sábado, 14 de julio de 2018

Ghost in the Shell 2: Innocence (2004)

Título: Ghost in the Shell 2: Innocence
Título original: Inosensu: Kôkaku kidôtai (Ghost in the Shell 2: Innocence)
País: Japón
Productora: Studio Ghibli / Bandai Visual Company / DENTSU Music And Entertainment / Production I.G.
Director: Mamoru Oshii
Guión: Mamoru Oshii (Manga: Masamune Shirow)
Reparto (voces originales):  Atsuko Tanaka, Akio Ōtsuka, Kōichi Yamadera, Tamio Ōki, Fumihiko Tachiki, Minoru Hirano, Nanami Hinata, Naoto Takenaka, Sumi Mutō, Gō Aoba, Hiroaki Hirata, Yoshiko Sakakibara, Masaki Terasoma, Katsunosuke Hori, Eisuke Asakura, Hiroyuki Kinoshita, Sukekiyo Kameyama, Yutaka Nakano, Ryūji Nakagi, Yuzuru Fujimoto.
Sinopsis:
En el año 2032, la frontera entre seres humanos y máquinas se ha reducido a niveles casi imperceptibles. En este contexto, un cyborg detective de la unidad antiterrorista (Batou) investigará el caso de un robot con forma de mujer, creado exclusivamente para satisfacer deseos sexuales, que ha asesinado a su propietario. Batou deberá indagar en las profundidades de la conciencia humana y en la sociedad del momento; donde la diferencia entre los robots y los humanos es extremadamente vaga. (FILMAFFINITY)

Crítica:
Segunda parte de la película de 1995 dirigida por Mamoru Oshii, esta vez Oshii no vuelve sólo como director, si no que también lo hace como guionista. Continuando los temas de caracter filosófico existencialistas y transhumanistas, la película vuelve a adaptar una trama del manga original referida a robots que se descontrolan y atacan a los humanos, en concreto del capítulo Robot Rondo (con elementos de Phantom Fund). Esta vez el protagonismo reace por completo en Batou, con Togusa como secundario que le acompaña durante gran parte de la película. Mientras que en el manga Togusa actúa como un novato de la sección 9 recientemente trasladado desde la policía (papel que ejerce en la primera película) y da un contrapunto más humano, ya que es el único al que se le ve en su entorno familiar, aquí se convierte en un mero acompañante de Batou. Actuando como su compañero, le da la réplica al veterano ciborg y acompaña los monólogos existencialistas y filosóficos de éste con algunas aportaciones propias y citas.

Las secuencias de acción son más escasas que en la primera película, aunque de mayor espectacularidad, destacando el asalto a la base yakuza y la penetración en el barco factoría de la corporación LOCUS SOLUS. Por lo demás, los escenarios, desde el callejón en el que empieza la película hasta el barco factoría, son una maravilla gráfica, espectaculares y dotados de gran belleza. La animación y el CGI son mucho más depurados y fluidos, haciendo que sea una película que se disfruta mucho en el aspecto visual. La música, de nuevo en manos de Kenji Kawai, sigue siendo perfecta, manteniendo una continuidad con respecto a la primera entrega y ofreciendo algunos temás de gran belleza. Vale la pena destacar que la canción que cierra la película, Follow me, es una repetición de una canción originalmente interpretada por Demis Roussos en 1982. La música está basada en el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, con letras de Herbert Kretzmer y Hal Shaper.

Nuevamente nos encontramos con un thriller cyberpunk lento, con una historia interesante que queda lastrada por los abundantes diálogos y monólogos, principalmente por parte de Batou, de caracter existencialista, dejando el transhumanismo en un segundo plano, aunque sigue presente. Se incide en la diferencia entre hombre y máquina a través de los intercambios y reflexiones de caracter filosófico que tienen los personajes, lo cual puede hacer a la película más pesada y difícil de visualizar. Junto con la primera parte, se obtiene una obra completa en la que Mamoru Oshii explora unos temas de caracter filosófico complejos, apoyándose en el mundo creado por Masamune Shirow en el manga original pero dándole un caracter diferente y distintivo. Por ello, Innocence puede ser más pesada y díficil de asimilar que su predecesora.

viernes, 13 de julio de 2018

Ghost in the Shell (1995)

Título: Ghost in the Shell
Título original: Kokaku Kidotai (Ghost in the Shell)
País: Japón
Productora: Coproducción Japón-EEUU; Bandai Visual Company / Kodansha / Manga Video / Production I.G.
Director: Mamoru Oshii
Guión: Kazunori Itô (Manga: Masamune Shirow)
Reparto (voces originales): Tesshō Genda, Iemasa Kayumi, Yutaka Nakano, Tamio Ōki, Akio Ōtsuka, Atsuko Tanaka, Maaya Sakamoto, Kōichi Yamadera, Shigeru Chiba, Takashi Matsuyama, Masato Yamanouchi, Mitsuru Miyamoto, Yūji Ueda, Shinji Ogawa, Kazuhiro Yamaji
Sinopsis:
Motoko Kusanagi es la líder de asalto de la Sección 9, una organización japonesa especializada en el contraterrorismo y los delitos informáticos liderada por Daisuke Aramaki. La Sección 9 recibe la misión de encontrar al Titiritero (Puppet Master), un hacker que entra en los cyborgs y los controla para todo tipo de crímenes, entre ellos asesinatos y terrorismo, sin dejar huellas. Resulta ser tan bueno que consigue manipular la política eficazmente de esa manera, consiguiendo además eludir sin problemas a la Sección 9, cuando quiere cogerlo, y logrando que sus víctimas no se acuerden de los crímenes que cometieron bajo su control después de dejarlos. (Wikipedia)

Crítica:
Ghost in the Shell es un thriller cyberpunk basado en el manga homónimo de Masamune Shirow. En concreto adapta principalmente los capítulos 09: "Bye bye Clay" y 11: "Ghost Coast", centrados en la búsqueda del pirata informático conocido como el Titiritero (Puppet Master). La película se centra en torno a la figura de la Mayor Motoko Kusanagi, quedando toda la trama de investigación en segundo plano para centrarse en los conflictos internos de corte existencialista de la Mayor. Debido a que Kusanagi es una ciborg de cuerpo completo, de la que queda muy poco orgánico, se plantea dudas sobre su propia existencia, sin saber si es realmente humana o es simplemente una IA muy avanzada. Por ello, la película gira en torno a esta trama existencialista y transhumanista, desarrollando así una serie de reflexiones, monólogos y diálogos de caracter filosófico que se sobreponen y se presentan en primer plano. Estas disquisiciones actúan como conductores de la trama, ya que a medida que se avanza en la historia, el conflicto existencial y el trasfondo transhumanista van cobrando cada vez más protagonismo.

Se trata de una película que es todo un clásico de la animación japones y del cyberpunk, dejando en un segundo plano la parte del thriller de investigación y el erotismo de algunos momentos del manga, para centrarse plenamente en el existencialismo y el transhumanismo. Por ello, al igual que sucede con Blade Runner, película de la que tiene influencias, la trama se desarrolla de forma más lenta, cargada de metáforas y símbolos visuales que acompañan a los diálogos de corte filosófico. Todo ello está aderezado por una excelente y espectacular banda sonora de Kenji Kawai que alcanza cotas sublimes con algunos de los temas, como el inicial, Making of a Cyborg, que acompaña a la escena de la creación del cuerpo ciborg de Kusanagi en una escena visualmente espectacular, fluida y cargada de poesía. Este mimo en el aspecto visual se mantiene durante toda la película, con una ciudad muy bien diseñada, con influencias de las calles de Hong Kong, con planos de gran belleza y una animación muy cuidada.

Ghost in the Shell es una película que no debe faltar en el catálogo de cualquier aficionado al cyberpunk, un título de visionado obligado, especialmente para estudiar el aspecto más transhumanista del género, junto con títulos como Blade Runner. Sin embargo, la trama que se desarrolla a ritmo pausado y los diálogos y monólogos filosóficos pueden alejar a aquellos que esperen un thriller cargado de acción.

viernes, 29 de junio de 2018

Cuernos (2013)

Título: Cuernos
Título original: Horns 
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción USA-Canadá; Lionsgate / Mandalay Pictures / Red Granite Pictures
Director: Alexandre Aja
Guión: Keith Bunin (Novela: Joe Hill)
Reparto: Daniel Radcliffe,  Juno Temple,  Max Minghella,  Kelli Garner,  Joe Anderson, James Remar,  Kathleen Quinlan,  Heather Graham,  David Morse, Michael Adamthwaite,  Nels Lennarson,  Mitchell Kummen,  Dylan Schmid, Sabrina Carpenter,  Jared Ager-Foster,  Erik McNamee,  Laine MacNeil
Sinopsis:
Merrin Williams (Juno Temple) ha muerto en extrañas circunstancias, y su novio, Ignatius 'Ig' Perrish (Daniel Radcliffe), es el único sospechoso. En el primer aniversario de la muerte de Merrin, Ig se pasa la noche borracho y haciendo cosas espantosas. Cuando se despierta, tiene una resaca tremenda… y cuernos que le están naciendo en la cabeza. Ig posee un nuevo poder macabro que intenta usar para descubrir al monstruo que mató a su amor. Ser bueno y rezar no lo llevó a ningún sitio. Ahora llegó el momento de la venganza. (FILMAFFINITY)

Crítica:
Adaptación de la novela homónima de Joe Hill, resulta una excelente conversión del papel a la gran pantalla, con un Daniel Radcliffe sorprendente en su papel de joven acosado por la prensa, repudiado por todos, envilecido y embruteciéndose con el alcohol. La historia empieza así para seguir narrando una trama de de oscuridad y venganza al despertar Ig, el personaje interpretado por Radcliffe con unos cuernos que van creciendo poco a poco y le dan unas capacidades que, al principio no comprende, pero que le ayudan a embarcarse en la venganza.

