa en el planeta rojo. Mientras tanto, los últimos humanos en la Tierra viven una insulsa vida de "eloi" bajo la atenta vigilancia y supervisión de unos misteriosos Voynix de origen desconocido. Los elementos para la más inteligente revisión de la más clásica aventura épica humana están servidos.

Crítica:

Dan Simmons ofrece con Ilión una novela vendida al peso (pues es un libro bastante grueso, de unas 1 000 páginas) en la que hace una lectura comentada y revisión de la Ilíada a través de los ojos de Thomas Hockenberry, un profesor especializado en este poema épico y trasladado en el tiempo por el capricho de los dioses griegos para que sea testigo del desarrollo de la guerra de Troya y lo documente para verificar si se produce tal cómo lo describió Homero.

Por otro lado, tenemos la historia de Mahnmut y Orphu de Io, dos moravecs embarcados en una misión a Marte y que se convierten en manos de Simmons en dos humanistas y críticos literarios que, durante su viaje y sus aventuras, aprovechan para analizar y debatir los sonetos de Shakespeare y À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. Sin embargo, este interludio literario no es forzado, sino que se desarrolla progresivamente a lo largo de las andanzas y situaciones en las que se ven involucrados los dos robots sintientes.

Finalmente, como tercera historia, el autor nos habla de un pequeño grupo de humanos en la Tierra, que, debido a la curiosidad de algunos, han buscado algo más que la insulsa y hedonista vida que viven. Estos se ven involucrados en un viaje y una búsqueda para dar con los misteriosos posthumanos y saber más sobre su mundo y la historia del mismo para, de esta manera, tratar de dar respuesta a preguntas más trascendentales sobre su existencia y comprender lo que les ha llevado a su situación actual.

Estas tres historias se van turnando a medida que avanzan, pasando de una a otra y revelando poco a poco como están conectadas para, llegado el momento, incluso llegar a cruzarse para conformar un todo cohesionado. Es de esta manera como Simmons demuestra su habilidad creativa y para escribir y desarrollar estas historias que combinan la épica clásica con interesantes personajes y disquisiciones literarias. En conjunto se trata de una obra sumamente interesante, que permite obtener una vista diferente de la Ilíada de Homero y un nuevo atisbo a los sucesos de la guerra de Troya. Combinando todo esto en un entorno de ciencia ficción, nos topamos con una novela larga, intensa, y que no se hace pesada aunque la trama es bastante extensa.

Vengadores: Endgame (2019)

Título: Vengadores: Endgame

Título original: Vengadores: Endgame

País: Estados Unidos

Productora: Marvel Studios
Director: Anthony Russo,  Joe Russo

Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Jim Starlin. Personajes: Stan Lee, Jack Kirby)

Reparto: Robert Downey Jr.,  Chris Evans,  Mark Ruffalo,  Chris Hemsworth, Scarlett Johansson,  Jeremy Renner,  Don Cheadle,  Paul Rudd,  Brie Larson, Karen Gillan,  Josh Brolin,  Benedict Cumberbatch,  Chadwick Boseman,  Tom Holland, Zoe Saldana,  Evangeline Lilly,  Tessa Thompson,  René Russo,  Elizabeth Olsen, Anthony Mackie,  Sebastian Stan,  Tom Hiddleston,  Danai Gurira,  Benedict Wong, Pom Klementieff,  Dave Bautista,  Letitia Wright,  John Slattery,  Tilda Swinton, Jon Favreau,  Hayley Atwell,  Natalie Portman,  Marisa Tomei,  Taika Waititi, Angela Bassett,  Michelle Pfeiffer,  Michael Douglas,  William Hurt,  Cobie Smulders, Sean Gunn,  Winston Duke,  Linda Cardellini,  Maximiliano Hernández,  Frank Grillo, Hiroyuki Sanada,  Tom Vaughan-Lawlor,  James D'Arcy,  Jacob Batalon,  Vin Diesel, Bradley Cooper,  Gwyneth Paltrow,  Robert Redford,  Chris Pratt,  Samuel L. Jackson, Alexandra Rachael Rabe,  Ross Marquand,  Joe Russo,  Emma Fuhrmann, Michael James Shaw,  Terry Notary,  Yvette Nicole Brown,  Callan Mulvey, Taylor Patterson,  Ken Jeong,  Ty Simpkins,  Stan Lee

Sinopsis:

Después de los eventos devastadores de 'Avengers: Infinity War', el universo está en ruinas debido a las acciones de Thanos, el Titán Loco. Con la ayuda de los aliados que quedaron, los Vengadores deberán reunirse una vez más para intentar deshacer sus acciones y restaurar el orden en el universo de una vez por todas, sin importar cuáles son las consecuencias... Cuarta y última entrega de la saga "Vengadores". (FILMAFFINITY)

Crítica:

Vengadores: Endgame es la culminación de 10 de años de cine de Marvel. Durante este tiempo, Marvel ha logrado demostrar que se puede hacer buen cine de superhéroes e ir un paso más allá creando un universo compartido de forma similar a como sucede en los cómics. A lo largo de todo este tiempo se han ido acumulando indicios y señales de esa meta trama que se iba desarrollando poco a poco y que ha conducido a una adaptación libre del Guantelete del Infinito de Jim Starlin. Y es que, a fin de cuentas, todo el Universo Cinematográfico Marvel (UCM) no deja de ser una versión libre de los personajes aparecidos en los cómics y sus aventuras.

Durante este tiempo hemos visto muchas películas de presentación de personaje y otras que avanzaban más en la meta trama al tiempo que permitía ver la evolución de los distintos héroes y el universo en conjunto. La calidad de las películas ha sido variable, pero siempre se ha mantenido un mínimo que ha permitido seguir adelante con este ambicioso proyecto. Y es que la adaptación de la saga de las Gemas del Infinito rezuma sobre todo ambición. Es el deseo hecho realidad de llevar a la gran pantalla una historia épica dentro del Universo Marvel. Y los hermanos Russo lo han conseguido con gran acierto.

