Good Omens (2019)

Título: Good Omens (Miniserie de TV)

Título original: Good Omens

País: Reino Unido

Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC / Narrativia / The Blank Corporation / Salt River Studios / Amazon Studios. Distribuida por Amazon Prime Video
Director: Neil Gaiman (Creator),  Douglas Mackinnon

Guión: Neil Gaiman (Novela: Neil Gaiman, Terry Pratchett)

Reparto: Michael Sheen,  David Tennant,  Adria Arjona,  Jack Whitehall,  Sam Taylor Buck, Michael McKean,  Miranda Richardson,  Jon Hamm,  Ned Dennehy,  Daniel Mays, Mireille Enos,  Yusuf Gatewood,  Lourdes Faberes,  Sian Brooke,  Ilan Galkoff, Bill Paterson,  Anna Maxwell Martin,  Nick Offerman,  Simon Merrells,  Paul Chahidi, Josie Lawrence,  Doon Mackichan,  Gloria Obianyo,  Elizabeth Berrington, Mark Gatiss,  Steve Pemberton,  Reece Shearsmith,  Jonathan Aris,  Derek Jacobi, Sanjeev Bhaskar

Sinopsis:

Miniserie de TV (2019). 6 episodios. El mundo está al borde del apocalipsis mientras la humanidad se prepara para su juicio final. Pero Azirafel, un ángel algo quisquilloso, y Crowley, un demonio, no están entusiasmados con el fin del mundo, y no pueden encontrar al Anticristo.

Estrenada en Amazon Prime el 31 de mayo 2019.

Crítica:

Good Omens es una miniserie de TV de 6 episodios que adapta la novela homónima (titulada Buenos Presagios en español) de Terry Pratchett y Neil Gaiman. Se trata de un proyecto personal de Neil Gaiman creado en homenaje al fallecido coautor de la novela, Terry Pratchett. Juntos crearon una novela que parodia la película "La Profecía" (The Omen) de 1976 con una visión bastante retorcida y llena de un humor que roza a menudo lo absurdo, con toques de sátira política y social y una historia bien narrada que relata los acontecimientos de los últimos días de la Tierra antes de la llegada del Apocalipsis.

La serie es una adaptación bastante fiel, aunque se toma algunas libertades que se mantienen dentro del tono general y no quitan lustre a la trama, sino que la complementan de forma acertada por lo que no se pierde el desbordante humor de los autores. Por otro lado, la pareja protagonista, Michael Sheen y David Tennant, hacen un gran papel como personajes centrales de la historia, con un Sheen encarnando de forma muy apropiada al ángel Azirafel y un Tennant idóneo como el histriónico demonio Crowley. De esta manera se convierten en los guías idóneos para el espectador e introducirlo en esta satírica y absurda historia del fin del mundo.

Se trata de una miniserie muy recomendable por su humor y buen trabajo de dirección que, en el aspecto visual puede desmerecer en comparación con otras series de mayor presupuesto, pero que logra mantener el tipo. Apta tanto para fans de Gaiman y Pratchett como para aquellos que desconozcan el estilo y humor de estos dos autores.

Godzilla: Rey de los monstruos (2019)

Título: Godizlla: Rey de los monstruos

Título original: Godzilla: King of the Monsters 

País: Estados Unidos

Productora: Coproducción Estados Unidos-Japón; Legendary Pictures / Warner Bros. / Wanda Qingdao Studios
Director: Michael Dougherty

Guión: Michael Dougherty, Zach Shields (Historia: Michael Dougherty, Max Borenstein, Zach Shields)

Reparto: Vera Farmiga,  Kyle Chandler,  Millie Bobby Brown,  Bradley Whitford,  Charles Dance, Thomas Middleditch,  Ken Watanabe,  Zhang Ziyi,  Sally Hawkins,  Aisha Hinds, David Strathairn,  Randy Havens,  Anthony Ramos,  Jonathan Howard,  Vince Foster, O'Shea Jackson Jr.,  Marko Caka,  Mitch Craft
Sinopsis:

La agencia Monarch ha estado buscando y catalogando la existencia de los conocidos como Titanes, cuya existencia salió a la luz en 2014 con la aparición de Godzilla y los MUTOs. Pero un grupo ecoterrista pretende liberar a los titanes en hibernación para destruir la civilización humana y salvar el medio ambiente de la Tierra. Monarch debe ayudar a Godzilla a enfrentarse a otros titanes despertados liderados por el Rey Ghidorah, el dragón tricéfalo considerado como un evento de extinción, el mal definitivo. Sólo derrotando a esta criatura lograrán asegurar la supervivencia de la humanidad.

Crítica:

Gozilla: Rey de los monstruos es una meritoria y aplaudible secuela de su predecesora de 2014 y la precuela Kong: La Isla Calavera. En este caso, vemos como, tras los sucesos de 2014, Monarch ha logrado avanzar en la localización y estudio de los llamados titanes, estando todos en hibernación, salvo Godzilla, que permanece en paradero desconocido desde entonces. La trama se desarrolla en torno a la aparición de un grupo ecoterrorista que decide utilizar un aparato diseñado para controlar a los titanes y así ir liberándolos poco a poco para que destruyan la civilización y provocar un nuevo comienzo de la humanidad salvando la Tierra de la destrucción ecológica. Bajo esta premisa, se presentan una serie de kaijus clásicos que acompañarán a Godzilla como protagonistas: Rodan, el hijo del volcán; Mothra, la gigantesca polilla benefactora y King Ghidorah, el villano definitivo y clásico de las películas de Godzilla.

La película destila una espectacularidad visual, tanto en los combates entre kaijus, que resultan impresionantes, como en toda la tecnología de Monarch y las escenas de destrucción y las ciudades dañadas. Los kaijus son absolutamente sorprendentes y muy bien desarrollados, basándose en los diseños originales y adaptándolos para aprovechar al máximo la tecnología digital de efectos visuales. De esta manera, obtenemos unas criaturas impresionantes muy alejadas de aquellos primeros monstruos que eran marionetas y hombres disfrazados propios de las películas de los años 50 a 70. Además, la historia tiene diversos guiños además de recuperar a los kaijus clásicos: el personaje del Dr. Serizawa (buena interpretación de Ken Watanabe), el sistema de control mental de los kaijus, el origen alienígena de Ghidorah, el Destructro de Oxígeno (arma utilizada en la película original de 1954 para matar a Godzilla) y, por supuesto, aprovechar el excelente tema musical original de Akira Ifukube para la banda sonora. Y es que la música de la película acompaña perfectamente aportando temas épicos y memorables, tanto con la base de Ifukube como mediante los temas compuestos para esta cinta.

Al contrario de lo que sucede en la película de 2014, y recuperando lo logrado en Kong, los protagonistas humanos y su subtrama resultan más interesantes y están mejor desarrollados, por lo que los espectaculares enfrentamientos y apariciones de los kaijus quedan equilibrados por la trama de los humanos. Estos tienen momentos muy interesantes con escenas muy logradas, como cuando tienen que moverse en los entornos donde Godzilla y Ghidorah combaten. De esta manera se magnifica el aspecto épico de la lucha de los titanes, auténticos dioses, fuerzas de la naturaleza imparables para los que los humanos son meras molestias. En conclusión se trata de una película meritoria, digna de esta saga que deja un buen nivel y que honra a las películas originales de Godzilla tomando lo mejor de las mismas y adaptándolo a otros tiempos.