El acierto de Joe Hill fue utilizar los elementos representativos del Cielo y el Infierno para crear una historia que se va volviendo más oscura a medida que avanza sin caer en torpes moralinas ni innecesarios maniqueismos. Y eso sabe recogerlo e interpretarlo el guión, revelando la progresiva evolución del personaje de Daniel Radcliffe a medida que se desarrolla la trama y como se va orquestando poco a poco la venganza. Pero para ello, primero deberá averiguar quien fue el asesino de su novia y, para ello, deberá decidir si acepta o no la oscuridad que crece en él. Es un camino difícil, por el que deberá pagar un precio, pero la historia sabe desarrollarse de manera que el espectador se sienta interesado y quiera saber como se desarrolla todo y como va a acabar.

El final es, precisamente, el punto más débil que tiene la película. Y no porque no haya sabido adaptarse bien, sino por el ritmo. La cinta tiene un ritmo propio que permite avanzar de forma progresiva, pero este se acelera hacia el final para llegar al desenlace y las consecuencias del mismo. Salvo por este problema, Alexandre Aja demuestra su talento y habilidad para conducir esta historia de oscuridad y venganza surgida de la excelente mente de Joe Hill.

sábado, 23 de junio de 2018

Books from the Crypt #141: Los Antiguos


Título:  Los Antiguos: Tomo 1 La Ballena blanca, Tomo 2 El Dios Pulpo
Título original:  Grands Anciens: T1 La Baleine Blanche, T2 Le Dieu Poulpe
Año: 2010
Autores:  Jean-Marc Lainé, Bojan Vukic, Anouk Bell
Género: Terror
Sinopsis:
Nueva Inglaterra, 1850. 
El joven Ishmaël recorre los muelles de New Bedford, soñando con largas campañas sobre el puente de un ballenero. Una a una, escucha las leyendas que se cuentan los curtidos marineros, llenando de tabaco sus pipas y vaciando botellas de ron en el calor de las posadas. Escucha la leyenda de esa ballena blanca que rompe la proa de los buques, y que los marineros vieron en los siete mares. Descubre la leyenda de ese capitán cojo que arrastra su pierna de palo y su obsesión por todos los océanos.
Pero le queda descubrir el más aterrador de los cuentos de los marineros, la más terrible de las leyendas.
La leyenda del dios pulpo de las profundidades.
La leyenda del hacedor de naufragios.
¡La leyenda del Kraken!

Crítica:
Los Antiguos es un comic europeo en dos tomos que combina la literatura decimonónica con los Mitos de Cthulhu. En concreto se trata de una historia que sirve de precuela a Moby Dick y en la que Herman Melville cuenta a Ishmaël (que sería protagonista y narrador de la novela) historias de balleneros, en particular una relacionada con el veterano capitán Ahab y la ballena blanca, mítico cetáceo que todos los balleneros ansían cazar. Pero la historia pronto se conduce por derroteros más siniestros al obsesionarse Ahab con la búsqueda del Kraken, un horror marino que está produciendo múltiples naufragios de balleneros y hace que la navegación sea muy peligrosa.

La trama está bien hilada y con un aspecto artístico excelente que representa muy bien a los personajes y su entorno y que acompaña de forma muy apropiada a la narración. De hecho, la trama se desarrolla a tres niveles diferentes: la historia de Ahab y su obsesión con la ballena blanca y el Kraken, la conversación entre Ishmaël y Herman Melville en un ambiente caracteríristico de las comunidades de balleneros del siglo XIX y, finalmente, la obsesión o fascinación del propio Melville como personaje por la obsesión, en este caso concreto, la de Ahab.

Esto se organiza de forma sumamente orgánica y natural, de manera que el lector puede asistir a los tres niveles narrativos entrelazados de forma que puede disfrutar de una historia completa fascinante y llena de referencias tanto a los Mitos de Cthulhu como a otras obras decimonónicas clásicas. La historia, muy bien escrita, engancha desde el principio, sobretodo al plantear un hipotético encuentro entre autor y personaje de manera que éste último se acabará por convertir en el narrador de Moby Dick, una historia sobre la obsesión y el precio a pagar por ella.  Combinando e introduciendo sabiamente los elementos alusivos a los Mitos de Cthulhu nos encontramos con una trama absorbente y bien construida que podría ser introducida perfectamente dentro del canon lovecraftiano debido a la coherencia que mantiene con respeto a las obras del Maestro de Providence.

viernes, 15 de junio de 2018

Doom (2005)

Título: Doom
Título original: Doom
País: Reino Unido
Productora: Universal Pictures
Director: Andrzej Bartkowiak
Guión: Beverly Cross
Reparto: Karl Urban,  Dwayne "The Rock" Johnson,  Rosamund Pike,  Deobia Oparei, Ben Daniels,  Razaaq Adoti,  Richard Brake,  Al Weaver,  Robert Russell, Dexter Fletcher 
Sinopsis:
Año 2145. Las instalaciones de la UAC en Olduvai, Marte, están bajo ataque de unas entidades de origen desconocido. Un escuadrón de respuesta rápida de los marines debe viajar hasta allí para tratar de resolver la situación. Película basada en el mundialmente conocido videojuego "DOOM".
Crítica:
Doom es una poco afortunada adaptación de una serie clásica de videojuegos de acción y terror. Con elementos característicos del original (la empresa UAC, las instalaciones en Marte, los monstruos), la película trata de organizar una historia que no acaba de cuajar en parte por lo tosco del guión y por el abuso del efectismo en algunos momentos. Aunque cuenta con un buen maquillaje y efectos especiales y algunas secuencias excelentes, los actores no acaban de encajar, sobretodo un Dwayne Johnson que ejerce de marine despiadado y villanesco poco creíble. Como antagonista, tenemos a un Karl Urban más meritorio y que se convierte en protagonista pese a darle más peso el film a Johnson.

Aunque sabe combinar en algunos momentos la acción y el terror, con un comienzo muy acertado y que promete mucho, y una interesante presentación del equipo de marines, el ritmo de la película se vuelve más flojo y algo inestable. Con un Dwayne Johnson encarnando al marine malo obsesionado con cumplir las ordenes a cualquier precio sin importar lo que haya que hacer, se desaprovecha la posibilidad de dar más importancia al que acaba por ser el auténtico protagonista, Karl Urban. Los demás marines básicamente están para ayudar a conformar el equipo y aportar algo más de entidad a la película, sin lograrlo del todo. Acaban por ser mera carne de cañón aunque tiene alguna escena interesante combatiendo a algunos monstruos.

Además de la secuencia de introducción, lo más meritorio es la secuencia en primera persona, homenaje al videojuego, junto con otros guiños como el personaje de "Pinky" y la BFG. Por lo demás, la fobia a lo sobrenatural hace que la explicación sobre el origen de los monstruos quede un poco alienada, incluso forzada. De esta manera, eludiendo dos ingredientes característicos del juego (los monstruos son demonios del infierno y la tecnología de teletransporte, que aparece de forma marginal), la película no acaba de formar un todo coherente. Esta situación se trata de cubrir con los golpes de efecto.

De esta manera, obtenemos una película de acción y terror sencilla, sin un gran argumento (hay que reconocer que el juego tampoco lo tiene), resulta entretenida y pasable, con un villano poco afortunado y sobreactuado. A fin de cuentas se trata de una cinta para ver sin pretensiones y con ganas de pasar el tiempo con mucha acción y sin complicaciones.

domingo, 10 de junio de 2018

Furia de titanes (1981)

Título: Furia de titanes
Título original: Clash of the Titans 
País: Reino Unido
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Director: Desmond Davis
Guión: Beverly Cross
Reparto: Harry Hamlin, Laurence Olivier, Judi Bowker, Claire Bloom, Maggie Smith, Burgess Meredith, Ursula Andress, Flora Robson 
Sinopsis:
Cuando el rey de Argos está a punto de sacrificar a su hija Dánae y a su nieto Perseo, Zeus (padre del niño) decide salvarlos y arrasar la ciudad. Perseo crece feliz hasta que la diosa Thetis para vengarse de Zeus, que ha castigado a su hijo Calibos con una horrible deformidad, lo secuestra y lo abandona a su suerte. Al conocer la noticia, Zeus ordena a los demás dioses que ofrezcan a su hijo regalos que le permitan defenderse: una espada capaz de cortar la piedra, un casco que lo vuelve invisible y un escudo que lo hace invulnerable. Con estas armas se dirige a la ciudad de Joppa, cuya princesa es víctima de una maldición. (FILMAFFINITY)

Crítica:
Furia de Titanes es una película épica basada en el mito griego de Perseo y Andrómeda, un clásico del cine tocado por la genial mano de Ray Harryhausen quien diseñó las criaturas del film y estuvo al cargo de los efectos visuales. El argumento se toma ciertas libertades en cuanto a la historia original, pero no por ello desmerece, ya que la plantea de forma interesante, amena y combinando la acción con otros aspectos derivados de las acciones y caprichos de los dioses olímpicos.

Esta película, aunque denota mucho la época en la que se rodó, no deja de ser merecedora de un visionado, debido a la calidad del maquillaje y los monstruos animados con stop motion, técnica en la que Harryhausen era un maestro. Así, desde el poderoso y terrible Kraken hasta el vengativo y rencoroso Calibos, pasando por Medusa, nos encontramos ante un despliegue de criaturas míticas más o menos basadas en las leyendas griegas. Aunque esta película ha sufrido la maldición olímpica de tener un remake en 2010 y una infame secuela, esta cinta no debe caer en el olvido por la mala realización de las posteriores.