Tras la épica y tragedia de Vengadores: Infinity War, en la que los héroes, desunidos, se enfrentaban a la amenaza de Thanos, que estaba reuniendo las Gemas del Infinito, para acabar con un final tan desesperanzador y terrible, Endgame hace honor a su título. Es la jugada final, el último movimiento por parte de los héroes del UCM para poder derrotar a Thanos. Con los héroes hundidos, derrotados, sólo una pequeña esperanza les puede permitir alzarse con la victoria. Y es así como durante dos terceras partes de la película, los hermanos Russo nos muestran como con mayor o menor acierto los Vengadores supervivientes tratan de poner en marcha un plan desesperado y con muchas posibilidades de fracaso. Para ello los vemos hundidos, derrotados, en sus horas más bajas. Todo, para, finalmente, acabar con la más épica y descomunal batalla que se ha mostrado hasta la fecha en el UCM.

Endgame es un ejercicio de grandiosidad y épica, con héroes caídos que deben alzarse para triunfar contra la adversidad. Y, los hermanos Russo lo logran. Logran que la película enganche al espectador, que se emocione y sufra, que admire los esfuerzos y se lamente de los fracasos. Es el broche de oro, el punto final perfecto en su imperfección para 10 años. Un cierre de etapa idóneo que no hay que dejar pasar.

Descanso de Semana Santa

Con la inminente llegada de la Semana Santa llega el momento de hacer una pausa y tomar un descanso en la Necrópolis de la Luna Negra. De esta manera, los lectores podréis seguir acudiendo a este blog a consultar sus contenidos, pero las publicaciones se detendrán durante un período de unas dos semanas. Retornaremos a la actividad al comenzar el mes de mayo. Esto se debe a que, por causas ajenas a la voluntad del que escribe, es necesario tomar un merecido descanso para reponer fuerzas.

Mientras, en La Llave y la Puerta:

Brontes ha concluido las 12 pruebas que demuestran que es un dios y, cuando parece que todo va a volver a la normalidad, nos encontramos con que Nyarlathotep se ha revelado como el causante de la creciente actividad paranormal y sobrenatural en Arkham. Comienza el fin de La Llave y la Puerta, comienza End Time.

Estación Terminal

El tren se detiene en una vieja estación. Varias figuras vacilantes descienden al andén. Desconocidos. Recelosos. Intercambian miradas nerviosas mientras dan un vistazo en derredor. Delante, la más absoluta oscuridad. Detrás, una vida repleta de aristas. ¿Fin de trayecto? Ni mucho menos. Las luces parpadean sobre el umbral que anuncia la única salida.

Dicen que la estación devora a los viajeros, que los convierte en sombras encerradas en cárceles construidas con sus remordimientos para siempre. Dicen que, entre sus muros, encierra laberintos plagados por monstruos inenarrables y que, en el centro de esa pesadilla, están las respuestas que buscas.

Bienvenido a Estación Terminal.

En este nuevo Mundo Fate, los jugadores encarnarán a unos viajeros recién llegados a la estación. Deberán escapar de ella antes de que las sombras, reflejos y doppelgänger que moran más allá del umbral devoren su voluntad. No hay salida aparente, pero los viajeros más resueltos pueden descubrir claves ocultas que podrían resultar de ayuda, apenas unas migajas de luz en mitad de la oscuridad. Pronto comprenderán que cualquier esperanza de huida pasa por vencer a sus propios fantasmas.

Estación Terminal ofrece al director de juego un singular sistema narrativo para ajustar la geografía emocional del escenario a los miedos y pesares de los protagonistas a partir de sus aspectos más oscuros. El resultado es una historia siempre distinta, inquietante y personalizada.

¿TE ATREVES A TOMAR EL ÚLTIMO TREN?

Estación Terminal es un Mundo Fate español de la editorial Nosolorol que presenta una ambientación de terror, suspense y angustia, que bebe de fuentes como La Divina Comedia de Dante Alighieri, los Libros de Sangre de Clive Barker, La Escalera de Jacob, Kult y Silent Hill. También podríamos incluir como referencias la obra de Thomas Ligotti por su caracter onírico y pesadillesco, así como podrían resultar útiles otras obras de tono de horror de supervivencia de caracter sobrenatural y de castigo. Y es que la Estación Terminal es una ambientación que representa un purgatorio en donde los personajes deben pagar por sus culpas y, para ello, deben confrontar sus miedos, pesadillas y horrores internos para así enfrentarse a su pecado y su terrible carga emocional. Por ello, se trata de una ambientación dirigida a un público adulto y que busque una experiencia de juego diferente.

Este título dentro de los Mundos Fate es una clara apuesta por el terror más psicológico y el horror sobrenatural de supervivencia, ofreciendo una ambientación más dirigida a poner a prueba la mente de los personajes más que su integridad física (que no por ello puede quedar impune) y que juega con la culpabilidad y la psicología. De esta manera, los personajes deben hacer frente a sus miedos, pecados, culpas y acciones del pasado que les han conducido a acabar en la Estación Terminal. Éste mundo, desde el momento en que los personajes entran en él, tiene un único objetivo: destruirlos anímica y psicológicamente para alimentarse de su dolor y culpa y someterlos a una continua tortura mental para hacerles sufrir. Por ello, los personajes deben hacer frente a su lado más oscuro si pretenden sobrevivir, lo que les llevará a una continua tensión.

La ambientación ofrece una serie de desafíos, situaciones y adversarios planteados de forma genérica para poder adaptarlos y personalizarlos, así como unos arquetipos de personaje que tiene sus aspectos positivos y negativos y que permiten adaptar todo tipo de personalidades y sujetos para introducirse en la Estación Terminal. Un aspecto interesante y destacable es el hecho de que los personajes no se crean previamente. En su lugar, la partida empieza con los personajes jugadores en un tren, de camino a la Estación Terminal y, durante ese breve trayecto, siguiendo las instrucciones del director de juego, se van creando poco a poco, paulatinamente, mientras se dirigen a su destino. Esto ofrece una experiencia diferente, ya que sumerge a los jugadores en la historia desde el primer minuto. Por otro lado, cada partida debe ser completamente única y personalizada, adaptada a las fobias, culpas, pecados y crímenes cometidos por cada uno de los personajes en las diferentes partidas, de manera que la ambientación ofrece una serie de visitas adaptadas a cada grupo en concreto. Este tipo de juego está preparado para una campaña de corta duración, que conste de pocas sesiones y que someta a un fuerte estrés psicológico a los personajes, lo que el manual llama Modo Pesadilla. Pero también incluye consejos para jugar en modo abierto, de manera que se convierta en un escenario para una campaña larga de terror y supervivencia en este hostil entorno.