Iron Sky: The Coming Race (2019)

Título: Iron Sky: The Coming Race

Título original: Iron Sky: The Coming Race

País: Finlandia

Productora: Coproducción Finlandia-Alemania; 27 Films Production / Iron Sky Universe
Director: Timo Vuorensola

Guión: Timo Vuorensola

Reparto: Udo Kier,  Julia Dietze,  Tom Green,  Lloyd Kaufman,  Stephanie Paul,  Kari Ketonen, Jukka Hilden,  Tero Kaukomaa,  Dalan Musson,  Lara Rossi,  Vladimir Burlakov
Sinopsis:

La secuela de "Iron Sky" (2012) nos llevará 20 años más tarde de un apocalípsis nuclear en la Tierra. Lo que queda de la humanidad está atrapado en la Luna en la base nazi. Enterrado en lo más profundo del desierto se esconde una fuerza que puede salvar lo que queda de la humanidad, o destruirla de una vez por todas y para siempre. La verdad que se esconde tras la creación de la humanidad será revelada cuando un viejo enemigo lleva a nuestros héroes a una aventura al interior de la Tierra. Para salvar a la humanidad deberán luchar contra los Vril, una antigua raza reptil y su armada de dinosaurios. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Segunda parte de la divertida y genial Iron Sky que vuelve a la carga con el humor y la parodia de las teorías de la conspiración a través de una historia de ciencia ficción. Mientras que en la primera parte teníamos a los nazis en la cara oculta de la Luna, en esta ocasión, 20 años después del holocausto nuclear, surge una nueva amenaza y nuevas teorías de la conspiración de las que reírse: la Tierra hueca y los reptilianos. Pero el tono ácido y satírico va más allá con la inclusión de la disparatada secta religiosa de los Jobsistas, adoradores de Steve Jobs y la marca Apple.

La película tiene un tono más ligero que su predecesora y encadena una serie de acontecimientos y escenas que combinan la acción y el humor.  Se trata de una secuela divertida, amena, y que ofrece lo que promete: parodias de conspiraciones con una trama disparatada y con más efectos especiales que su predecesora. Momentos como la reunión de los reptilianos (todos personajes históricos de cierta relevancia), la absurda liturgia jobsista o la carrera en carros tirados por triceratops aportan ese tono de locura propio de estas dos películas. Y es que Iron Sky: The Coming Race no deja de ser, como su predecesora, una comedia ligera para reírse a costa de las absurdas teorías de la conspiración salpimentadas con ciencia ficción y humor.

Por ello, esta secuela no hay que verla como una cinta seria, sino como una nueva disparatada reunión de tópicos y clichés conspiranoicos revisionados bajo el prisma del humor y un toque de sátira que es de agradecer. Humor desenfadado con toques de acción para reírse gracias a esta revisión de diversas teorías de la conspiración.

X-Men: Fénix oscura (2019)

Título: X-Men: Fénix oscura

Título original: Dark Phoenix

País: Estados Unidos

Productora: 20th Century Fox Film Corporation / Bad Hat Harry Productions / Donners' Company
Director: Simon Kinberg

Guión: Simon Kinberg (Historia "Saga de Fénix Oscura": John Byrne, Chris Claremont. Creador de Fénix: Dave Cockrum. Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)

Reparto: Sophie Turner,  James McAvoy,  Michael Fassbender,  Jennifer Lawrence, Jessica Chastain,  Nicholas Hoult,  Tye Sheridan,  Alexandra Shipp, Kodi Smit-McPhee,  Evan Peters,  Scott Shepherd,  Ato Essandoh, Brian d'Arcy James,  Summer Fontana,  Hannah Emily Anderson

Sinopsis:

Los X-Men se enfrentan a su enemigo más poderoso: uno de sus miembros, Jean Grey. Durante una misión de rescate en el espacio, Jean casi muere al ser alcanzada por una misteriosa fuerza cósmica. Cuando regresa a casa, esa radiación la ha hecho más poderosa, pero mucho más inestable. Mientras lucha con la entidad que habita en su interior, Jean desata sus poderes de formas que no puede controlar ni comprender. Jean cae en una espiral fuera de control haciendo daño a aquellos que más ama y empieza a destruir los lazos que mantienen unidos a los X-Men. (FILMAFFINITY)

Crítica:

X-Men: Fénix oscura supone el fin de un ciclo dentro de los X-Men y, aunque así no fuera, que supiéramos con seguridad que la saga continuara, resulta decepcionante al ver lo insípida que se vuelve en algunos momentos. Una película que presente algo tan trascendental e importante como la Fuerza Fénix, sin necesidad de suponer un fin de ciclo, debe tener una carga argumental de dramatismo y épica bastante importante, ser capaz de mantener al espectador sentado y atento, sin perder la concentración y atento a todo lo que está pasando en la pantalla.

En lugar de la historia cargada de dramatismo y tensión que supuso la saga original de Fénix oscura en los comics nos encontramos con algo diferente. Se trata de una historia que, aunque tiene los toques de dramatismo necesarios, esto son escasos. Es cierto que hace usos de algunos recursos de forma apropiada, como el llevar a diversos personajes al extremo, enfrentándolos a situaciones que los ponen al límite y les hacen afrontar o asumir su oscuridad interior. Pero más allá de esto, encontramos una historia con un ritmo inconstante, que se acelera y no da tiempo a reposar las acciones y desarrollar apropiadamente la trama. Además, encontramos a unos villanos de origen alienígena bastante anónimos y olvidables, unos meros recursos secundarios para ofrecer una mayor dosis de acción y donde la líder del grupo, que pretende manipular a Jean Grey, es una entidad completamente anónima y carente por completo de profundidad. Para colmo de males, en diversas escenas los alienígenas hablan en su lengua natal y existen versiones de la película en la que no están subtitulados estos diálogos. Además, resulta curioso que sólo en una ocasión, y durante uno de los diálogos en lengua alienígena, se identifique a los aliens. Igualmente en una sola ocasión se le da a Jean Grey el nombre de Fénix, lo que hace que el título de la película resulte un tanto inconexo.

Es de agradecer que hayan dejado atrás la olvidable y nefasta X-Men: The last stand con su ridículo origen para el Fénix, y que en esta ocasión si se hable de una fuerza cósmica. Sin embargo, la película en general, aunque es entretenida, no deja de carecer de la fuerza que requeriría un proyecto de este tipo. Por ello, el espectador no sentirá que ha tirado su dinero, pero se puede sentir defraudado ya que es una película por debajo de las expectactivas que merece un título relacionado con la Fuerza Fénix.