Nos encontramos ante una película de mitología griega libremente adaptada pero que mantiene la coherencia y el respeto hacia la fuente original. Es amena, entretenida, no se deja influenciar por la concepción maniqueista judeocristiana y los dioses olímpicos se comportan como era de esperar en ellos. Por ello, pese al choque que pueda representar en el aspecto de los efectos visuales con respecto a las técnicas actuales, es una película recomendable y amena.

viernes, 1 de junio de 2018

Books from the Crypt #140: El secreto de Boarwood

Título:  El secreto de Boarwood
Año: 2018
Autores:  José María Quinto Montiel
Género: Fantasía contemporánea
Sinopsis:
Algo está despertando en Boarwood. En esta ignorada región de Gales, antiguos horrores y secretos vuelven a salir a la luz y el ciclo de leyendas del Dios Jabalí cobrará un nuevo significado ante los atónitos ojos del personal de la Sociedad Histórica de South West Mark.

Crítica:
El secreto de Boarwood es una novela corta de fantasía contemporánea obra del autor de este blog. Se trata de una historia dividida en cinco partes donde se presenta una historia ambientada en Gales, en una región apartada y algo olvidada dominada por un espeso bosque en su centro, Boarwood, y cuyas principales características son la abundante población de jabalíes y una próspera industria porcina.

La acción se desarrolla en torno al bosque de Boarwood y centrada en diversas personas que trabajan en la Sociedad Histórica de South West Mark, la principal población de la región. Estos se convierten en testigos y partícipes del despertar de un ciclo de leyendas autóctono, intrincado con los mitos galeses pero considerado en segundo plano por los eruditos y, por ello, poco difundido y parcialmente olvidado. De esta manera, la novela, que comienza con el testimonio escrito de uno de los partícipes de los actos que dan comienzo a este despertar, va desarrollando las consecuencias de estos acontecimientos iniciales.

Aunque no se trata de una novela de terror, si que tiene algunos elementos que apuntan a éste género. Esto se debe a que, para escribirla, y como parte del estilo personal del que escribe, hay una cierta influencia de autores como Arthur Machen y John Ramsey Campbell, así como de William Hope Hodgson y H. P. Lovecraft. En particular se busca adentrarse en el asombro y la sorpresa al descubrir una serie de acontecimientos ocultos en la historia que ayudaron a configurar el pasado y el presente de la región.

En conclusión, se trata de una historia de fantasía contemporánea que se va desarrollando poco a poco, a través de cinco episodios que se van desarrollando a lo largo de un año y ayudan a conocer la región de Boarwood, su historia y folclore y los secretos que esconde. Desde estas líneas tan sólo deseo añadir que espero sea del agrado de los lectores.

sábado, 19 de mayo de 2018

Deadpool 2 (2018)


Título: Deadpool 2
Título original: Deadpool 2
País: USA
Productora: Marvel Entertainment / 20th Century-Fox / Donners' Company / Kinberg Genre
Director: David Leitch
Guión: Rhett Reese, Paul Wernick, Ryan Reynolds (Cómic: Rob Liefeld, Fabian Nicieza)
Reparto: Ryan Reynolds, Josh Brolin, Zazie Beetz, Morena Baccarin, Julian Dennison, T.J. Miller, Karan Soni, Brianna Hildebrand, Leslie Uggams, Jack Kesy, Eddie Marsan, Lewis Tan, Bill Skarsgård, Brad Pitt, Rob Delaney, Terry Crews, Shioli Kutsuna, Hayley Sales, Luke Roessler, Scott Vickaryous, Tanis Dolman, Nikolai Witschl, Andréa Vawda  
Sinopsis:
Tras sobrevivir a un ataque bovino casi fatal, un desfigurado chef de cafetería, Wade Wilson, trata de cumplir su sueño de convertirse en el camarero más famoso del lugar, al tiempo que trata de hacer frente a su pérdida del sentido del gusto. En la búsqueda para la recuperación de este, así como la de un condensador de flujo, Wade deberá luchar contra ninjas, yakuzas y un grupo de perros sexualmente agresivos, mientras recorre el mundo para descubrir la importancia de la familia, la amistad, el sabor y conseguir ganar el codiciado título que pone en las tazas de café: "El mejor amante del mundo"... Secuela de la exitosa película (recaudó más de 780 millones de dólares en todo el mundo) parodia de los superhéroes mutantes del 2016, también protagonizada por Reynolds. (FILMAFFINITY)
Crítica:
Deadpool 2 es la secuela de la anterior película del Mercenario Bocazas, prácticamente un proyecto personal de Ryan Reynolds que demuestra ser incombustible. Se trata de un film que continua con las aventuras de este antihéroe verborréico, irreverente, violento y que hace continuas referencias y roturas de la cuarta pared. Y es que en los comics debemos recordar que Deadpool es consciente de ser un personaje de ficción. Siguiendo con la impronta dejada por la primera entrega, tenemos una cinta con una trama sencilla, sin complicaciones, cargada de humor y acción desenfrenada, con dos subtramas más dramáticas, pero que no lastran el conjunto de la película y la acompañan bien. También hay que tener en cuenta que una de ellas, la referida al adolescente por el que se junta el grupo de héroes resulta más ligera y superficial. Pero, pese a todo, cumple con su cometido de hacer reflexionar a Deadpool sobre él mismo y ayudar a mostrar el trasfondo dramático en torno a este personaje.

Pero más allá de esto, se nota que la película tiene un mayor despliegue de efectos visuales y de reparto. Tras el escaso plantel de personajes de la primera entrega, aquí se percibe una mayor desenvoltura económica a la hora de mostrar personajes, tanto en cameo como con pequeños papeles, como de exhibir los avances del CGI. En este aspecto, Coloso sigue siendo la encarnación de este personaje mejor realizada hasta la fecha, tanto por su aspecto como por su personalidad. Y el combate en el que participa se desarrolla con una mayor espectacularidad y desenvoltura, particularmente por el ruso. A fin de cuentas nos encontramos con una película cargada de acción que no se toma en serio a sí misma y donde los chistes y gags son prácticamente continuados. Se trata de una cinta dirigida no sólo a los fans del personaje, sino también a todo aquel que desee disfrutar de un título que parodia el género superhéroico (como ya hizo en su momento el Lobo de Keith Giffen), donde no se corta en exagerar todas las características del género y llevarlas al ridículo a través de la particular visión del mundo de su protagonista.

Por ello, Deadpool 2 es una película que debe verse sin grandes expectativas, con la intención de pasar un buen rato ante la pantalla y disfrutar de la acción y el humor desenfrenados, preparándose para la siguiente referencia o chiste. Y, por supuesto, hay que esperar a ver la escena postcréditos, donde Reynolds acaba de desplegar toda su mala idea en una secuencia genial y rompedora.

sábado, 12 de mayo de 2018

Leyendas de la Marca del Este

Leyendas de la Marca del Este es un juego de rol donde cada participante toma el papel de un intrépido aventurero, como si se tratase de una película donde los jugadores fueran los protagonistas, pudiendo alterar el curso de los acontecimientos a placer, y tan sólo limitados por su imaginación.
Leyendas de la Marca del Este es una adaptación libre del juego Castles & Crusades. Castles & Crusades ha sido definido no pocas veces como una suerte de eslabón perdido entre Advanced Dungeons & Dragons y la 3.0/3.5 edición de D&D, simplificando las mecánicas de éste último dejándonos una experencia más cercana a los juegos Old School, pero con mecánicas renovadas.
Leyendas de la Marca no es sólo una traducción de Castles & Crusades aprovechando su licencia OGL, es mucho más. Se han implementado no pocos cambios, como la introducción de una nueva raza, reglas opcionales de críticos y pifias, la posibilidad de crear personajes multiclase, tiradas de reacción y moral para los monstruos, amén de la de la ambientación de la Marca, entre otro buen puñado de elementos de menor relevancia.
Vuelve a vivir aventuras míticas en La Marca del Este. Leyendas de la Marca del Este es un juego completo e independiente, totalmente compatible con todo el material publicado hasta ahora de Aventuras en la Marca del Este.

Leyendas en la Marca del Este es el digno heredero de su antecesor, Aventuras en la Marca del Este. Dentro de la moda de los retroclones, que ha dado productos tanto interesantes como mal aprovechados, nos encontramos con un juego que ha dejado atrás la pesada nostalgia de la primera edición de D&D y da un salto cualitativo y cuantitativo hacia adelante. Así, nos encontramos con un juego de sistema d20 que mantiene el sabor clásico, pero ajusta las mecánicas para que resulten más dinámicas, fluidas y facilmente adaptables. Esto se consigue tomando como base las reglas de AD&D, que supuso una considerable mejora con respecto a su antecesor y combinándolas con aspectos más modernos y el enfoque diferente que aporta la edición 3.0/3.5, prescindiendo de la arquitectura de combos que caracterizó para lo bueno y lo malo a esta última.

Todas las tiradas se basan en un d20 más los modificadores de características y otros modificadores aplicables, por lo que el sistema es muy sencillo en su base. El reglamento ya contempla también una serie de opciones, maniobras y habilidades que amplian el repertorio básico del que disponen tanto jugadores como director de juego para desarrollar la acción y la narración durante las partidas. Vale la pena destacar que Leyendas se sale del marco estandar de D&D en cuanto a especies y clases de personaje. Al estar basado en AD&D, las especies dejan de ser clase para ser una opción más a la hora de construir el personaje. Así, tenemos que se pueden elegir las siguientes especies: elfo, enano, gnomo, humano, mediano, semielfo y semiorco. En cuanto a clase, también encontramos algunos cambios, tanto en la forma en como se desarrollan y se orientan las clases como en la aparición de alguna novedad en las mismas. De esta manera, nuestro personaje puede ser: asesino,  bárbaro, bardo, caballero, clérigo, druida, explorador, guerrero, ladrón, mago, místico (monje) y paladín. También incluye la posibilidad de crear personajes multiclase con unas reglas que permiten la aparición de personajes más versátiles pero que también tienen sus limitaciones al respecto.