En conclusión, Estación Terminal es una opción muy interesante para jugar partida de horror de supervivencia con un fuerte componente sobrenatural y que puede jugarse con el sistema FATE Acelerado, para el que está diseñado, o puede adaptarse fácilmente a cualquier otro sistema de juego que el director desee, ofreciendo así múltiples posibilidades y recursos para afrontar esta experiencia.

Overlord (2018)

Título: Overlord

Título original: Overlord

País: Estados Unidos

Productora: Bad Robot / Paramount Pictures. Distribuida por Paramount Pictures
Director: Julius Avery

Guión: Billy Ray, Mark L. Smith (Historia: Billy Ray)

Reparto: Jovan Adepo,  Wyatt Russell,  Mathilde Ollivier,  Pilou Asbæk,  John Magaro, Iain De Caestecker,  Jacob Anderson,  Dominic Applewhite,  Bokeem Woodbine, Erich Redman,  Mark McKenna,  Hayley Carmichael,  Marc Rissmann

Sinopsis:

II Guerra Mundial. Antes del Día D, un grupo de paracaidistas estadounidenses cae tras las líneas enemigas para realizar una misión crucial. Pero, a medida que se acercan a su objetivo, empiezan a darse cuenta de que algo más que una simple operación militar está sucediendo en esa aldea ocupada por los nazis. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Overlord es el nombre clave de la operación del desembarco de Normandía. En este caso sirve de título a un thriller de acción y terror ambientado en la II Guerra Mundial en la que un grupo de paracaidistas tiene que cumplir una misión que facilitará el éxito del desembarco y que, como acicate, la tienen que cumplir dentro de un plazo determinado, actuando contrarreloj.

Se trata de una película con bastantes dosis de acción, sobre todo con el impactante comienzo con los aviones dirigiéndose hacia el interior de Francia sometidos a un intenso fuego antiaéreo. En principio se presenta como un típico producto de acción ambientado en la II Guerra Mundial, aunque luego empieza a dejar caer elementos de terror más o menos logrados. Y es que el suspense que debería dejarse entrever por los experimentos que están realizando los nazis con la población local se queda bastante descafeinado, recurriendo demasiado a menudo a clichés y recursos fáciles que hacen desmerecer el resultado. Lamentablemente, el uso de este tipo de tópicos, que bien utilizados pueden resultar muy favorecedores, en este caso logran bajar la calidad de la película.

En conjunto, en lugar de un Wolfenstein lleno de acción y suspense con nazis y sus experimentos con humanos, nos encontramos con una historia ligera, con elementos poco aprovechados y con unas convenientes dosis de acción que, lamentablemente, hace demasiado uso de clichés. Por lo demás, es una película que se deja ver y entretiene sin ser memorable o particularmente llamativa.

A ciegas (2018)

Título: A ciegas

Título original: Bird Box

País: Estados Unidos

Productora: Universal Pictures / Chris Morgan Productions / Bluegrass Films. Distribuida por Netflix
Director: Susanne Bier

Guión: Eric Heisserer (Novela: Josh Malerman)

Reparto: Sandra Bullock,  Trevante Rhodes,  John Malkovich,  Sarah Paulson,  Jacki Weaver, Danielle Macdonald,  Julian Edwards,  Vivien Lyra Blair,  Rosa Salazar,  BD Wong, Tom Hollander,  Machine Gun Kelly,  David Dastmalchian,  LilRel Howery, Happy Anderson,  Amy Gumenick,  Parminder Nagra,  Taylor Handley,  Keith Jardine, Chanon Finley,  Damon O'Daniel,  Matt Leonard

Sinopsis:

Un lustro después de que una misteriosa presencia sobrenatural llevara al suicidio a una gran parte de la sociedad, una de las supervivientes, Malorie Hayes (Sandra Bullock), y sus dos hijos, buscan desesperadamente el modo de salvarse río abajo, en una pequeña barca, hacia un lugar seguro. (FILMAFFINITY)

Crítica:

A ciegas (Bird Box, cuyo título original considero más acertado que el escogido en español) es una película que adapta la novela homónima de Josh Malerman y estrenada en la plataforma Netflix. Se trata de una película de terror y suspense de carácter muy atmosférico y que aprovecha muy bien la naturaleza de la amenaza haciéndola invisible. Y es que en ningún momento se ve a las criaturas, tan sólo se percibe un efecto que revela su presencia próxima y una sombra informe. Así pues, la historia juega con la sugestión y la imaginación, ya que el espectador en ningún momento ve a las criaturas y cualquier cosa que se mostrara sería infinitamente menos impactante que lo que el espectador imagina. Se trata de un gran acierto, haciendo hincapie en los supervivientes que tratan de seguir adelante frente a esta terrible amenaza que sólo con verla ya puede provocar la locura o la muerte.

Se trata de una historia muy bien narrada en dos partes que se van alternando mutuamente: el viaje de Malorie y sus hijos en busca de un refugio seguro y como empezó todo y va avanzando hasta llegar al "presente" en que ella tiene que decidir hacer el viaje a través del río. Este tipo de estructura puede resultar cargante o confusa si no se ejecuta correctamente, pero en esta película queda bien montada y ejecutada, de manera que las transiciones entre ambas historias son correctas y permiten ubicarse entre ambas sin perder el hilo. En conjunto se trata de un título altamente recomendable, que juega con la sugestión de forma muy acertada y logra mantener al espectador atento y expectante ante lo que sucede, dando más peso a las acciones de los protagonistas y personajes humanos que a los monstruos en sí.