Iron Sky (2012)

Título: Iron Sky

Título original: Iron Sky

País: Finlandia

Productora: Blind Spot Pictures / 27 Films Production / New Holland Pictures / Tuotantoyhtiö Energia / YLE/SARI Volanen
Director: Timo Vuorensola

Guión: Michael Kalesniko, Timo Vuorensola (Historia: Johanna Sinisalo)

Reparto: Julia Dietze,  Christopher Kirby,  Götz Otto,  Tilo Prückner,  Peta Sergeant, Stephanie Paul,  Udo Kier,  Kym Jackson,  Yuki Iwamoto,  George Koutros,  Fang Yu, James Quinn

Sinopsis:

A finales de la Segunda Guerra Mundial un grupo de científicos nazis lanzó un cohete en dirección a la cara oculta de la Luna. Una vez allí, establecieron un campamento secreto que les permitió recomponerse y formar un nuevo ejercito. 2018 es el año que han escogido para regresar a la Tierra, con una misión muy clara: dominar, de una vez por todas, a la Humanidad. La amenaza de un posible IV Reich todavía pervive en el subconsciente colectivo, y Timo Vuorensola ha decidido convertirla en materia prima de una comedia paródica y descacharrante. Creada por el equipo que realizó "Star Wreck: In the Pirkinning". (FILMAFFINITY)

Crítica:

Con una hábil estética dieselpunk, Iron Sky es una divertida comedia que satiriza las teorías de la conspiración en torno a los nazis, en particular el hecho de que hayan sobrevivido en una base secreta en la cara oculta de la Luna. Con un afilado y en ocasiones ácido sentido del humor, la película aprovecha la ciencia ficción para realizar una crítica política con diversas referencias y guiños, no dejando títere con cabeza. Tener a Udo Kier como Führer Lunar es todo un acierto, y está acompañado por un plantel de actores que logra mantener el tipo y darse la réplica en esta alocada comedia.

Se trata de una película con buenas dosis de humor, unos escenarios y estética dieselpunk muy logrados y con unas dosis de sátira y parodia que encajan y ayudan a dar más peso a la historia. Sin embargo, aunque se disfruta y tiene momentos deliciosamente delirantes, el ritmo de la trama es desigual. Mientras que en algunas escenas te mantiene en tensión o riéndote con las ocurrencias de los personajes, en otras el espectador se queda un tanto descolgado por que la película pierde fuerza. Aun así, pese a estos altibajos que tiene la historia, resulta entretenida y logra su objetivo.

Por ello, Iron Sky es una película muy recomendable por su humor, su nada velada parodia y crítica social y que rinde honores al género de ciencia-ficción de esta manera. Con una estética muy cuidada y aprovechando muy bien teorías de la conspiración, elabora una historia amena y que deja un buen sabor de boca.

Vengadores: Endgame (2019)

Título: Vengadores: Endgame

Título original: Vengadores: Endgame

País: Estados Unidos

Productora: Marvel Studios
Director: Anthony Russo,  Joe Russo

Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely (Cómic: Jim Starlin. Personajes: Stan Lee, Jack Kirby)

Reparto: Robert Downey Jr.,  Chris Evans,  Mark Ruffalo,  Chris Hemsworth, Scarlett Johansson,  Jeremy Renner,  Don Cheadle,  Paul Rudd,  Brie Larson, Karen Gillan,  Josh Brolin,  Benedict Cumberbatch,  Chadwick Boseman,  Tom Holland, Zoe Saldana,  Evangeline Lilly,  Tessa Thompson,  René Russo,  Elizabeth Olsen, Anthony Mackie,  Sebastian Stan,  Tom Hiddleston,  Danai Gurira,  Benedict Wong, Pom Klementieff,  Dave Bautista,  Letitia Wright,  John Slattery,  Tilda Swinton, Jon Favreau,  Hayley Atwell,  Natalie Portman,  Marisa Tomei,  Taika Waititi, Angela Bassett,  Michelle Pfeiffer,  Michael Douglas,  William Hurt,  Cobie Smulders, Sean Gunn,  Winston Duke,  Linda Cardellini,  Maximiliano Hernández,  Frank Grillo, Hiroyuki Sanada,  Tom Vaughan-Lawlor,  James D'Arcy,  Jacob Batalon,  Vin Diesel, Bradley Cooper,  Gwyneth Paltrow,  Robert Redford,  Chris Pratt,  Samuel L. Jackson, Alexandra Rachael Rabe,  Ross Marquand,  Joe Russo,  Emma Fuhrmann, Michael James Shaw,  Terry Notary,  Yvette Nicole Brown,  Callan Mulvey, Taylor Patterson,  Ken Jeong,  Ty Simpkins,  Stan Lee

Sinopsis:

Después de los eventos devastadores de 'Avengers: Infinity War', el universo está en ruinas debido a las acciones de Thanos, el Titán Loco. Con la ayuda de los aliados que quedaron, los Vengadores deberán reunirse una vez más para intentar deshacer sus acciones y restaurar el orden en el universo de una vez por todas, sin importar cuáles son las consecuencias... Cuarta y última entrega de la saga "Vengadores". (FILMAFFINITY)

Crítica:

Vengadores: Endgame es la culminación de 10 de años de cine de Marvel. Durante este tiempo, Marvel ha logrado demostrar que se puede hacer buen cine de superhéroes e ir un paso más allá creando un universo compartido de forma similar a como sucede en los cómics. A lo largo de todo este tiempo se han ido acumulando indicios y señales de esa meta trama que se iba desarrollando poco a poco y que ha conducido a una adaptación libre del Guantelete del Infinito de Jim Starlin. Y es que, a fin de cuentas, todo el Universo Cinematográfico Marvel (UCM) no deja de ser una versión libre de los personajes aparecidos en los cómics y sus aventuras.

Durante este tiempo hemos visto muchas películas de presentación de personaje y otras que avanzaban más en la meta trama al tiempo que permitía ver la evolución de los distintos héroes y el universo en conjunto. La calidad de las películas ha sido variable, pero siempre se ha mantenido un mínimo que ha permitido seguir adelante con este ambicioso proyecto. Y es que la adaptación de la saga de las Gemas del Infinito rezuma sobre todo ambición. Es el deseo hecho realidad de llevar a la gran pantalla una historia épica dentro del Universo Marvel. Y los hermanos Russo lo han conseguido con gran acierto.

Tras la épica y tragedia de Vengadores: Infinity War, en la que los héroes, desunidos, se enfrentaban a la amenaza de Thanos, que estaba reuniendo las Gemas del Infinito, para acabar con un final tan desesperanzador y terrible, Endgame hace honor a su título. Es la jugada final, el último movimiento por parte de los héroes del UCM para poder derrotar a Thanos. Con los héroes hundidos, derrotados, sólo una pequeña esperanza les puede permitir alzarse con la victoria. Y es así como durante dos terceras partes de la película, los hermanos Russo nos muestran como con mayor o menor acierto los Vengadores supervivientes tratan de poner en marcha un plan desesperado y con muchas posibilidades de fracaso. Para ello los vemos hundidos, derrotados, en sus horas más bajas. Todo, para, finalmente, acabar con la más épica y descomunal batalla que se ha mostrado hasta la fecha en el UCM.

Endgame es un ejercicio de grandiosidad y épica, con héroes caídos que deben alzarse para triunfar contra la adversidad. Y, los hermanos Russo lo logran. Logran que la película enganche al espectador, que se emocione y sufra, que admire los esfuerzos y se lamente de los fracasos. Es el broche de oro, el punto final perfecto en su imperfección para 10 años. Un cierre de etapa idóneo que no hay que dejar pasar.