En conclusión, nos encontramos con una aproximación diferente, amena, dinámica y fluida al tema de los retroclones, que no tira tanto de la nostalgia y que demuestra que se puede combinar lo mejor de diferentes etapas para crear algo superior a la suma de las partes. Y con ello obtenemos un título interesante y con saber clásico evitando algunas de las limitaciones que tienen los retroclones más puristas. Además, incluye un anexo donde explica como hacer la conversión de Aventuras a Leyendas, que es sumamente simple, por lo que se puede utilizar y adaptar sin problema todo tipo de material ya publicado para Aventuras. La principal desventaja que tiene el juego es que el proceso de revisión y corrección del manual no ha sido muy bueno y se pueden encontrar algunos fallos en el texto y errores en la traducción y adaptación del sistema de juego. Esto puede resultar molesto por los problemas que puedan acarrearse de estos fallos, por la falta de calidad en un producto interesante. Afortunadamente, se puede encontrar una fe de erratas en la web de Holocubierta.

sábado, 5 de mayo de 2018

Books from the Crypt #140: YUREI ATTACK! Guía de supervivencia de los fantasmas japoneses

Título:  YUREI ATTACK! Guía de supervivencia de los fantasmas japoneses
Título original: YUREI ATTACK! The Japanese Ghost Survival Guide
Año: 2017
Autores:  Hiroko Yoda y Matt Alt, Satoko Tanaka (Ilustr.)
Género: Cuentos de terror y fantasmas
Sinopsis:
Sobrevivir a encuentros con fantasmas furiosos y espectros sensuales, visitar lugares encantados y lograr escapar indemne, disfrutar en primera persona de un estremecedor viaje al mundo de los muertos…

Todo esto es Yūrei Attack!, tu guía completa del más allá al estilo de Japón.

Yūrei es la palabra japonesa para fantasma. Son las almas de los muertos incapaces de –o poco dispuestos a– deshacerse de su vida mortal. Al igual que en Occidente, algunos yūrei se aparecen en lugares específicos; otros suelen deambular libremente. Pero las similitudes con los fantasmas occidentales terminan ahí. Los yūrei son conocidos por tener emociones tan incontrolablemente poderosas que han tomado vida propia: rabia, tristeza, devoción y venganza. Incluso la simple creencia de que aún siguen vivos, los hace más poderosos.

Yūrei Attack! es el segundo libro de la exitosa serie de libros Attack! Basado en años de investigación en los lugares más escalofriantes de Japón, contiene información detallada de 39 de los más aterradores espíritus, junto con lugares encantados, juegos ocultos e incluso un recorrido ilustrado del mismo infierno. Junto con Yōkai Attack! y Ninja Attack! (próximamente en Quaterni), Yūrei Attack! es la guía turística de Japón que necesitas.

Crítica:
Yūrei Attack! es el segundo libro de esta serie sobre folklore y mitología japonesa, aparecido en España de la mano de Quaterni. Se trata de una completa obra que reúne una selección de los más destacados, conocidos o peculiares fantasmas nipones y lugares encantados. Como sucede con su predecesor, Yōkai Attack! (Books from the Crypt #139: YOKAI ATTACK! Guía de supervivencia de los monstruos japonese), la información viene en forma de fichas con datos sobre el tipo de aparición, nombre, lugar en donde se manifiesta, fecha de defunción, etc. Esto se acompaña con la historia que dio origen al fantasma y su leyenda, con todos los hechos relacionados y, en caso de ser posible, como sobrevivir a un encuentro con la aparición. Pero, además de las historias de fantasmas, incluye también destacados lugares encantados, juegos relacionados con espíritus y una visión del más allá según las leyendas y creencias japonesas.

Se trata de un excelente trabajo de investigación que acerca al lector interesado en las historias de terror y la cultura japonesa. El libro es una excelente guía de introducción, ya que fantasmas existen muchos y muy variados, y sería necesaria una obra de carácter enciclopédico y mucho más extensa para poder reunirlos a todos. Por ello, este Yūrei Attack supone una obra de gran interés. Junto al trabajo realizado por los autores, vale la pena destacar el excelente aspecto gráfico a través de las ilustraciones de Satoko Tanaka, que demuestra un gran talento en todas y cada una de las láminas a color que acompañan las diferentes historias. Resulta curioso que, como se dice en el propio libro, a esta autora de manga e ilustradora le asusten las historias de fantasmas. Sin embargo, logra transmitir el dolor, la furia, el patetismo y el sentimiento asociado a las diferentes historias y enclaves reseñados.

En conjunto, tanto de forma individual como junto a su predecesor, Yōkai Attack!, este libro es una muy recomendable guía para introducirse en el terror y folklore japonés. Se trata de una obra amena, divulgativa, interesante y apasionante que no hay que dejar de lado.

sábado, 28 de abril de 2018

Vengadores: Infinity War (2018)

Título: Vengadores: Infinity War
Título original: Avengers: Infinity War
País: USA
Productora: Brilliant Films / Fred Films
Directores: Anthony Russo, Joe Russo
Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Jack Kirby, Jim Starlin)
Reparto: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Benedict Cumberbatch, Chris Evans, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson, Chris Pratt, Tom Holland, Josh Brolin, Elizabeth Olsen, Chadwick Boseman, Pom Klementieff, Terry Notary, Dave Bautista, Karen Gillan, Tessa Thompson, Zoe Saldana, Gwyneth Paltrow, Tom Hiddleston, Cobie Smulders, Paul Bettany, Sebastian Stan, Peter Dinklage, Samuel L. Jackson, Benicio del Toro, Danai Gurira, Benedict Wong, Anthony Mackie, Don Cheadle, Idris Elba, Vin Diesel, Bradley Cooper, William Hurt  
Sinopsis:
El todopoderoso Thanos ha despertado con la promesa de arrasar con todo a su paso, portando el Guantelete del Infinito, que le confiere un poder incalculable. Los únicos capaces de pararle los pies son los Vengadores y el resto de superhéroes de la galaxia, que deberán estar dispuestos a sacrificarlo todo por un bien mayor. Capitán América e Ironman deberán limar sus diferencias, Black Panther apoyará con sus tropas desde Wakanda, Thor y los Guardianes de la Galaxia e incluso Spider-Man se unirán antes de que los planes de devastación y ruina pongan fin al universo. ¿Serán capaces de frenar el avance del titán del caos? (FILMAFFINITY)
Crítica:
Infinity War supone un antes y un después dentro del Universo Cinemático Marvel. Por un lado, es el clímax de la meta trama de las Gemas del Infinito que se ha ido desarrollando poco a poco. Por otro, supone demostrar una vez más que los hermanos Russo son unos grandes directores de cine y que han sabido adaptarse al género superheróico y darle un toque propio y característico muy apropiado. Estamos ante una película coral, con un gran número de protagonistas donde todos tienen su peso relativo dentro de la trama y Thanos es algo más que el objetivo a abatir. Con este villano, los hermanos Russo dan una nueva vuelta de tuerca a las tramas políticas desarrolladas en El Soldado de Invierno y Civil War, centrando toda la historia en las motivaciones de Thanos para ejecutar la búsqueda de las Gemas del Infinito.

La película está basada en las miniseries Thanos Quest y El Guantelete del Infinito, de las que coge elementos pero que se adapta al universo cinematográfico. Recogiendo aspectos construidos a lo largo de la serie de películas, todo confluye en esta tragedia épica, en la que los héroes deberán unir fuerzas para derrotar a Thanos, que se presenta como una fuerza imparable. Y no sólo por sí mismo, sino también por su ejército y por la Orden Negra, sus seguidores más directos y que se convierten en rivales de primera línea para los héroes. Todo esto desarrollado en una película que te atrapa desde el primer minuto y que no deja de sorprender y cautivar al espectador, haciendo que esté pegado a la butaca y pendiente de todo lo que pasa.

Como colofón final de esta etapa cinematográfica y paso a la siguiente, la película funciona perfectamente. Es un ejercicio visual fascinante y posee una trama bien elaborada y conducida que no defrauda. Por ello, es una de esas películas altamente recomendables para ver.

miércoles, 18 de abril de 2018

Books from the Crypt #139: YOKAI ATTACK! Guía de supervivencia de los monstruos japoneses

Título:   YOKAI ATTACK! Guía de supervivencia de los monstruos japoneses
Título original: YOKAI ATTACK! The Japanese Monster Survival Guide
Año: 2017
Autores:  Hiroko Yoda y Matt Alt, Tatsuya Morino (Ilustr.)
Género: Cuentos de terror y fantasmas
Sinopsis:
Los yōkai son una especie de seres etéreos, que normalmente aparecen por la noche, a los que muchos dicen haber visto, pero que cada persona describe de forma diferente. Este libro es el resultado de muchas horas dedicadas a investigar la información y las descripciones presentes en una gran variedad de fuentes, incluyendo microfilmes de dibujos y grabados del siglo XVIII procedentes de la Biblioteca Nacional de Tokio.

Las ilustraciones, creadas por el genial Tatsuya Morino, detallan la posible apariencia de cada yōkai. Además, junto a cada monstruo aparece su descripción y características, algo muy útil en caso de un posible encuentro.