Books from the Crypt #87: Trabajos de amor ensangrentados

Título: Trabajos de amor ensangrentados

Título original: Love Lies Bleeding

Autor: Edmund Crispin

Año: 1948
Género: Novela policíaca

Sinopsis: La escuela Castrevenford está inmersa en los preparativos para celebrar el fin de curso, y el excéntrico profesor de Oxford y detective aficionado Gervase Fen (al que ya conocimos en La juguetería errante y El canto del cisne), liberado de sus obligaciones laborales, ha sido convocado a entregar los premios a los discursos más brillantes. Sin embargo, la noche previa al gran día, extraños sucesos acontecen en el colegio, y dos profesores son asesinados. Mientras intenta desentrañar el misterio, Fen se ve obligado a resolver un secuestro con la ayuda de un sabueso con demencia senil, a apaciguar a una plétora de colegialas enloquecidas y, de paso, a averiguar el paradero de un manuscrito perdido de Shakespeare que se demuestra letal en extremo.

Crítica:

Tercera novela del detective aficionado Gervase Fen. En esta ocasión, el profesor de Oxford se enfrenta a una difícil situación, con el secuestro de una alumna y un asesinato. De esta manera se ve involucrado en una complicada investigación que pone a prueba sus capacidades. Como sucede con las anteriores novelas, se trata de una historia de detectives con algunos toques de histrionismo, comedia un tanto negra y una divertida trama, salpicada con costumbrismo inglés en una escuela y su entorno.

Edmund Crispin demuestra una vez más su talento e imaginacion al elaborar esta novela, desarrollando una trama amena, con multiples giros argumentales que van complicando la historia poco a poco. Una vez más vuelve a hacer uso de los clichés y arquetipos del género, logrando montar una historia que se hace entretenida, amena y, pese al uso de esos manidos recursos, engancha al lector que aguarda la resolución del caso con ganas. Se trata de una novela interesante, amena, con algunos toques de reflexión interesante y una historia bien elaborada. 

Books from the Crypt #146: El canto del cisne

Título: El canto del cisne

Título original: Swan Song

Autor: Edmund Crispin

Año: 1947
Género: Novela policíaca

Sinopsis: Tras el éxito de La juguetería errante, vuelve el profesor de Oxford y detective aficionado Gervase Fen, para resolver otro extraño crimen a puerta cerrada. Cuando una encopetada compañía de ópera recala en Oxford para poner en marcha la primera producción posbélica de Los maestros cantores de Núremberg, de Wagner, la felicidad que reina en el ambiente pronto quedará ensombrecida por la aparición del odioso y molesto tenor Edwin Shorthouse. Todo el mundo tiene un motivo personal para odiar con toda su alma a Shorthouse, pero ¿quién de los presentes será tan torpe como para acabar con él ahorcándole y apuñalándole en su propio camerino, cerrado por dentro? Como dice Edmund Crispin en la primera línea de esta perspicaz novela: «Pocas criaturas hay en el mundo más estúpidas que un cantante».

Crítica:

El canto del cisne es la segunda novela del detective Gervase Fen, un curioso y peculiar profesor de Oxford de costumbres y maneras algo extravagantes que hizo su debut en La juguetería errante (Books from the Crypt #86: La juguetería errante). Como su predecesora, se trata de una novela curiosa, llamativa, divertida y algo extravagante, con una memorable trama que aprovecha todo tipo de clichés del género de detectives para orquestarlos en una obra completa, bien construida y amena. El lector habitual de este tipo de libros se encontrará con una serie de elementos prácticamente arquetípicos, pero que el autor utiliza apropiadamente y, aunque debido a eso hay algunos sucesos que se ven venir, no deja de ser una novela muy recomendable.

Los personajes están bien construidos y resultan divertidos por su humanidad y tendencia a algún que otro malentendido. Gervase Fen, el detective aficionado, resulta a veces sorprendente y a veces genial, de manera que, a medida que avanza la trama, somos testigos de sus evoluciones y acciones que, poco a poco, van encaminando la historia hacia su desenlace. De esta manera, tenemos una historia completa de detectives con ese sabor clásico de su tiempo, ya que está ambientada justo después de la II Guerra Mundial, con el mundo recuperándose de este conflicto y con la primera representación de una obra de Wagner en Inglaterra tras el conflicto como elemento inicial y desencadenante de la trama. Y es que, no hay que olvidar que debido a la preferencia de los nazis por la obra de Wagner, sus representaciones fueron prohibidas entre los aliados. Así pues, con la paz reestablecida, se permite de nuevo interpretar las obras de este magnífico artista alemán. De esta manera, con la música y la ópera como elemento cohesionador y justificación para la trama, nos hallamos en una novela de detectives clásica, pero que resulta interesante su lectura.

Capitana Marvel (2019)

Título: Capitana Marvel

Título original: Captain Marvel

País: Estados Unidos

Productora: Marvel Studios
Director: Anna Boden,  Ryan Fleck

Guión: Anna Boden, Ryan Fleck, Geneva Robertson-Dworet (Cómic: Gene Colan, Roy Thomas. Historia: Nicole Perlman, Meg LeFauve, Anna Boden, Ryan Fleck, Geneva Robertson-Dworet)

Reparto: Brie Larson,  Samuel L. Jackson,  Jude Law,  Ben Mendelsohn,  Gemma Chan, Annette Bening,  Lee Pace,  Mckenna Grace,  Clark Gregg,  Djimon Hounsou, Kenneth Mitchell,  Lashana Lynch,  Rune Temte,  Damon O'Daniel, Algenis Perez Soto,  Colin Ford,  Robert Kazinsky,  Chuku Modu,  Matthew Maher, Stephen A. Chang,  Pete Ploszek,  Mark Daugherty,  Vik Sahay,  London Fuller, Diana Toshiko,  Matthew Bellows,  Richard Zeringue,  Barry Curtis,  Nelson Franklin, Patrick Brennan,  Patrick Gallagher,  Connor Ryan,  Duane Henry,  Ana Ayora, Stanley Wong,  Don Cheadle,  Scarlett Johansson,  Chris Evans,  Mark Ruffalo, Stan Lee