Overlord (2018)

Título: Overlord

Título original: Overlord

País: Estados Unidos

Productora: Bad Robot / Paramount Pictures. Distribuida por Paramount Pictures
Director: Julius Avery

Guión: Billy Ray, Mark L. Smith (Historia: Billy Ray)

Reparto: Jovan Adepo,  Wyatt Russell,  Mathilde Ollivier,  Pilou Asbæk,  John Magaro, Iain De Caestecker,  Jacob Anderson,  Dominic Applewhite,  Bokeem Woodbine, Erich Redman,  Mark McKenna,  Hayley Carmichael,  Marc Rissmann

Sinopsis:

II Guerra Mundial. Antes del Día D, un grupo de paracaidistas estadounidenses cae tras las líneas enemigas para realizar una misión crucial. Pero, a medida que se acercan a su objetivo, empiezan a darse cuenta de que algo más que una simple operación militar está sucediendo en esa aldea ocupada por los nazis. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Overlord es el nombre clave de la operación del desembarco de Normandía. En este caso sirve de título a un thriller de acción y terror ambientado en la II Guerra Mundial en la que un grupo de paracaidistas tiene que cumplir una misión que facilitará el éxito del desembarco y que, como acicate, la tienen que cumplir dentro de un plazo determinado, actuando contrarreloj.

Se trata de una película con bastantes dosis de acción, sobre todo con el impactante comienzo con los aviones dirigiéndose hacia el interior de Francia sometidos a un intenso fuego antiaéreo. En principio se presenta como un típico producto de acción ambientado en la II Guerra Mundial, aunque luego empieza a dejar caer elementos de terror más o menos logrados. Y es que el suspense que debería dejarse entrever por los experimentos que están realizando los nazis con la población local se queda bastante descafeinado, recurriendo demasiado a menudo a clichés y recursos fáciles que hacen desmerecer el resultado. Lamentablemente, el uso de este tipo de tópicos, que bien utilizados pueden resultar muy favorecedores, en este caso logran bajar la calidad de la película.

En conjunto, en lugar de un Wolfenstein lleno de acción y suspense con nazis y sus experimentos con humanos, nos encontramos con una historia ligera, con elementos poco aprovechados y con unas convenientes dosis de acción que, lamentablemente, hace demasiado uso de clichés. Por lo demás, es una película que se deja ver y entretiene sin ser memorable o particularmente llamativa.

A ciegas (2018)

Título: A ciegas

Título original: Bird Box

País: Estados Unidos

Productora: Universal Pictures / Chris Morgan Productions / Bluegrass Films. Distribuida por Netflix
Director: Susanne Bier

Guión: Eric Heisserer (Novela: Josh Malerman)

Reparto: Sandra Bullock,  Trevante Rhodes,  John Malkovich,  Sarah Paulson,  Jacki Weaver, Danielle Macdonald,  Julian Edwards,  Vivien Lyra Blair,  Rosa Salazar,  BD Wong, Tom Hollander,  Machine Gun Kelly,  David Dastmalchian,  LilRel Howery, Happy Anderson,  Amy Gumenick,  Parminder Nagra,  Taylor Handley,  Keith Jardine, Chanon Finley,  Damon O'Daniel,  Matt Leonard

Sinopsis:

Un lustro después de que una misteriosa presencia sobrenatural llevara al suicidio a una gran parte de la sociedad, una de las supervivientes, Malorie Hayes (Sandra Bullock), y sus dos hijos, buscan desesperadamente el modo de salvarse río abajo, en una pequeña barca, hacia un lugar seguro. (FILMAFFINITY)

Crítica:

A ciegas (Bird Box, cuyo título original considero más acertado que el escogido en español) es una película que adapta la novela homónima de Josh Malerman y estrenada en la plataforma Netflix. Se trata de una película de terror y suspense de carácter muy atmosférico y que aprovecha muy bien la naturaleza de la amenaza haciéndola invisible. Y es que en ningún momento se ve a las criaturas, tan sólo se percibe un efecto que revela su presencia próxima y una sombra informe. Así pues, la historia juega con la sugestión y la imaginación, ya que el espectador en ningún momento ve a las criaturas y cualquier cosa que se mostrara sería infinitamente menos impactante que lo que el espectador imagina. Se trata de un gran acierto, haciendo hincapie en los supervivientes que tratan de seguir adelante frente a esta terrible amenaza que sólo con verla ya puede provocar la locura o la muerte.

Se trata de una historia muy bien narrada en dos partes que se van alternando mutuamente: el viaje de Malorie y sus hijos en busca de un refugio seguro y como empezó todo y va avanzando hasta llegar al "presente" en que ella tiene que decidir hacer el viaje a través del río. Este tipo de estructura puede resultar cargante o confusa si no se ejecuta correctamente, pero en esta película queda bien montada y ejecutada, de manera que las transiciones entre ambas historias son correctas y permiten ubicarse entre ambas sin perder el hilo. En conjunto se trata de un título altamente recomendable, que juega con la sugestión de forma muy acertada y logra mantener al espectador atento y expectante ante lo que sucede, dando más peso a las acciones de los protagonistas y personajes humanos que a los monstruos en sí.

Capitana Marvel (2019)

Título: Capitana Marvel

Título original: Captain Marvel

País: Estados Unidos

Productora: Marvel Studios
Director: Anna Boden,  Ryan Fleck

Guión: Anna Boden, Ryan Fleck, Geneva Robertson-Dworet (Cómic: Gene Colan, Roy Thomas. Historia: Nicole Perlman, Meg LeFauve, Anna Boden, Ryan Fleck, Geneva Robertson-Dworet)

Reparto: Brie Larson,  Samuel L. Jackson,  Jude Law,  Ben Mendelsohn,  Gemma Chan, Annette Bening,  Lee Pace,  Mckenna Grace,  Clark Gregg,  Djimon Hounsou, Kenneth Mitchell,  Lashana Lynch,  Rune Temte,  Damon O'Daniel, Algenis Perez Soto,  Colin Ford,  Robert Kazinsky,  Chuku Modu,  Matthew Maher, Stephen A. Chang,  Pete Ploszek,  Mark Daugherty,  Vik Sahay,  London Fuller, Diana Toshiko,  Matthew Bellows,  Richard Zeringue,  Barry Curtis,  Nelson Franklin, Patrick Brennan,  Patrick Gallagher,  Connor Ryan,  Duane Henry,  Ana Ayora, Stanley Wong,  Don Cheadle,  Scarlett Johansson,  Chris Evans,  Mark Ruffalo, Stan Lee

Sinopsis:

La historia sigue a Carol Danvers mientras se convierte en uno de los héroes más poderosos del universo, cuando la Tierra se encuentra atrapada en medio de una guerra galáctica entre dos razas alienígenas. Situada en los años 90, 'Capitana Marvel' es una historia nueva de un período de tiempo nunca antes visto en la historia del Universo Cinematográfico de Marvel. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Capitana Marvel supone la introducción en el Universo Cinematográfico de Marvel de Carol Danvers, expiloto de la USAF y heroína relacionada con el imperio Kree. Se trata del último personaje introducido en esta continuidad y que supone una de las claves de la trama argumental general, ya que es un elemento importante para enfrentarse a Thanos en Avengers: Endgame.