Así que olvida a Godzilla, a Ultraman y a los Power Rangers. A Sadako de La Señal (The Ring) y al escalofriante niño de La Maldición (The Grudge). Olvida todo lo que sabes sobre los cuentos de terror japoneses porque Yōkai Attack! te confirmará lo que, seguramente, ya sospechabas: que Japón no solo es el país en el que habitan los monstruos más terroríficos y desconocidos, también es el que tiene a los más originales y fascinantes.

Yōkai Attack! es tu guía definitiva para conocer e identificar a estos tenebrosos monstruos del Japón tradicional. Una lectura esencial para los aficionados a las novelas de terror, a la cultura japonesa y al manga y anime.

Crítica:
Yōkai Attack! es el primer libro de la trilogía Attack!, compuesto por Yōkai Attack!, Yurei Attack! y Ninja Attack! (este último aún no publicado en España en el momento de escribir esta reseña). Editado en España por la editorial Quaterni, especializada en literatura del Lejano Oriente, es un interesante libro que, a modo de guía de supervivencia, describe una serie de yōkais mediante fichas en las que se puede leer su historia, descripción, modus operandi y como sobrevivir a un encuentro con una de estas criaturas. También sirve como complemento a la Guía Ilustrada de Monstruos y Fantasmas de Japón (Books from the Crypt #94: Guía Ilustrada de Monstruos y Fantasmas de Japón) publicada por la misma editorial.

En el caso de Yōkai Attack! nos encontramos ante un excelente trabajo de investigación sobre el folclore japonés, centrado en los diferentes seres fantásticos, mitológicos y legendarios de este país. No pretende ser una guía exhaustiva, pues, de lo contrario contaría con muchos tomos y sería de mayor longitud de páginas. Se trata de un atisbo a algunas de las criaturas más conocidas o llamativas del imaginario cultural japonés, aportando interesante información sobre estos seres, que resulta de gran interés para japonófilos y para aficionados al terror y el folclore en general. Vale la pena destacar que el ilustrador, Tatsuya Morino, trabajó como ayudante del genial artista del manga Shigeru Mizuki, cuya obra GeGeGe no Kitarō es un despliegue de todo tipo de yōkais y es muy popular en Japón. La influencia de Mizuki se nota mucho en el estilo de las ilustraciones, que, de forma adicional, beben a menudo de los trabajos de Sekien Toriyama, autor original de la Guía Ilustrada de Monstruos mencionada más arriba. Así podemos encontrarnos, junto con las excelentes fichas de cada criatura, una ilustración que, a menudo, es una revisión de una de las obras de Sekien adaptada a tiempos contemporáneos.

En conjunto, Yōkai Attack! es un libro altamente recomendable, que cuenta con una interesante y amena selección de criaturas y un listado de recursos que incluye páginas web y películas relacionadas con los yōkais. Se trata de una guía imprescindible para conocer mejor el folclore de los monstruos japoneses y una fuente de información para cualquiera interesado en el terror de este lugar del mundo. Junto con su segunda parte, Yurei Attack!, y la Guía Ilustrada de Monstruos y Fantasmas de Japón, podemos familiarizarnos con esta parte de la cultura nipona y comenzar a conocer este fascinante aspecto del país del sol naciente.

sábado, 14 de abril de 2018

La casa torcida (2017)

Título: La casa torcida
Título original: Crooked House
País: Reino Unido
Productora: Brilliant Films / Fred Films
Directores: Gilles Paquet-Brenner
Guión: Julian Fellowes (Novela: Agatha Christie)
Reparto: Glenn Close, Terence Stamp, Christina Hendricks, Gillian Anderson, Max Irons, Stefanie Martini, Amanda Abbington, Julian Sands, John Heffernan, Roger Ashton-Griffiths, Christian McKay, Honor Kneafsey, Preston Nyman, Jenny Galloway, David Cann
Sinopsis:
Aristides Leónides es el patriarca de una adinerada familia de origen griego que será asesinado poco después de que su nieta presente a la familia a su prometido, hijo de un detective de Scotland Yard, que será quien deberá resolver el crimen. Adaptación de la novela de Agatha Christie. (FILMAFFINITY)

Crítica:
La casa torcida, película de retrasado estreno en España, es una adaptación de la novela homónima de Agatha Crhistie. Se trata de uno de los más enrevesados y retorcidos misterios de la escritora británica, ambientado en, tal y como indica su título, una casa torcida. Se trata de un hogar que ha sido gobernado con mano férrea por el patriarca familiar, un hombre obsesionado con el control y que procuró tener a toda su descendencia bajo su manto. Con la muerte de Aristides Leónides se inicia la investigación sobre las verdaderas causas de su muerte, mostrando poco a poco un enmarañado complejo de odios, pasiones, intrigas y rencores, en la que prácticamente todos los habitantes de la casa tienen o parecen tener motivaciones para haber cometido el asesinato.

La película cuenta con un reparto excepcional a la altura de las circunstancias y una dirección que sabe manejar el tiempo y el tono para adaptar la atmósfera característica de una novela de Agatha Christie. Por ello, el espectador no debe esperar una película detectivesca con un ritmo rápido o frenético. La acción se desarrolla de forma pausada, de manera que asistimos a la presentación de todos los personajes y podemos ir conociéndolos, así como estudiar sus interacciones. Esto se adapta perfectamente al modus operandi de Christie, que siempre se toma su tiempo para que el lector pueda asistir poco a poco al avance de la trama y pueda hacer cábalas sobre la identidad del asesino. No faltan los clichés propios de la autora, que se repiten en la mayor parte de sus obras. Quizá, un punto más gris sea el que el detective es un personaje más anónimo, exclusivo de esta novela, en lugar del famoso Hercules Poirot o la entrañable pero aguda Miss Marple. Sin embargo, actúa perfectamente como conductor, ya que la película se centra principalmente en seguir sus andanzas e investigaciones que, como en toda novela de Agatha Christie se realiza principalmente a través de las conversaciones e interacciones del detective con los diversos sospechosos.

La casa torcida es una interesante adaptación de una de las grandes autoras del género de misterio y detectives, sabe aprovechar y adaptar el entorno y atmósfera característicos de las obras de la autora y logra hacer que el espectador se sienta dispuesto a tratar de averiguar quien es el asesino. El ritmo pausado ayuda a ello. A causa de esto, es una película recomendable de ver para disfrutar de una buena historia detectivesca de corte más clásico.

jueves, 5 de abril de 2018

Shin Godzilla (2016)

Título: Shin Godzilla
Título original: Shin Gojira (シン・ゴジラ)
País: Japón
Productora: Toho Company / Cine Bazar / Toho Pictures
Directores: Hideaki Anno,  Shinji Higuchi
Guión: Hideaki Anno
Reparto: Satomi Ishihara,  Hiroki Hasegawa,  Yutaka Takenouchi,  Akira Emoto,  Kengo Kôra, Jun Kunimura,  Ren Ohsugi,  Mikako Ichikawa,  Pierre Taki,  Mark Chinnery
Sinopsis:
Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre, resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo ala civilización. Un país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de repente el horror catastrófico de Godzilla. Apremiado por la muerte y la desesperación, Japón deberá encontrar el poder para superar este desafío. Primera película de Godzilla realizada en Japón desde "Godzilla: Final Wars" (2004) de Ryuhei Kitamura. Dirigida por Hideaki Anno ("Evangelion") y Shinji Higuchi ("Attack on Titan"). (FILMAFFINITY)

Crítica:
Shin Godzilla es el retorno a su país de origen del que puede ser el monstruo más icónico del cine japonés. Tras el salto a la gran pantalla del Godzilla de Legendary en 2014, iniciando así un kaijuverso que ha continuado con Kong: La Isla Calavera, los japoneses tenían que demostrar que el auténtico Godzilla tiene que salir del país del sol naciente. Y es que no hay que olvidar que fue en 1954 cuando este lagarto radiactivo acosó por primera vez Japón, dándose a conocer al mundo en una de las maravillas del cine, una de esas películas que, pese a las carencias que se puedan apreciar con el paso del tiempo, ha envejecido muy bien. Godzilla, Japón bajo el terror del monstruo fue una película que supuso un antes y un después en la cinematografía. Aunque con el paso del tiempo la calidad cinematográfica del coloso radioactivo tuvo bastantes altibajos y, pese a todo, hubo algún intento americano poco afortunado por tratar de resucitarlo (el poco acertado Godzilla de Roland Emmerich de 1998), 2014 supuso el comienzo de una nueva etapa. Y la Toho, creadora del primer Gojira, tenía que ser la encargada de hacer la nueva versión japonesa.

En esta película nos encontramos con una nueva versión del clásico monstruo, en la que la Toho lo redefine y rediseña, aportándole una nueva apariencia que bebe directamente del clásico original. Pero van mucho más allá. Y es que esta película supone basarse en la original pero reinventándola a nuestro tiempo, actualizándola. El bombardeo nuclear de Hiroshima y Nagasaki da lugar al desastre de Fukushima y la amenaza atómica sigue siendo el trasfondo tras el origen del monstruo. Pero aquí, en lugar de presentar a Godzilla en todo su esplendor desde su primera aparición, vemos una reinvención de la criatura, que va evolucionando y mutando hasta alcanzar el aspecto final. Así la criatura se vuelve cada vez más aterradora y terrible, pues su nivel de amenaza va aumentando progresivamente. Nos encontramos ante un kaiju, el primero en saltar a la fama y prácticamente iniciador del género del Kaiju Eiga. No es un monstruo gigante más, es un dios encarnado, imparable, casi indestructible y completamente indiferente al ser humano, que tan sólo es una molestia en su camino.