Sinopsis:

La historia sigue a Carol Danvers mientras se convierte en uno de los héroes más poderosos del universo, cuando la Tierra se encuentra atrapada en medio de una guerra galáctica entre dos razas alienígenas. Situada en los años 90, 'Capitana Marvel' es una historia nueva de un período de tiempo nunca antes visto en la historia del Universo Cinematográfico de Marvel. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Capitana Marvel supone la introducción en el Universo Cinematográfico de Marvel de Carol Danvers, expiloto de la USAF y heroína relacionada con el imperio Kree. Se trata del último personaje introducido en esta continuidad y que supone una de las claves de la trama argumental general, ya que es un elemento importante para enfrentarse a Thanos en Avengers: Endgame.

La película comienza narrando la acción desde la perspectiva Kree, presentando a Carol Danvers como una guerrera de élite de las fuerzas de este imperio, que afirma estar amenazado por los Skrulls. De esta manera se introduce en la película el concepto de la guerra Kree-Skrull, que ha sido una constante dentro del universo de cómics de Marvel y que ha ayudado a definir el trasfondo de space opera de esta editorial. Aunque los Kree hayan acabado enfrentandose a otros imperios galácticos y facciones, como los Shiar, es su enfrentamiento contra los Skrulls el más icónico, hasta el punto de que supuso una saga muy emblemática de los Vengadores. De hecho, ambas facciones han aportado grandes personajes y han tenido su impacto en diversos héroes y grupos. En el Universo Cinematográfico de Marvel los Kree habían aparecido hasta ahora de forma tangencial en las películas de Guardianes de la Galaxia mientras que de los Skrulls aún no habíamos sabido nada, estrenándose en esta película.

¿Qué nos ofrece Capitana Marvel? Una historia amena, bien desarrollada y con personajes interesantes, con una visión al pasado, ya que se ambienta en la época de los 90 con el toque nostálgico para los que vivimos ese tiempo. Por otro lado, el mensaje ideológico/político es interesante. Tenemos por un lado el aspecto feminista, en el que Carol Danvers debe luchar durante toda su vida contra la desigualdad, ya que se la menosprecia por ser mujer e, incluso dentro de los Kree se la pone continuamente a prueba y es durante el recorrido de la película cuando Carol debe hacer frente a esta situación para asumir que no tiene porque demostrar nada a nadie. Por otro lado, la guerra Kree-Skrull nos ofrece un mensaje de tono más político, ya que desde el primer momento tenemos sólo la perspectiva Kree y cuando, finalmente, descubrimos la situación desde el lado enemigo, vemos que no todo es tal y como se pintaba desde el principio.

En conjunto supone una película que podemos considerar en la media de las adaptaciones de Marvel hasta la fecha, con una interesante y muy inspirada Annette Bening y un Jude Law muy bien situado que suponen una contrapartida a Brie Larson y Samuel L. Jackson, ambos como protagonistas. Esto, sumado al hecho de que esta película supone descubrir algunas de las claves que acabarían por definir a la propia SHIELD así como futuros acontecimientos, aporta un valor añadido a este título.

Books from the Crypt #145: Los MIl Hijos

Título: Los Mil Hijos

Título original: The Thousand Sons

Autor: Graham McNeill

Año: 2010
Género: Ciencia Ficción

Sinopsis: La Gran Cruzada vive un momento decisivo y los Mil Hijos luchan con entrega y lealtad. Sin embargo, el Imperio recela de la Legión de Magnus el Rojo a causa de sus métodos arcanos. Temido por aquellos a quienes ha jurado proteger, Magnus es llamado al planeta Nikaea para defenderse de las acusaciones de brujería. No obstante, cuando el desventurado primarca tiene visiones que predicen la traición de Horus, decide avisar al Emperador mediante poderes prohibidos, y el Señor de la Humanidad envía a Leman Russ, primarca de los Lobos Espaciales, a atacar Próspero, el planeta de los Mil Hijos. Pero Magnus ha visto más allá de la traición del Señor de la Guerra y estas revelaciones decidirán el destino de su Legión para siempre.

Crítica:

Los Mil Hijos es la 12ª novela de la serie de La Herejía de Horus, ambientada en el siniestro universo de ciencia ficción gótica de Warhammer 40k. Esta serie de novelas desarrolla la historia pasada de esta ambientación, 10 000 años antés, cuando se produce la guerra civil que divide a las Legiones de Marines Espaciales entre los leales al Emperador y los Traidores que se alían con los dioses del Caos. Esta novela en concreto narra la caída en desgracia de la legión de Los Mil Hijos, cuya particularidad es el gran número de psíquicos que la componen. Esto hace que, internamente, esté organizada como un culto mistérico dirigido por su Primarca, Magnus el Rojo, el mayor psíquico de la galaxia, sólo por debajo del Emperador en poder.

Graham McNeill desarrolla su talento como escritor en esta novela, elaborando una trama absorbente que puede leerse de forma independiente aunque parte de la trama se relaciona estrechamente con los acontecimientos generales narrados en el resto de la serie. La novela tiene la peculiaridad de estar narrada como retrospectiva, con Azhek Ahriman recordando los acontecimientos que provocaron la caída de la legión y su integración en las fuerzas del Caos. Aunque los marines espaciales son los principales protagonistas de la novela, también se desarrolla la historia desde la perspectiva de un pequeño grupo de rememoradores, los cronistas, arqueológos, sociólogos y demás personal científico y administrativo que acompaña a las legiones en su cruzada de conquista por la galaxia para unificar a la humanidad.