La película comienza narrando la acción desde la perspectiva Kree, presentando a Carol Danvers como una guerrera de élite de las fuerzas de este imperio, que afirma estar amenazado por los Skrulls. De esta manera se introduce en la película el concepto de la guerra Kree-Skrull, que ha sido una constante dentro del universo de cómics de Marvel y que ha ayudado a definir el trasfondo de space opera de esta editorial. Aunque los Kree hayan acabado enfrentandose a otros imperios galácticos y facciones, como los Shiar, es su enfrentamiento contra los Skrulls el más icónico, hasta el punto de que supuso una saga muy emblemática de los Vengadores. De hecho, ambas facciones han aportado grandes personajes y han tenido su impacto en diversos héroes y grupos. En el Universo Cinematográfico de Marvel los Kree habían aparecido hasta ahora de forma tangencial en las películas de Guardianes de la Galaxia mientras que de los Skrulls aún no habíamos sabido nada, estrenándose en esta película.

¿Qué nos ofrece Capitana Marvel? Una historia amena, bien desarrollada y con personajes interesantes, con una visión al pasado, ya que se ambienta en la época de los 90 con el toque nostálgico para los que vivimos ese tiempo. Por otro lado, el mensaje ideológico/político es interesante. Tenemos por un lado el aspecto feminista, en el que Carol Danvers debe luchar durante toda su vida contra la desigualdad, ya que se la menosprecia por ser mujer e, incluso dentro de los Kree se la pone continuamente a prueba y es durante el recorrido de la película cuando Carol debe hacer frente a esta situación para asumir que no tiene porque demostrar nada a nadie. Por otro lado, la guerra Kree-Skrull nos ofrece un mensaje de tono más político, ya que desde el primer momento tenemos sólo la perspectiva Kree y cuando, finalmente, descubrimos la situación desde el lado enemigo, vemos que no todo es tal y como se pintaba desde el principio.

En conjunto supone una película que podemos considerar en la media de las adaptaciones de Marvel hasta la fecha, con una interesante y muy inspirada Annette Bening y un Jude Law muy bien situado que suponen una contrapartida a Brie Larson y Samuel L. Jackson, ambos como protagonistas. Esto, sumado al hecho de que esta película supone descubrir algunas de las claves que acabarían por definir a la propia SHIELD así como futuros acontecimientos, aporta un valor añadido a este título.

Black Panther (2018)

Título: Black Panther

Título original: Black Panther 

País: Estados Unidos

Productora: Marvel Studios / Walt Disney Pictures
Director: Ryan Coogler

Guión: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)

Reparto: Chadwick Boseman,  Michael B. Jordan,  Lupita Nyong'o,  Danai Gurira, Martin Freeman,  Angela Bassett,  Forest Whitaker,  Andy Serkis,  Winston Duke, Daniel Kaluuya,  Sterling K. Brown,  Florence Kasumba,  Letitia Wright, Phylicia Rashad,  Sydelle Noel,  John Kani,  Sebastian Stan,  Stan Lee

Sinopsis:

“Black Panther" cuenta la historia de T'Challa quien, después de los acontecimientos de "Capitán América: Civil War", vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T'Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Tras la presentación cinematográfica del personaje en Capitán América: Civil War, esta película nos presenta de forma individual a este superhéroe africano. La película se inicia con la historia de Wakanda, sobre como se funda el reino y de donde procede el vibranio que se esconde en sus tierras, de esta forma el espectador se inicia en la trama, descubriendo así como empezó ese curioso país africano en el que la tecnología se ha desarollado de forma espectacular al verse libre de la intrusión de fuerzas colonialistas e imperialistas. Sin embargo, tal y como se muestra en las primeras escenas de la película, Wakanda es algo más que un paraíso hipertecnológico donde una cultura africana ha podido desarrollarse sin intromisiones. Y es que este país no deja de ser una jaula de oro para sus habitantes, ya que el precio que han decidido pagar por su prosperidad es el total y completo aislamiento del mundo exterior. De esta manera, Wakanda se muestra como un país infradesarrollado y sumamente pobre. Pero mientras que en este país es todo prosperidad y alta tecnología, en el resto del mundo las personas afrodescendientes, las poblaciones negras, están en situaciones desiguales. Por ello surgen algunas voces discordantes que claman por abrir Wakanda para ayudar a aquellos de los suyos menos afortunados.

Sobre esta premisa se desarrolla la trama, ya que tanto T'Challa como Killmonger, el villano de la película, deben hacer frente a esta situación: ¿Mantener el encierro ermitaño del país o abrirse para ayudar al mundo? ¿Y cómo se haría esa apertura? Killmonger, entrenado como agente de operaciones especiales por la CIA, opta por convertir a Wakanda en conquistador, imitando la estrategia imperialista de los que considera sus enemigos. Ante esto T'Challa debe hacer frente a los errores del pasado y a su adversario y decidir que camino debe seguir el país.

Esta película destaca por la espectacularidad de la propia Wakanda, el excelente trabajo de diseño y adaptación de las páginas del cómic a la gran pantalla, combinando muy acertádamente el estilo tribal africano con la más alta tecnología en una fusión que aporta una apariencia y diseño únicos y muy atractivos. La música, el vestuario, la representación de esa altísima tecnología wakandiana, todo ello resulta sobresaliente y muy logrado. Sin embargo, la trama se queda por debajo de las expectactivas. Es una película amena, con acción, intriga y un contexto político y social muy interesante en cuanto a lo que supone para los afrodescendientes. Wakanda no deja de ser una ucronía: ¿Que hubiera pasado si una civilización africana hubiera podido desarrollarse sin intromisiones exteriores de carácter colonialista e imperialista? Y, sin embargo, no llega a profundizar en la cuestión todo lo que podría haberlo hecho. Pese a todo, el mensaje existe y es muy destacable.

El Gran Hotel Budapest (2014)

Título: El Gran Hotel Budapest

Título original: The Grand Budapest Hotel 

País: Estados Unidos

Productora: Scott Rudin Productions / Indian Paintbrush / American Empirical Pictures / Studio Babelsberg
Director: Wes Anderson

Guión: Wes Anderson (Historia: Wes Anderson, Hugo Guinness)

Reparto: Ralph Fiennes,  Tony Revolori,  Saoirse Ronan,  Edward Norton,  Jeff Goldblum, Jude Law,  Willem Dafoe,  F. Murray Abraham,  Adrien Brody,  Tilda Swinton, Harvey Keitel,  Mathieu Amalric,  Jason Schwartzman,  Tom Wilkinson,  Larry Pine, Bill Murray,  Léa Seydoux,  Owen Wilson,  Giselda Volodi,  Florian Lukas, Karl Markovics,  Wallace Wolodarsky,  Bob Balaban,  Volker Michalowski, Fisher Stevens,  Waris Ahluwalia,  Lucas Hedges

Sinopsis:

Gustave H. (Ralph Fiennes), un legendario conserje de un famoso hotel europeo de entreguerras, entabla amistad con Zero Moustafa (Tony Revolori), un joven empleado al que convierte en su protegido. La historia trata sobre el robo y la recuperación de una pintura renacentista de valor incalculable y sobre la batalla que enfrenta a los miembros de una familia por una inmensa fortuna. Como telón de fondo, los levantamientos que transformaron Europa durante la primera mitad del siglo XX. (FILMAFFINITY)

Crítica:

El Gran Hotel Budapest es una joya que brilla con luz propia, una cinta que sorprende desde el primer minuto hasta el final. con una excelente narración y una serie de recursos narrativos y visuales que nos llevan hasta los años 30, en donde el hotel vive su momento de mayor esplendor. De hecho, el propio hotel se puede considerar un personaje más de la película más que un simple escenario en donde se desarrolla una parte de la trama. Con un gusto nostálgico, supone el volver a sacar a la luz la importancia que tuvo en su momento la figura del conserje en los hoteles, que hoy en día sólo puede encontrarse en alojamientos de alto standing (5 estrellas y, principalmente de corte más clásico) y que va siendo sustituido por otros servicios y cargos. De hecho, M. Gustave, encarnado por Ralph Fiennes, es una especie de arquetipo del conserje perfecto e ideal, al igual que el joven Zero Moustafa se muestra como un idóneo mozo de hotel.