Como ya sucede en la versión original, la película se centra en los destrozos ocasionados por el monstruo y los intentos del gobierno por encontrar una forma de detenerlo. Las sesiones del gabinete de ministros con el Primer Ministro nipón son parte importante de la trama, así como las acciones del Comité Godzilla, el órgano que se crea para buscar la mejor forma de combatir a la criatura. No hay que olvidar que, a fin de cuentas, Godzilla (1954) y Shin Godzilla (2016) siguen un mismo esquema y un propósito similar: mostrar la lucha desesperada del gobierno japonés para enfrentarse a una amenaza nuclear prácticamente imparable. Y en esta última versión Godzilla hace honor a esta característica. Es mucho más terrible que su versión original, mucho más poderoso y peligroso. Esta película es un homenaje a su versión primigenia, a esa cinta de 1954 que resultaba aterradora y cargada de drama y suspense. Y aquí, aunque las escenas del monstruo destruyendo la ciudad a su paso, no podemos evitar tener en cuenta que, lo realmente importante, es la reacción del gobierno a esta crisis. Es difícil no establecer comparaciones con La Guerra de los Mundos de 1953, pues en ambas películas se plasma perfectamente la desesperación y la indefensión del ser humano contra este tipo de amenazas.

Por ello, la película cumple completamente sus objetivos: es un retorno de Godzilla a Japón por todo lo alto, que como película de kaijus es impresionante, y rinde correctamente un sincero y merecido homenaje a la película de 1954. Tanto en sus aspectos de destrucción de la ciudad, con el monstruo desatado en todo su poder, imparable, como en la trama más centrada en la acción y medidas del gobierno nipón, resulta una película muy buena, muy recomendable. Tan sólo hay que recordar que se trata de una película japonesa, por lo que la acción no es frenética, se desarrolla de forma más pausada, con un estilo narrativo muy propio de este país y que puede resultar fatigoso para alguien no acostumbrado. Por lo demás, es una de esas películas que hay que ver.

lunes, 26 de marzo de 2018

Pacific Rim: Insurrección (2018)

Título: Pacific Rim: Insurrección
Título original: Pacific Rim: Uprising
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Universal Studios Home Entertainment / Double Dare You / Legendary Pictures / Perfect World Pictures
Director: Steven S. DeKnight
Guión: Travis Beacham, Emily Carmichael, Kira Snyder, Guillermo del Toro, Steven S. DeKnight (Historia: T.S. Nowlin )
Reparto: John Boyega, Scott Eastwood, Cailee Spaeny, Tian Jing, Adria Arjona, Levi Meaden, Charlie Day, Rinko Kikuchi, Burn Gorman, Ivanna Sakhno, Nick Tarabay, Dustin Clare, Karan Brar, Daniel Feuerriegel, Madeleine McGraw, Shyrley Rodriguez, Rahart Adams, Zhang Jin, Jaime Slater, Lily Ji, Luke Judy, Mackenyu 
Sinopsis:
Un futuro cercano. Han pasado 10 años tras la primera invasión que sufrió la humanidad, pero la lucha aún no ha terminado. El planeta vuelve a ser asediado por los Kaiju, una raza de alienígenas colosales, que emergen desde un portal interdimensional con el objetivo de destruir a la raza humana. Ante esta nueva amenaza, los Jaegers, robots gigantes de guerra pilotados por dos personas para sobrellevar la inmensa carga neuronal que conlleva manipularlos, ya no están a la altura de lo que se les viene encima. Será entonces cuando los supervivientes de la primera invasión, además de nuevos personajes como el hijo de Pentecost (John Boyega), tendrán que idear la manera de sorprender al enorme enemigo, apostando por nuevas estrategias defensivas y de ataque. Con la Tierra en ruinas e intentando reconstruirse, esta nueva batalla puede ser decisiva para el futuro.... Secuela de 'Pacific Rim' (2013). (FILMAFFINITY)

Crítica:
Pacific Rim: Insurreción es la segunda parte de la película de Guillermo del Toro que demostró que el género de robots gigantes de estilo manganime tiene potencial en el cine comercial. Siguiendo el esquema establecido por la primera parte, nos encontramos con una cinta cargada de acción, con impresionantes efectos visuales y que está dirigida a un público que quiera asombrarse y disfrutar de combates entre monstruos gigantes y robots gigantes. El argumento no es demasiado profundo, ya que pretende entretener sin más complejidades. Los personajes resultan más corales y con más personalidad que en la primera entrega y la película resulta también más irreverente. También hay que destacar que el guión va más allá de los cánones de la primera película y establece una trama más interesante y con algún giro argumental sorprendente.

Es un placer ver de nuevo a la actriz Rinko Kikuchi, aunque adopta un papel muy secundario. Por otro lado, los demás actores dejan un buen listón dentro de lo que se espera de esta película: entretenimiento sin pretensiones y sin complicaciones. La cinta se disfruta desde el primer momento y nos muestra unos diseños tanto de robots como de kaijus muy interesantes. En este aspecto vale la pena destacar que el aspecto gráfico ha pasado por una evolución: desde los modelos MkI a Mk V de Jaegers de la primera entrega, pasamos a unos robots cada vez más estilizados y con una estética donde la influencia del manganime es muy presente. En cuanto a los kaijus, nos encontramos con unos monstruos que se alejan del concepto estético original (basados en animales de la Tierra teratológicamente modificados en su aspecto y tamaño) a seres de aspecto nada común.

En conclusión, es una película agradable de ver, interesante, divertida y sorprendente, a la que se debe acudir con ánimo de pasar un tiempo ameno y sin pretensiones. Así se puede disfrutar como un entretenimiento que cumple con las expectactivas.

sábado, 24 de marzo de 2018

Books from the Crypt #138: Scrap Trek

Título:  Scrap Trek
Año: 2012 (vol.1), 2017 (vol. 2 y 3)
Autor:  Jordi Bayarri
Género: Ciencia ficción / Humor / Erótico
Sinopsis:
Scrap Trek Volumen 1 recoge los diez primeros capítulos de esta serie de ciencia ficción para adultos repleta de sexo, naves y alienígenas. Únete a Rebecca, Dun, Nector, Halo y Hylo en sus aventuras repletas de sexo más allá de los confines del espacio.

Scrap Trek Volumen 2: Siguen las aventuras de Rebecca, Dun, Nector, Halo y Hylo, la alocada tripulación de la "Caronte" que recorre el espacio buscando chatarra espacial y copulando con todo bicho viviente por el camino. Únete a sus aventuras más allá de los confines de la galaxia en esta serie de ciencia ficción para adultos repleta de sexo, naves y alienígenas.

Scrap Trek Volumen 3: Tercer tomo con las aventuras de la tripulación de la "Caronte" los chatarreros espaciales más locos y más cachondos a este lado de la Nebulosa del Cangrejo. No te pierdas las andanzas de Rebecca, Dun, Nector, Halo y Hylo y los nuevos compañeros de aventuras que encontrarán en este tercer volumen.

Crítica:
Scrap Trek es un comic en tres volúmenes de Jordi Bayarri publicado por la editorial Anillo de Sirio. Se trata de una space opera cargada de humor y con un contenido sexual explícito que lo cataloga como una obra para público adulto. Narra las vivencias de Rebecca, una capitana propietaria de su propia nave y su tripulación que se dedican a recoger basura espacial. Y, entre trabajo y trabajo, o durante los mismos, pues, también se dedican a satisfacer sus instintos primarios y matar el aburrimiento con todo tipo de juegos sexuales. Pero aunque las escenas de sexo no faltan precisamente, ya que al menos hay una por capítulo, hay también bastantes notas de humor y tramas que se desarrollan elaborando una historia ligera, amena y divertida. Vale la pena destacar que las peripecias sexuales de los protagonistas son muy variadas, por lo que no es recomendable para la gente que tenga complejos, prejuicios o falta de una mente abierta a la hora de asimilar la existencia de diferentes roles sexuales. Y es que los protagonistas son todos pansexuales, por ello podemos ver relaciones entre mujeres, hombres y mujeres, hombres y hombres, robots y alienígenas variados.

Dibujado y narrado con el característico estilo de Bayarri, nos encontramos ante un comic entretenido que, más allá de su excelente y llamativo contenido para adultos, de indudable calidad gráfica y que explota una amplia variedad de opciones y posibilidades, nos encontramos con una historia ligera que anima a la lectura y viene bien para tomar ese descanso para la mente de asuntos más pesados. Es una excelente forma de introducirse en el mundillo del comic erótico y pornográfico, además de conocer el estilo y talento de Jordi Bayarri, un dibujante que ha logrado aquello que muchos anhelan: el lograr dedicarse a lo que le gusta. Así, nos encontramos con una obra de un autor que vale la pena conocer por su versatilidad, estilo característico y talento.

jueves, 15 de marzo de 2018

Turismo literario: El rastro de H. P. Lovecraft

El Turismo literario, o viaje literario, es una modalidad de turismo cultural que se desarrolla en lugares relacionados con los acontecimientos de los textos de ficción o con las vidas de sus autores. Esto podría incluir seguir la ruta de un personaje de ficción en una novela, visitar los escenarios en que se ambienta una historia o recorrer los sitios vinculados a la biografía de un novelista.
Fuente: Wikipedia

Howard Phillips Lovecraft (/ˈlʌvkræft — ˌkrɑːft/ Providence, Estados Unidos, 20 de agosto de 1890 – ibídem, 15 de marzo de 1937), mejor conocido como H. P. Lovecraft, y proclamado como Maestro del Horror Cósmico, es una escritor estadounidense cuya obra incluye novelas y relatos de terror, fantasía onírica y ciencia ficción. Es un gran innovador en el cuento de terror, siendo el principal creador del género de terror materialista y padre y desarrollador de los Mitos de Cthulhu, mitología a la que dio a luz y amplió con la ayuda de otros escritores por vía epistolar o en conversaciones en persona. Su legado hoy en día sigue vivo y vigente y ha sido continuado por muchos otros autores desde su fallecimiento. Además de la narrativa de terror materialista, en la que dejaba de lado los componentes sobrenaturales habituales, Lovecraft desarrolló el género epistolar, la poesía y el ensayo. Está considerado como uno de los autores más influyentes de la literatura fantástica del siglo XX.