Se trata de una historia de caída en desgracia, de carácter fáustico, centrada en dos pilares principales: Magnus el Rojo y Ahzek Ahriman, aunque el pequeño grupo de rememoradores encabezado por Lemuel Gaumon también recibe su dosis de protagonismo con su propia trama secundaria. Todo esto se combina para elaborar una trama que combina la ambientación de ciencia ficción de Warhammer 40k con elementos de una historia fáustica con aspectos de terror. En esto último, Graham McNeill opta por decantarse por los aspectos de horror cósmico del trasfondo, aprovechando el aspecto más mefistofélico y manipulador de los poderes del Caos, incluyendo algunos claros homenajes lovecraftianos. De hecho, los Mil Hijos tienen en Próspero, su mundo natal, una copia de los Manuscritos Pnakóticos y una estatua de Abdul Alhazred.

En conclusión se trata de una historia muy bien elaborada, que sabe combinar todos los aspectos que trata y las diferentes subtramas para conjugarse en un todo coordinado y bien conjuntado que combina la ciencia ficción y el terror. Se forma una novela intensa e interesante, que demuestra el talento de Graham McNeill como narrador.

Books from the Crypt #144: ¡Voto a Bríos!

Título: ¡Voto a Bríos!

Título original: Jingo

Autor: Terry Pratchett

Año: 1996

Sinopsis: La isla perdida de Leshp ha emergido inopinadamente de entre las aguas. Aparte de ser un reto arqueológico, este nuevo territorio ocupa una posición estratégica inmejorable en caso de guerra. Y por la curiosa lógica que suele prevalecer en estos casos, todos toman rápido las armas para reclamar su posesión. Ankh-Morpork, la mayor ciudad-estado del Mundodisco, y Klatch, el antiguo imperio desértico de los turbantes y los camellos, se preparan para verse las caras en el campo de batalla.

Mientras se forman los regimientos, la Guardia de la Ciudad de Ankh-Morpork se enfrenta a soflamas incendiarias, turbas callejeras, cierta aversión a los restaurantes exóticos y, por si fuera poco, al asesinato del embajador de Klatch, en cuya investigación empieza a cobrar sentido la Teoría del Segundo Arquero. El comandante Sam Vimes y su cada vez más variopinta tropa deberán salvaguardar la paz en la ciudad, tomada por una clase militar ansiosa de pelea, e intentar impedir el único crimen que increíblemente no es ilegal: la guerra.

Crítica:

El título original de esta novela, Jingo, resulta difícil de traducir al castellano, ya que es un término propio del inglés británico sin una correspondencia exacta a nuestro idioma. Jingoismo se define como el nacionalismo exaltado y radical de carácter expansionista y militarista, por lo que jingo podría utilizarse para denominar a un patriota exaltado y militarista que quiere atacar a otros países.

En este caso, Terry Pratchett utiliza la repentina aparición de una isla hasta entonces sumergida como motivo para justificar una casus belli entre Ankh-Morpork y Klatch. La novela se enclava dentro de la serie de novelas de la Guardia de la Ciudad de Ank-Morpork, con Samuel Vimes y sus subordinados como protagonistas. Por ello, se desarrolla como un thriller policial en el que Vimes debe investigar el atentado contra un alto cargo klatchiano. Dicho atentado supone una clara referencia a cierto famoso magnicidio: el asesinato de JFK. Por ello, y debido a las implicaciones políticas y la inminente amenaza de guerra, la novela pronto toma un giro hacia el thriller político.

Al tiempo que desarrolla la trama, Terry Pratchett utiliza diversos elementos y personajes, en particular a Fred Colon y Nobby Nobbs, para ilustrar ese patriotismo nacionalista radical tan tóxico que se crece en el racismo y la intolerancia. Un patriotismo que hace que la gente se crea superior por haber nacido en un determinado lugar y que los adversarios, sean estos quienes sean, son, automáticamente, seres inferiores y que no merecen respeto ni consideración. Pratchett pone en boca de Colon principalmente y, en segundo termino, en el inútil Lord Óxido, los argumentos propios de este nacionalismo expansionista y militarista, ridiculizándolos y mostrando el absurdo que hay tras ellos.

En conjunto, nos encontramos con un Pratchett ya maduro en su estilo, con una ambientación reposada y asentada, tras los vaivenes que hay durante las primeras novelas de la saga de Mundodisco. Así obtenemos una novela amena, interesante, con las excelentes reflexiones políticas de Terry Pratchett mostradas a través del filtro del humor y representadas por sus personajes. Se trata de una novela que vale la pena leer y no dejar olvidada.

Orn, el juego de rol

Basado en los cómics del mismo nombre creados por Quim Bou y publicados por Dolmen y Maqui Edicions, Orn nos presenta un mundo fantástico de espada y brujería habitado por todo tipo de animales antropomórficos.

Es aquí donde encontraréis a Orn, un perro pastor convertido en héroe, que durante sus viajes deberá superar todo tipo de obstáculos ayudado de los compañeros que irá conociendo durante el trayecto. Seréis los jugadores los que interpretaréis el papel de estos compañeros y, a la vez que intentáis cumplir vuestros propios objetivos, viviréis grandes momentos con un héroe de la talla de Orn a la vez que os metéis en nuevos líos.

Orn, el juego de rol es un título de Nexo Ediciones que está basado en los cómics homónimos de Quim Bou que se desarrollan en Sepdentrion. Se trata de una ambientación de fantasía heroica en un mundo que está inspirado en la Edad Media habitado por animales antropomórficos que se dividen en tres facciones principales: diurnos, nocturnos y subterráneos. Los humanos, que también están presentes, son pequeñas criaturas sin inteligencia consideradas como una molestia. Por otro lado, los invertebrados han crecido hasta ser de tamaño gigante, siendo usados como ganado y bestias de carga y de monta. Aparte de estas facciones existen otras: los mestizos, que son activos tanto de día como de noche, y los acuáticos, que habitan en las masas de agua y son más reservados y aislados. El manual ha sido editado en tapa dura y a todo color, tanto la portada como los interiores, e incluye múltiples ilustraciones de Quim Bou y algunas páginas del comic. Esto, además de embellecer el manual, ayuda al lector a introducirse en el mundo, teniendo visiones de diferentes entornos y localizaciones, así como de sus habitantes. Junto con las reglas, profusamente explicadas y con abundantes ejemplos, podemos encontrar tres aventuras que sirven para introducirse en el mundo y comenzar a avanzar por él.