De hecho, a lo largo de la película encontramos todo un despliegue de personajes idealizados o no, muchas veces con tonos caricaturescos o paródicos, pero siempre, geniales y muy bien ideados y encajados dentro de la historia para formar un todo coherente. Wes Anderson logra montar una historia cargada de humor, intriga, momentos dramáticos y acción en los años 30, aprovechando el telón de fondo de los movimientos prebélicos y revolucionarios que comenzaron a alterar la faz de Europa durante el periodo de entreguerras. Compone así un retrato de otros tiempos en el que, sin caer por completo en la nostalgia, si que elabora una historia con tintes de la misma, pero que aporta una trama amena, interesante y cautivadora.

Incluso en los momentos en que los personajes se muestran más envarados podemos percibir que esto no es forzado, si no que forma parte de la estructura narrativa de la película. Así pues, con una historia que se desarrolla en varias capas hasta llegar a los años 30, vemos como se desarrollan diferentes estilos y técnicas para presentar la trama e ir adentrándonos poco a poco en el pasado y, de esta forma, conocer el Gran Hotel Budapest en su momento de mayor esplendor y a M. Gustave, quien se erije, junto con Zero Moustafá en protagonista de toda la trama.

El Gran Hotel Budapest es una película interesante, amena, conmovedora y divertida, que no deja insatisfecho y que aporta una curiosa visión del mundo hotelero en otros tiempos. Un film que invita al espectador a adentrarse en él y disfrutar sencillamente de una historia que vale la pena visionar.

Watchmen (2009)

Título: Watchmen

Título original: Watchmen 

País: Estados Unidos

Productora: Coproducción EEUU-Reino Unido-Canadá; Warner Bros. Pictures / Paramount Pictures / Legendary Pictures / DC Comics / Lawrence Gordon Productions
Director: Zack Snyder

Guión: Alex Tse, David Hayter (Novela gráfica: Alan Moore, Dave Gibbons)

Reparto: Jackie Earle Haley,  Malin Akerman,  Patrick Wilson,  Billy Crudup,  Matthew Goode, Jeffrey Dean Morgan,  Carla Gugino,  Matt Frewer,  Stephen McHattie,  Rob LaBelle, Laura Mennell,  Gary Houston,  James M. Connor,  Mary Ann Burger,  John Shaw, Robert Wisden,  Jerry Wasserman,  Don Thompson,  Frank Novak,  Ron Fassler, Stephanie Belding,  Nhi Do,  Walter Addison,  Eli Snyder,  J.R. Killigrew

Sinopsis:

Estados Unidos, años 80. La Guerra Fría está en su apogeo, y los superhéroes, que antes habían sido admirados, ahora son perseguidos por la ley. Un día aparece muerto uno de ellos, "El Comediante", que trabajaba para la CIA. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado en activo, emprenderá la investigación de su muerte, tras la que se oculta algo muy importante. Esperadísima adaptación del cómic de Alan Moore y Dave Gibbons (1986). (FILMAFFINITY)

Crítica:

Watchmen es la adaptación del comic de Alan Moore y Dave Gibbons. Publicado originalmente  por DC Comics como una serie de 12 números durante los años 1986 y 1987, ha sido reeditado en diversas ocasiones como un tomo que recopila la serie entera. Finalmente en 2009 se estrenó esta versión cinematográfica dirigida por Zack Snyder.

Vamos por el principio. Watchmen no es fácil de adaptar. Es una historia que Moore desarrolló durante 12 números con el apoyo del trabajo gráfico de Dave Gibbons y que desarrolla una trama principal junto con varias paralelas que la complementan y dan mayor riqueza al subtexto y el mensaje yacente. Watchmen fue parte del punto de inflexión que pasaron los comics de superhéroes durante los años 80. En este tiempo aparecieron una serie de títulos que demostraron que se pueden hacer historias adultas y complejas con este tipo de personajes y esta es una buena muestra. Como suele ser habitual en el trabajo de Moore con superhéroes, escoge un personaje o grupo de ellos y los descompone para reconstruirlos de forma que, pese a que externamente parezcan los mismos, han cambiado bajo la óptica particular de este hombre.

La película logra un trabajo muy meritorio al adaptar con bastante fidelidad la trama, aunque en el proceso, debido a las exigencias del cine, se prescinde de las subtramas paralelas y de algunos detalles secundarios. Sin embargo, se captan perfectamente a los personajes, escenas, diálogos y conceptos, logrando darles un mayor brillo y esplendor. La película es un excepcional homenaje al comic que adapta consiguiendo algo muy difícil: hacer un buen trabajo pasando esta compleja historia a un medio completamente diferente. Hasta que llegamos al final.

En el final en donde Zack Snyder y el guionista fallan. Demostrando no haber comprendido el mensaje final del comic, o ignorándolo y reinterpretándolo, dan la vuelta al mensaje final alterando tan solo un par de líneas de diálogo y cambiando la reacción de dos personajes que, en ese momento, son claves. Por ello, aunque la película se disfruta con ganas, llega ese momento final, ese clímax definitivo que crea Alan Moore y la magia se pierde. Se pervierte para alterar por completo todo lo que se ha construido poco a poco hasta llegar al final para destrozarlo en apenas unos minutos. Si no fuera por ese momento final, la película sería una excepcional y superior adaptación. Pero ese cambio, que lo altera todo, hace que pierda la gloria a la que aspiraba durante todo el metraje.

El habitante (2017)

Título: El habitante

Título original: El habitante

País: México

Productora: Coproducción México-Chile; Bh5 Group / Sobras International Pictures
Director: Guillermo Amoedo

Guión: Guillermo Amoedo

Reparto: Gabriela de la Garza, María Evoli, Pablo Guisa Koestinger, Fernando Becerril, Carla Adell, Vanesa Restrepo, Luis Eduardo Reyes, Flavio Medina, Arnoldo Picazzo, Liz Dieppa, Julián Fidalgo, Shira Barzilai, Natasha Cubria

Sinopsis:

Tres hermanas entran en la casa de un senador con la intención de robar un dinero obtenido a base de sobornos, pero, una vez dentro, comienzan a escuchar extraños gritos provenientes del sótano. Atada a una cama, las hermanas encuentran a la hija parapléjica del senador, con síntomas de haber sido torturada, y que actúa de un modo extraño. (FILMAFFINITY)

Crítica:

El habitante es una película mexicana de terror muy meritoria, aunque no carente de algunos defectos al tratar de meter demasiados giros argumentales, lo que hace que a veces surjan detalles tramposos o sin toda la coherencia necesaria. Pese a todo, resulta un producto muy interesante que vuelve a reincidir en el tema de la posesión demoníaca de manera que recuerda al inmortal clásico El Exorcista de William Peter Blatty que fue muy bien adaptada al cine por William Friedkin en 1973 y hasta ahora sin superar ninguna de las dos.