La vida literaria de Lovecraft mantuvo una evolución constante que le llevó a pasar por diversas etapas marcadas por las influencias de autores a los que admiraba.
  • Etapa gótica (1905 - 1920), con la influencia de Edgar Allan Poe. Es su etapa más clásica, donde abundan elementos del género gótico: grandes y antiguos castillos, páramos lejanos y desolados, la noche como liberadora del mal. Destacan The beast in the cave (1905) y The outsider, impresa después (1921), pero compuesta antes.
  • Etapa onírica (1920 - 1927), bajo la influencia de Lord Dunsany. Estas historias se desarrollan en un mundo onírico fantástico, las Tierras del Sueño, que bebe de la obra de Dunsany por la atmósfera de los relatos. También incluye referencias a otras mitologías y le da su propio y personal carácter a este mundo. Vale la pena destacar: The cats of Ulthar (Los gatos de Ulthar) (1920), The Silver Key (La llave de plata) (1926) o, su cumbre, The dream-quest of unknown Kadath (La búsqueda onírica de la desconocida Kadath) (1926-27; publicada en 1943).
  • Mitos de Cthulhu (1927 - 1937). influenciado por Arthur Machen, Ambrose Bierce, Algernon Blackwood y William Hope Hodgson. Esta etapa desarrolla por completo la mitología del Ciclo de Cthulhu, lo que Lovecraft denominaba su yog-sothotheria. Son obras de horror cósmico ambientadas principalmente en Nueva Inglaterra. Las más características son: La llamada de Cthulhu (1926), El horror de Dunwich (1928) y La sombra sobre Innsmouth (1931), entre otros.

Providence, Rhode Island
Providence es la capital y la ciudad más grande de Rhode Island en los Estados Unidos, y una de las primeras ciudades en ser fundadas en ese país.​ Ubicada en el condado de Providence, la ciudad es la segunda más grande de Nueva Inglaterra.

Providence fue fundada en 1636 por Roger Williams con el nombre de "Providence" (Providencia, en nombre de la guía y cuidado de Dios), como refugio para los disidentes religiosos perseguidos. Está ubicada en un territorio que estaba bajo el dominio de los indios Narragansett, conocido como "Bahía Narragansett". Sin embargo, muchas partes de Providence fueron quemadas durante un conflicto entre los colonizadores ingleses y los indígenas, la guerra del rey Felipe entre 1675 y 1676.

Durante el cuarto siglo siguiente, el crecimiento de Providence fue lento (1.446 habitantes en 1708), pero en 1730 había 3.916 habitantes. En esta época, Providence se convirtió en una ciudad de pesca y comercio marítimo. Después de la guerra de la Independencia de los Estados Unidos, la economía llegó a otorgar más importancia a la manufactura.

Providence fue oficialmente establecida como una ciudad en 1831, y fue designada como una de las capitales de Rhode Island (junto con Newport) en 1854, y en 1900 se hizo la capital exclusiva del estado.

Fuente: Wikipedia

Providence, Rhode Island

Lovecraft en Providence
Fuente: NY Times
Providence es la ciudad natal de Lovecraft y el lugar donde pasó la mayor parte de su vida. Por ello, en esta ciudad podemos encontrar lugares destacados que inspiraron al autor y que forman parte del paisaje de sus relatos.
  • Rhode Island Historical Preservation & Heritage Commission. Es la agencia estatal para la preservación histórica y del patrimonio. La Commission opera en programas de preservación histórica a nivel estatal que identifica y protege edificios históricos, distritos, estructuras y lugares arqueológicos. La Commission también desarrolla programas para documentar y homenajear el rico patrimonio cultural de la gente de Rhode Island. Para conocer mejor la Providence de las primeras décadas del siglo XX, este lugar es una parada obligatoria.
  • Ladd Observatory. El histórico Ladd Observatory abrió en 1891 bajo la dirección del Prof. Winslow Upton. Adscrito al Department of Physics de la Brown University, fue un lugar habitualmente visitado por H. P. Lovecraft.
  • Providence Athenaeum. Biblioteca independiente fundada en 1753. Era un lugar donde H. P. Lovecraft pasaba muchas horas y donde su gran inspirador, Edgar Allan Poe, estuvo también antes.
  • 65, Prospect Street. Es la dirección del último hogar donde vivió Lovecraft en Providence.
  • Fleur-de-Lys Studio. Un ejemplo temprano de las artes y arquitectura de Rhode Island, este estudio posee una característica fachada que se conserva gracias a los esfuerzos del Art Club de Providence. En este lugar residía Henry Anthony Wilcox, creador del grabado en arcilla en el relato "La Llamada de Cthulhu".
  • Stephen Harris House. Casa que aparece en el relato "La casa apartada" (The Shunned House"), donde Lovecraft establece su propia versión del mito del vampiro.
  • H. P. Lovecraft Memorial Square. Cerca de la bibloteca John Hay, en la intersección de Prospect y Angell streets, se encuentra este parque en memoria de H. P. Lovecraft. Durante el centenario de su nacimiento, en 1990, se instaló una placa memorial dedicada a este escritor.
  • Swan Point cemetery. En este bello y pacífico cementerio ajardinado se encuentra la tumba de H. P. Lovecraft. Es una visita obligada para todo aquel que siga el rastro del Maestro del Horror, además de un hermoso ejemplo de la arquitectura y diseño de cementerios.

sábado, 10 de marzo de 2018

InSpectres

Luchamos contra el mal para que usted no tenga que hacerlo.

InSpectres es un juego de rol sobre el floreciente negocio de la investigación y la eliminación de los fenómenos paranormales. Los jugadores interpretarán a los trabajadores en nómina de una franquicia de InSpectres, la empresa líder del sector.

Funda tu propia franquicia de InSpectres y procura tener una buena cartera de clientes para que los jefes presenten unos prósperos resultados en la declaración trimestral. ¡Procura que esa casa encantada no vuelva a dar más problemas o tendrás que dar muchas explicaciones!
InSpectres ofrece partidas rápidas, llenas de humor y horror a partes iguales.
  • Crea y gestiona tu propia franquicia de InSpectres. ¿Conseguirás mantenerla a flote?
  • Mecánicas novedosas para que la investigación sea algo realmente divertido.
  • Manipula la propia narración con «El confesionario». ¡Lo nunca visto!
  • Reglas para interpretar personajes preternaturales: vampiros, zombis, hombres lobo... ¡y muchos más!
InSpectres es un juego de rol de comedia de terror editado por Nosolorol dentro de su línea ConBarba. Se trata de un título ameno y divertido, con una clara influencia de las películas originales de Cazafantasmas y la trilogía de Men in Black entre otras. Los jugadores interpretan a un grupo de empleados de la empresa InSpectres, en un mundo donde lo sobrenatural es real y el Mal es una plaga que hay que combatir. Si un fantasma se instala en tu casa, si un zombi acosa a tu hija, si tus vecinos son vampiros y quieren chuparte la sangre, ¿a quién vas a llamar? InSpectres actúa como una empresa de control de plagas con alta tecnología, pero su objetivo es toda esa fenomenología paranormal y sobrenatural. Se estructura como una cadena de franquicias, de manera que los jugadores montan y gestionan su propia franquicia de InSpectres que pueden situar donde más les plazca, ya sea una ubicación real o inventada.

El juego está maquetado en blanco y negro las páginas interiores y las ilustraciones y con portada a color con el logo de la empresa. La estructura es sencilla y fácil de manejar y se puede consultar el manual sin complicaciones. El personaje jugador está basado en cuatro habilidades que cubren las diferentes áreas de experiencia: Cerebro (que representa la inteligencia del personaje), Cuerpo (que mide sus habilidades físicas), Tecnología (para manejar todo aparato e instrumental de alta tecnología) y Labia (para la interacción social). Además, el personaje cuenta con un talento único que le caracteriza e individualiza de los demás. También está la posibilidad de jugar con personajes sobrenaturales, como vampiros, zombis y hombres lobo, aunque esto es un extra que debe quedar limitado a un máximo de un personaje por partida para evitar saturar el juego. Pero esto no acaba aquí. Los jugadores trabajan para una franquicia de InSpectres... que ellos han montado. Es decir, son sus propios jefes y deben actuar como franquiciados. Por ello, el manual incluye unas sencillas reglas para crear y gestionar la empresa. Las tiradas son sumamente sencillas, ya que se tiran tantos dados de 6 caras como valor de la habilidad que se use y te quedas con el valor más alto. El resultado se compara en una tabla que indicará el nivel de éxito o fracaso.

Un apartado peculiar y característico de este juego es el "confesionario". Una partida de InSpectres (o una campaña) se puede llevar como si los jugadores estuvieran inmersos en un programa de telerrealidad, en los que las cámaras les siguen en su día a día durante el trabajo. Para ello, hay una opción que es el "confesionario", donde los jugadores pueden hacer revelaciones y hablar libremente "a solas". Cuando un jugador quiere acceder al confesionario, se le da la oportunidad de actuar como si estuviera en este realmente, interpretando su pase al mismo y narrando algún suceso ocurrido, que esté sucediendo en el momento o, incluso, futuro. Esto es una herramienta que enriquece las partidas y da la oportunidad a los jugadores de colaborar en la elaboración de la trama, aportando ideas, giros argumentales y semillas de futuro.