En este juego, los jugadores adoptarán el papel de los compañeros del Héroe, Orn. En algún momento, los personajes se habrán encontrado con Orn y decidieron viajar junto a él. De esta forma el Héroe actúa como un elemento unificador además de como apoyo para los jugadores. Y es que el rol del Héroe dentro del juego es el de actuar como ayuda en momentos puntuales, de ser un apoyo, de manera que los jugadores no estén de relleno y actuando como meras comparsas. Para ello, el director de juego dispone de unas guías de comportamiento para Orn, y los jugadores, con sus acciones, deberán ganarse la simpatía y amistad del Héroe para así poder contar con su ayuda cuando sea necesario. Además de las acciones que establezca el director de juego, el Héroe se dirige mediante interpretación grupal, de manera que, en situaciones concretas, los jugadores se irán turnando para establecer que acciones realiza Orn. Otro aspecto que ofrece el juego es la posibilidad de que uno de los personajes, cuando haya avanzado lo suficiente, se pueda convertir en Héroe por sí mismo. En este caso, debería dejar la compañía de Orn y seguir su propio camino. Cuándo esto se produce, ese Héroe pasar a convertirse en un personaje no jugador que se separa del grupo, por lo que su jugador empezaría con un compañero nuevo. Ya sería decisión del grupo seguir con Orn o unirse a este nuevo héroe de Sepdentrion. También existe la opción de jugar sin el Héroe, lo que haría que los personajes carecieran de su apoyo. Esto daría a la partida un tono diferente y una forma de jugar más habitual.

Tanto los jugadores como el Héroe están definidos por las mismas características que se definen como una serie de habilidades y particularidades que se dividen en cuatro aspectos: pilas, habilidades, secretos y claves. Las pilas son una reserva de puntos que representan los recursos del personaje. Deben gastarse para realizar determinadas acciones y son de tres tipos: Vigor, para todo tipo de acciones físicas; Instinto, que representa las reacciones físicas y sociales y, finalmente, Razón, que mide la voluntad y perspicacia del personaje. Las habilidades indican que sabe hacer el personaje y se establecen de forma paralela con su biografía, de manera que los hechos de su vida van señalando que habilidades posee. Los secretos son capacidades especiales que hacen únicos a los personajes y les dan la posibilidad de destacar como poseedores de alguna característica o destreza particular. Y, por último, están las claves. Las claves son el objetivo vital del personaje, lo que le ha impulsado a convertirse en aventurero. Son, además, las características que le permiten evolucionar y ganar experiencia, ya que conseguirá esta última cumpliendo los objetivos de sus claves.

El sistema de juego está basado en el «Sistema Solar». Este es la versión genérica del sistema creado por Clinton R. Nixon para el juego «The Shadow of yesterday». Se basa en tiradas de dados Fudge, también conocidos como dados FATE. A la hora de superar una prueba que requiera la intervención del azar, se escoge la habilidad apropiada y se tiran tres dados Fudge. Estos son dados de 6 caras, que, en lugar de números tienen dos caras con signo +, dos caras con signo – y dos caras en blanco. Cada + suma +1, cada – resta -1 y cada cara en blanco tiene un valor de 0. Se suman los valores obtenidos en la tirada y se le añaden al valor de la habilidad. El resultado obtenido se compara con el valor de dificultad necesario para conseguir el éxito. Usando puntos de las pilas se pueden obtener dados extra para realizar las tiradas, de manera que estas puedan ser más fáciles de superar. Esto sirve como base para todas las situaciones planteadas por el sistema de juego, resultando sencillo y fluido.

Orn, el juego de rol, también incluye la magia, tanto de origen arcano como divino. Los magos pueden realizar magia manipulando los cuatro elementos (tierra, aire, agua y fuego) y el éter, mientras que los sacerdotes y druidas reciben sus poderes de los dioses. El juego desarrolla tres sistemas de magia: magos, sacerdotes y druidas. Aunque tienen sus diferencias y particularidades, la base de los tres es la misma, por lo que no resulta difícil familiarizarse con ellos. El sistema ofrece una mecánica sencilla, flexible y abierta que permite a los jugadores experimentar con la magia y crear sus propios hechizos. También hay dos amplias tablas de panteones divinos, tanto para sacerdotes como para druidas.

La parte final del manual incluye, además de tres aventuras, amplia información sobre el mundo, su geografía y política y su historia, de manera que el lector pueda familiarizarse con él y conocerlo aunque no haya leído la obra de Quim Bou.

En conjunto se trata de un manual bien maquetado, con una edición cuidada y abundantes imágenes que ilustran el mundo a la perfección. Se trata de un juego sin excesivas complicaciones, con un enfoque muy narrativo y orientado a la colaboración entre el director de juego y los jugadores, particularmente en cuanto a la figura del Héroe. El trasfondo es interesante y ameno, con muchas posibilidades de aventuras y opciones a la hora de desarrollar tanto partidas sueltas como campañas. Se trata de un título recomendable que vale la pena conocer.

Black Panther (2018)

Título: Black Panther

Título original: Black Panther 

País: Estados Unidos

Productora: Marvel Studios / Walt Disney Pictures
Director: Ryan Coogler

Guión: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)

Reparto: Chadwick Boseman,  Michael B. Jordan,  Lupita Nyong'o,  Danai Gurira, Martin Freeman,  Angela Bassett,  Forest Whitaker,  Andy Serkis,  Winston Duke, Daniel Kaluuya,  Sterling K. Brown,  Florence Kasumba,  Letitia Wright, Phylicia Rashad,  Sydelle Noel,  John Kani,  Sebastian Stan,  Stan Lee

Sinopsis:

“Black Panther" cuenta la historia de T'Challa quien, después de los acontecimientos de "Capitán América: Civil War", vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T'Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Tras la presentación cinematográfica del personaje en Capitán América: Civil War, esta película nos presenta de forma individual a este superhéroe africano. La película se inicia con la historia de Wakanda, sobre como se funda el reino y de donde procede el vibranio que se esconde en sus tierras, de esta forma el espectador se inicia en la trama, descubriendo así como empezó ese curioso país africano en el que la tecnología se ha desarollado de forma espectacular al verse libre de la intrusión de fuerzas colonialistas e imperialistas. Sin embargo, tal y como se muestra en las primeras escenas de la película, Wakanda es algo más que un paraíso hipertecnológico donde una cultura africana ha podido desarrollarse sin intromisiones. Y es que este país no deja de ser una jaula de oro para sus habitantes, ya que el precio que han decidido pagar por su prosperidad es el total y completo aislamiento del mundo exterior. De esta manera, Wakanda se muestra como un país infradesarrollado y sumamente pobre. Pero mientras que en este país es todo prosperidad y alta tecnología, en el resto del mundo las personas afrodescendientes, las poblaciones negras, están en situaciones desiguales. Por ello surgen algunas voces discordantes que claman por abrir Wakanda para ayudar a aquellos de los suyos menos afortunados.

Sobre esta premisa se desarrolla la trama, ya que tanto T'Challa como Killmonger, el villano de la película, deben hacer frente a esta situación: ¿Mantener el encierro ermitaño del país o abrirse para ayudar al mundo? ¿Y cómo se haría esa apertura? Killmonger, entrenado como agente de operaciones especiales por la CIA, opta por convertir a Wakanda en conquistador, imitando la estrategia imperialista de los que considera sus enemigos. Ante esto T'Challa debe hacer frente a los errores del pasado y a su adversario y decidir que camino debe seguir el país.

Esta película destaca por la espectacularidad de la propia Wakanda, el excelente trabajo de diseño y adaptación de las páginas del cómic a la gran pantalla, combinando muy acertádamente el estilo tribal africano con la más alta tecnología en una fusión que aporta una apariencia y diseño únicos y muy atractivos. La música, el vestuario, la representación de esa altísima tecnología wakandiana, todo ello resulta sobresaliente y muy logrado. Sin embargo, la trama se queda por debajo de las expectactivas. Es una película amena, con acción, intriga y un contexto político y social muy interesante en cuanto a lo que supone para los afrodescendientes. Wakanda no deja de ser una ucronía: ¿Que hubiera pasado si una civilización africana hubiera podido desarrollarse sin intromisiones exteriores de carácter colonialista e imperialista? Y, sin embargo, no llega a profundizar en la cuestión todo lo que podría haberlo hecho. Pese a todo, el mensaje existe y es muy destacable.

El Gran Hotel Budapest (2014)

Título: El Gran Hotel Budapest

Título original: The Grand Budapest Hotel 

País: Estados Unidos

Productora: Scott Rudin Productions / Indian Paintbrush / American Empirical Pictures / Studio Babelsberg
Director: Wes Anderson

Guión: Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Hugo Guinness)

Reparto: Ralph Fiennes,  Tony Revolori,  Saoirse Ronan,  Edward Norton,  Jeff Goldblum, Jude Law,  Willem Dafoe,  F. Murray Abraham,  Adrien Brody,  Tilda Swinton, Harvey Keitel,  Mathieu Amalric,  Jason Schwartzman,  Tom Wilkinson,  Larry Pine, Bill Murray,  Léa Seydoux,  Owen Wilson,  Giselda Volodi,  Florian Lukas, Karl Markovics,  Wallace Wolodarsky,  Bob Balaban,  Volker Michalowski, Fisher Stevens,  Waris Ahluwalia,  Lucas Hedges

Sinopsis:

Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX. (FILMAFFINITY)

Crítica:

El Gran Hotel Budapest es una joya que brilla con luz propia, una cinta que sorprende desde el primer minuto hasta el final. con una excelente narración y una serie de recursos narrativos y visuales que nos llevan hasta los años 30, en donde el hotel vive su momento de mayor esplendor. De hecho, el propio hotel se puede considerar un personaje más de la película más que un simple escenario en donde se desarrolla una parte de la trama. Con un gusto nostálgico, supone el volver a sacar a la luz la importancia que tuvo en su momento la figura del conserje en los hoteles, que hoy en día sólo puede encontrarse en alojamientos de alto standing (5 estrellas y, principalmente de corte más clásico) y que va siendo sustituido por otros servicios y cargos. De hecho, M. Gustave, encarnado por Ralph Fiennes, es una especie de arquetipo del conserje perfecto e ideal, al igual que el joven Zero Moustafa se muestra como un idóneo mozo de hotel.

De hecho, a lo largo de la película encontramos todo un despliegue de personajes idealizados o no, muchas veces con tonos caricaturescos o paródicos, pero siempre, geniales y muy bien ideados y encajados dentro de la historia para formar un todo coherente. Wes Anderson logra montar una historia cargada de humor, intriga, momentos dramáticos y acción en los años 30, aprovechando el telón de fondo de los movimientos prebélicos y revolucionarios que comenzaron a alterar la faz de Europa durante el periodo de entreguerras. Compone así un retrato de otros tiempos en el que, sin caer por completo en la nostalgia, si que elabora una historia con tintes de la misma, pero que aporta una trama amena, interesante y cautivadora.

Incluso en los momentos en que los personajes se muestran más envarados podemos percibir que esto no es forzado, si no que forma parte de la estructura narrativa de la película. Así pues, con una historia que se desarrolla en varias capas hasta llegar a los años 30, vemos como se desarrollan diferentes estilos y técnicas para presentar la trama e ir adentrándonos poco a poco en el pasado y, de esta forma, conocer el Gran Hotel Budapest en su momento de mayor esplendor y a M. Gustave, quien se erije, junto con Zero Moustafá en protagonista de toda la trama.

El Gran Hotel Budapest es una película interesante, amena, conmovedora y divertida, que no deja insatisfecho y que aporta una curiosa visión del mundo hotelero en otros tiempos. Un film que invita al espectador a adentrarse en él y disfrutar sencillamente de una historia que vale la pena visionar.