Aunque cae en un tema muy manido, el de la posesión demoniaca, logra dar una perspectiva propia utilizando muy pocos efectos digitales, restringiendo el escenario dentro del cual se desarrolla la película a unas cuantas habitaciones de la mansión (aunque podemos verla prácticamente entera con escenas cortas) y, como hace Pazuzu en la obra de Blatty, el demonio ataca a los demás personajes hiriéndoles en lo psicológico, jugando con sus miedos y culpas y generando una imaginería que ahonda en estas. Así se evade de trucos y técnicas habituales del terror, al menos en su concepción más moderna cinematográfica, para ahondar en la psicología de los personajes y los traumas que arrastran.

Se trata de una película sin un presupuesto desbordante pero que sabe manejar muy bien los escenarios y la atmósfera, con unos personajes atormentados y llenos de culpas y oscuros secretos que el demonio utiliza a su favor para torturarles psicológicamente. Por ello, pese a algún fallo que pueda surgir por los giros argumentales, resulta una obra meritoria e interesante de ver.

Dagon: la secta del mar (2001)

Título: Dagon: la secta del mar

Título original: Dagon: la secta del mar

País: España

Productora: Filmax / Castelao Productions / TV3 / Televisión de Galicia / Estudios Picasso / Vía Digital
Director: Stuart Gordon

Guión: Dennis Paoli (Personaje: H.P. Lovecraft)

Reparto: Ezra Godden,  Francisco Rabal,  Raquel Meroño,  Macarena Gómez,  Brendan Price, Birgit Bofarull,  Ferran Lahoz,  Alfredo Villa,  Jose Lifante,  Uxía Blanco

Sinopsis:

Paul y su novia Barbara están celebrando el éxito de su nueva empresa dot.com con su socio Howard y Vicki, su glamourosa esposa. Los cuatro están disfrutando de unas vacaciones en el barco de Howard, en la costa de Galicia. Inesperadamente, el barco choca contra un arrecife, quedando Vicki atrapada entre los restos. Mientras Howard se queda con ella, Paul y Barbara van al pueblo más cercano en busca de ayuda. Llegan a un decrépito y siniestro pueblo de pescadores llamado Imboca. Cuando Paul regresa al barco descubre con sorpresa que Howard y Vicki han desaparecido. Mientras tanto, Barbara es secuestrada en el hotel del pueblo. Al regresar, Paul es perseguido por los extraños habitantes del pueblo. Huyendo para salvar su vida, Paul descubre el oscuro secreto de Imboca: todos adoran a DAGON, un monstruoso dios del mar... (FILMAFFINITY)

Crítica:

Dagón es una versión libre de La sombrea sobre Innsmouth de H. P. Lovecraft surgida de la mano de Stuart Gordon y Brian Yuzna. Ambos tienen una dilatada trayectoria en el cine de serie B y han realizado algunas adaptaciones lovecraftianas en las que el gore y la sangre suelen estar presentes y tampoco falta alguna referencia sexual a través de desnudos o similares. En este caso, se trata de adaptar la novela corta de H P. Lovecraft en la que presenta el pueblo de Innsmouth y desarrolla a los Profundos, unos seres anfibios que adoran a Dagon y Cthulhu. Dentro de las adaptaciones cinematográficas de Gordon y Yuzna esta es, sin duda, una de las más meritorias.

Filmada en inglés en el pueblo de Cambarro, en Galicia, aprovecha perfectamente el escenario que supone esta población para recrear una Innsmouth española. Toda la primera parte de la película, obviando las explicaciones para introducir a los protagonistas en Invoca, nombre de la localidad, resulta una adaptación muy buena que recrea la sensación de opresión, abandono y secreto que transmite la obra de Lovecraft. Incluso el Zadok Allen de la película, Ezequiel, magistralmente interpretado por Francisco Rabal, resulta muy creíble y queda bien insertado en el contexto. Vale la pena destacar que esta fue la última película de este actor antes de su fallecimiento. Aparte de esto, todo resulta muy bien recreado y adaptado: la opresiva atmósfera, la historia de como se introduce el culto a Dagon en la ciudad, la joyería de oro, las ropas ceremoniales de los sacerdotes, la familia que domina el pueblo. También hay otros guiños, como el protagonista, que se apellida Marsh, familia que introdujo el culto del mar en Innsmouth, y que, además, lleva una sudadera de la Universidad Miskatonic. Otro detalle interesante es la casi omnipresente agua. Prácticamente a lo largo de toda la película no hay escena en la que el agua no esté de una forma u otra: desde el comienzo en un barco en el mar hasta la perenne lluvia que cae en el pueblo durante toda la película.

Sin embargo, aunque la película logra cotas de gran interés y muy buena adaptación, llega un momento en que se deja ver el tono de serie B al introducir detalles de gore de cosecha propia parcialmente inspirados en La Llamada de Cthulhu y el sexo a través de los desnudos de Macarena Gomez y Raquel Meroño. Por otro lado, los efectos visuales requieren una mención aparte. El maquillaje y las mutaciones de los habitantes de Innsmouth resultan bastante efectivas, pese a que la película carezca de un gran presupuesto. Pero falla en cuanto entran en escena los efectos digitales. Estos, que no eran ninguna maravilla en su tiempo, han envejecido muy mal, de manera que los añadidos hechos con ordenador destacan demasiado y son demasiado fácilmente identificables en comparación con los efectos de maquillaje y vestuario.

Se trata de una de las mejores películas que surgió de la productora de efímera vida Fantastic Factory y una de las más interesantes adaptaciones lovecraftianas de Stuart Gordon y Brian Yuzna. Con aspectos positivos y negativos, no supone una obra a la altura de la espectacular En la boca del miedo (1994) o El fin del mundo en 35 mm (2005), ambas de John Carpenter, pero es difícil estar a la altura de este director. Sin embargo, pese a los puntos débiles de Dagon, como es doblaje en que cada personaje dice el nombre del dios de una forma y los efectos digitales que no eran de lo mejor en su tiempo, es una película que vale la pena conocer y visionar.