En cualquier caso, InSpectres es un juego ameno, divertido, sencillo de jugar y dinámico. No es para jugadores obsesionados con la acción y las mecánicas complejas. Se trata de una forma rápida de jugar y crear historias de tono de comedia de terror con un entorno ágil y narrativo. El juego te proporciona la excusa ideal para crear un grupo de personajes muy dispares pero que acaban trabajando juntos por un motivo y, por ello, pueden surgir situaciones muy divertidas y curiosas. Se trata de un título recomendable que no hay que dejar pasar y sí echarle un ojo por las posibilidades que tiene.

miércoles, 28 de febrero de 2018

Guardianes de Pandemonio

En Guardianes de Pandemonio eres uno de los valientes pandas pertenecientes a las Orden de los Guardianes. Recorre el fantástico mundo de Pandemonio y sus variopintos reinos para salvaguardar la paz y prosperidad de tus camaradas pandas. Enfréntate a terribles (y adorables) monstruos, resuelve misterios, utiliza magia poderosa y crea increíbles historias.

Guardianes de Pandemonio es un juego completo, en un nuevo mundo lleno de aventuras y con un reglamento sencillo y fácil de aprender que hará las delicias de grandes y pequeños. Incluye todo lo que necesitas para aprender a jugar y crear tus propias historias, así como una aventura introductoria para que puedas empezar a jugar casi de inmediato.

Guardianes de Pandemonio es un juego de rol español de Holocubierta Ediciones, S. L. orientado, principalmente, a un público infantil y juvenil, que utiliza como base el sistema Fate. Se trata de un juego sencillo, con una mecánica simple y fácil de asimilar y una ambientación interesante y amena.  Se trata de un manual completo, que incluye todas las reglas y el trasfondo necesario para jugar, preparado para partidas de entre 3 y cinco personas, incluyendo al Director de Juego.

El juego ofrece la posibilidad de crear un personaje con tres posibles sendas: Guiden (sabios y magos), Jaeger (exploradores e investigadores) y Krieger (guerreros). El jugador, al crear el personaje, podrá escoger una de las cinco tierras natales, cada una de ellas le aportará una serie de características y opciones propias que le darán un carácter único según su procedencia. Así tenemos Atlemaxtlán (aztecas), Eisenerz (alemanes, Europa Central), Khustain (mongoles), Osthammar (nórdicos, vikingos) y Zhuunkara (árabes). El personaje posee tres atributos: Cuerpo (para todo tipo de tareas físicas), Mente (para tareas intelectuales) y Espíritu (para tareas de carisma y relaciones interpersonales).  Las tiradas se basan en lanzar los dados Fate y el resultado sumarlo al valor del atributo, tratando de superar la dificultad. Existen 5 posibles resultados: fallo, empate, éxito y éxito con estilo que dependerán de la tirada. En cuanto a los dados Fate son unos dados especiales de 6 caras. En cada tirada se lanzan 4 de ellos. Estos dados tienen un signo negativo (-), un signo positivo (+) o una cara vacía. Al arrojarlos, los signos positivos se suman, los negativos restan y los vacíos no aportan nada. Si el resultado final de sumas y restas es positivo, se suma al valor del atributo; si es negativo se resta.

En cuanto al manual, está editado en tapa blanda, a todo color, tanto la portada como las páginas interiores y acompañado de ilustraciones que ayudan a visualizar la ambientación y facilitan la inmersión. Incluye una cronología y la historia del mundo, así como un mapa del mismo y breves descripciones de cada una de las cinco tierras natales. Los personajes son todos pandas antropomórficos y el bestiario es completo, aportando una base de criaturas y personajes no jugadores con los que enriquecer las aventuras. A este respecto incluye también una aventura introductoria que ayudará a los personajes a introducirse en este mundo y al Director de Juego a familiarizarse con la ambientación y las reglas. En conjunto se trata de una edición cuidada, de formato pequeño, manejable y bonita, sin necesidad de cargar las tintas. Visualmente es agradable, y está bien maquetada. Supone una interesante opción para jugar aventuras ligeras y para introducir a nuevos jugadores en el mundo de los juegos de rol, sobretodo de público infantil y juvenil. Aunque cualquiera que desee conocer esta opción lúdica puede iniciarse perfectamente con este título, que resulta muy recomendable.

miércoles, 21 de febrero de 2018

Ryuutama

En el principio, en el mundo había cuatro tipos de dragones
de los cuatro dragones nacieron las estaciones
de las estaciones nacieron los siete dragones del clima
del clima nacieron los trece dragones de la tierra,
el viento que sopla sobre las praderas, la suave luz del sol,
las parejas de bestias, los alegres pueblos amurallados
a todo les da vida el largo aliento de los dragones
de los 24 dragones, innumerables más nacieron en el mundo
esperando que llegue el momento de despertar
ese momento aún no ha llegado
el mundo es un Huevo de Dragón
con los Viajeros y los Ryuujin calentándolo
¿qué tipo de dragón eclosionará en este mundo…?

Ryuutama es un juego de rol japonés de fantasía del género honobono, un término que podríamos traducir al español como "sentimiento agradable". Este juego se centra en un grupo de personajes que parten de viaje, y que tiene como temas la naturaleza, el asombro, y el proceso de maduración y crecimiento que implica un viaje largo y difícil en grupo. Es un juego en el que las clases de personaje no son los clásicos Bárbaro, Hechicero, Ladrón, etc. sino Trovador, Mercader, Granjero, y similares. La más "marcial" de las clases, por decirlo de alguna manera, son los Cazadores. La razón de esto es que en el mundo de Ryuutama todo individuo debe emprender en algún momento de su vida un viaje, que le permitirá aprender sobre el mundo y encontrarse a sí mismo.

Ryuutama es un juego de rol de origen japonés creado por Atsuhiro Okada y publicado en España por la editorial Other Selves. Se trata de un juego con un tono y estilo basado en las historias tradicionales japonesas sobre viajes, donde la distancia que separa a dos pueblos puede ser de uno o dos días de viaje. El juego describe esos viajes entre poblaciones que se convierten en desplazamientos de autoconocimiento, desafío y descubrimiento para los personajes jugadores, ya que se ven involucrados en una historia que un Ryuujin está recogiendo para alimentar a un dragón de una estación del año. El juego tiene una clara influencia de la cultura japonesa, así como del manga y el anime. Se compone de una estructura sencilla, bien maquetada y amena, con unos esquemas claros y bien definidos para desarrollar las aventuras con una estructura narrativa clásica de introducción, nudo y desenlace a través de escenas. Esto conforma partidas fáciles de organizar, dando peso a la ambientación y la narración, para configurar una serie de capítulos o historias cortas que, con el tiempo, puedan llegar incluso a configurar una crónica mayor. De esta manera, el director de juego puede sentirse cómodo explorando el mundo de Ryuutama poco a poco, descubriendo las posibilidades del sistema de juego y la ambientación, sin necesidad de embarcarse en algo a largo plazo. En ese aspecto, Ryuutama es muy apropiado para partidas cortas de una sesión. Además, la forma en que está diseñado el juego, con su tono amable y su influencia del manga y el anime, lo hace muy apropiado para un público infantil o juvenil y para introducir a nuevos jugadores en el mundo de los juegos de rol.

El sistema de juego y las reglas son sencillas. La base del mismo se basa en tiradas que se componen de dos características y un número objetivo de dificultad. Se suman los resultados de ambos dados y la cifra obtenida debe igualar o superar la dificultad. A partir de aquí se desarrolla todo el sistema, que utiliza la variedad de dados habitual en los juegos de rol: d4, d6, d8, d10, d12 y d20. Al crear el personaje, el jugador debe asignar un valor a cada característica, entre 4 y 8, escogiendo un esquema predeterminado entre tres que ofrece el juego. Esos valores son el tipo de dado asignado a esa característica para realizar las tiradas. El juego está estructurado de manera que resulte sencillo y ágil, fácil de entender y con un tono y maquetación que nos recuerda a los videojuegos RPG japoneses de aventuras. Además, el libro incluye aventuras de ejemplo e iniciales (lo cual siempre es un recurso muy útil), así como un variado bestiario de criaturas y personajes no jugadores para usar en las aventuras. El libro es en blanco y negro, con la portada y algunas páginas iniciales a color, lleno de ilustraciones que ayudan al lector a la inmersión en el ambiente y tono de Ryuutama. Lo que no incluye es un mundo pregenerado, ya que este se crea en conjunto entre el director de juego y los jugadores, dejando abierta la creatividad y la colaboración para así ampliar las posibilidades de la ambientación.

Una característica propia de Ryuutama es el Ryuujin. Este dragón acompaña en secreto a los personajes jugadores y recoge la historia de sus aventuras y, en ocasiones, puede prestarles pequeñas ayudas cuando lo considere absolutamente necesario, ya que su papel es el de observador y cronista. El Ryuujin también tiene su propia ficha y reglas de avance y poderes. Es un personaje más, aunque su papel sea el permanecer en un segundo plano, aunque también sea un personaje jugador. La peculiaridad del Ryuujin es que se trata de un personaje interpretado por el director de juego. No es el típico personaje no jugador que acompaña al grupo llevado por el director, sino un integrante más de la historia aunque su papel sea el mantenerse en la sombra y actuar sólo cuando la situación lo requiera, como Gandalf en El Hobbit.

Ryuutama es un juego sencillo, abierto, narrativo y ameno, que puede servir tanto para jugadores veteranos como para introducir a nuevos jugadores. Su temática y estructura es muy apropiada para el público infantil y juvenil, sobretodo si son aficionados al manga y el anime. Se trata de un título recomendable, interesante y que no debe ser pasado por alto.