Venom (2018)

Título: Venom

Título original: Venom

País: Estados Unidos

Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Columbia Pictures / Marvel Entertainment
Director: Ruben Fleischer

Guión: Scott Rosenberg, Jeff Pinkner, Kelly Marcel (Cómic: Todd McFarlane, David Michelinie)

Reparto: Tom Hardy,  Riz Ahmed,  Michelle Williams,  Jenny Slate,  Woody Harrelson, Reid Scott,  Michelle Lee,  Scott Haze,  Mac Brandt,  Sope Aluko,  Wayne Pére, Jared Bankens,  Al-Jaleel Knox,  Sam Medina,  Melora Walters,  Peggy Lu

Sinopsis:

Como periodista, Eddie Brock (Tom Hardy) lleva tiempo intentando desenmascarar al creador de la Fundación Vida, el famoso genio científico Carlton Drake (Riz Ahmed), una obsesión que ha arruinado su carrera y su relación con su novia, Anne (Michelle Williams). Al investigar uno de los experimentos de Drake, el ente alienígena Venom se fusiona con el cuerpo de Eddie, y el reportero adquiere de pronto nuevos e increíbles superpoderes, así como la oportunidad de hacer prácticamente lo que se le antoje. Retorcido, oscuro, impredecible e impulsado por la cólera, Venom obliga a Eddie a luchar por controlar unas habilidades sumamente peligrosas que, al mismo tiempo, también resultan embriagadoras y le hacen sentir poderoso. Dado que Eddie y Venom se necesitan mutuamente para conseguir lo que quieren, se van entremezclando cada vez más... ¿Dónde acaba Eddie y empieza Venom?. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Venom es una película que pretende dar entidad propia de forma independiente al clásico villano de Spider-Man creado por Todd McFarlane en base al traje negro que consiguió Peter Parker en las Secret Wars. Utilizando el origen del personaje que se vio en la serie de animación de Spider-Man de los año '90 nos encontramos con un Venom que en los comics ha demostrado sobradamente que puede funcionar de forma independiente y sin relación directa con Spider-Man. Esta película pretende aprovechar el entorno propio del personaje, tanto del simbionte como de su primer huesped, Eddie Brock.

La película se centra en Brock, periodista crítico y de cierto éxito que trata de desenmascarar al supuesto filántropo y genio científico Carlton Drake, y como éste último trae a los simbiontes del espacio para experimentar con ellos. De esta forma vemos como se desarrolla la vida de Brock y se hunde para acabar, finalmente, unido al simbionte negro, Venom, con quien demuestra una gran compatibilidad y se unen para conseguir los objetivos de ambos. Éste es un  aspecto interesante y poco explotado en los comics: la personalidad e intereses del simbionte alienígena, que en la película tiene voz propia y una personalidad algo faltona y gamberra, por lo que la interacción entre Brock y Venom siempre es interesante. Por otro lado, los efectos visuales son espectaculares, por lo que cada escena en la que aparecen los simbiontes, tanto como la masa informe sin huesped como cuando se manifiestan en el huesped (Venom y Riot) son impresionantes. Se sabe aprovechar la tecnología para mostrar las múltiples posibilidades de la plasticidad de estos seres alienígenas.

Por otro lado, aunque la interacción de Eddie Brock y Venom tienen muchas posibilidades para crear una trama de un antihéroe oscuro y violento, una historia de terror sin cortapisas, la decisión de la productora de recortar escenas y reducir la calificación de Rated R a PG-13 pesa mucho. Las interpretaciones son aceptables sin ser espectaculares y la película se hace amena, entretenida, pero se nota rebajada para lo que podría haber sido. Por ello, no llega a ser la gran película de Venom que podría haber sido para convertirse en un producto de superhéroes que funciona de forma independiente y que se puede ver sin muchas pretensiones. Uno de los mejores momentos es ver en la escena postcréditos a Woody Harrelson encarnando a Cletus Kassady encerrado en la carcel. 

RoboCop (2014)

Título: RoboCop

Título original: RoboCop

País: Estados Unidos

Productora: MGM / Columbia Pictures / Strike Entertainment
Director: José Padilha

Guión: Joshua Zetumer, Edward Neumeier, Michael Mine

Reparto: Joel Kinnaman, Gary Oldman, Michael Keaton, Abbie Cornish, Samuel L. Jackson, Jackie Earle Haley, Michael Kenneth Williams, Jay Baruchel, Jennifer Ehle, Marianne Jean-Baptiste, Aimee Garcia, Douglas Urbanski, John Paul Ruttan, Zach Grenier, Maura Grierson 

Sinopsis:

Año 2028. La compañía multinacional OmniCorp domina la tecnología robótica. Sus robots han ganado todo tipo de guerras fuera de los Estados Unidos y ahora quieren probarlos dentro del país. Por su parte, Alex Murphy, un policía de Detroit, trata de acabar con la ola de crímenes que arrasa la ciudad. Cuando Alex resulta gravemente herido en acto de servicio, OmniCorp utiliza sus conocimientos de ciencia robótica para salvarlo y también para dotarlo de extraordinarias habilidades que le permitirán afrontar problemas fuera de lo común. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Reboot de la película original de Verhoeven de 1987 que supuso un fracaso al tratar de reiniciar el concepto del policía ciborg en una sociedad distópica. Se trata de una película que logra modernizar con éxito los efectos especiales y visuales, ofreciendo una convincente tecnología tanto cibernética como de realidad aumentada y efectos visuales de un futuro próximo. También cuenta con un reparto en el que brillan algunos nombres destacados pero cuya actuación queda bastante gris sin resultar nada destacada.

Nos encontramos nuevamente con la trama que gira en torno a la creación de un policía cibernético para lo cual se usa un policía caído y se le reconvierte en un máquina al servicio de la Ley y el Orden. De esta manera nos encontramos con una trama que ahonda en una corporación poco escrupulosa y que pretende dar un giro existencialista a la historia en torno a la figura de Alex Murphy y su identidad como humano una vez que se ha convertido en ciborg. Sin embargo, esta trama, que pretende sustituir la historia de venganza cargada de violencia, acción, humor negro e ingenio cargado de una ácida sátira con muy malas intenciones.

La película falla porque trata de reproducir lo que ya se ha hecho en Blade Runner o Ghost in the Shell mezclando conceptos de la distopía de la película original sin llegar a lograr una buena conceptualización y combinación. Es un producto clasificado en USA PG-13 cuando la original era Rated R, con lo que Verhoeven desplegó toda su maestría y caracter propios sin límites. Sin embargo, la cinta tiene cosas positivas, que son de agradecer, y pueden favorecer un visionado ameno pero sin ser nada destacable. Como sucedió al estrenarse en cine, pasa sin pena ni gloria.

Robocop 3 (1993)

Título: Robocop 3

Título original: Robocop 3

País: Estados Unidos

Productora: Orion Pictures Corporation
Director: Fred Dekker

Guión: Fred Dekker, Michael Miner, Edward Neumeier (Historia: Frank Miller)

Reparto:  Robert John Burke,  Nancy Allen,  Rip Torn,  Remy Ryan,  John Castle,  Jill Hennessy, Mario Machado,  CCH Pounder,  Jodi Long,  Mako,  John Posey,  Judson Vaughn

Sinopsis:

La mega corporación Omni Consumer Products continúa empeñada en crear su nuevo proyecto de ciudad, Delta City, para sustituir a la degradada Detroit. Por desgracia, los habitantes de la zona no tienen la intención de abandonar sus hogares. Para ello, la OCP pretende desalojarlos por medio de un ejército de mercenarios. Se inicia una guerrilla callejera y Robocop debe decidir de qué lado está. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Tercera y última entrega de la trilogía de Robocop. Tras la presentación del ciborg policía en medio de una distopía ciberpunk creado como una herramienta de la OCP pero que acaba tomando su propio camino, y tras el alegato a favor de la Policía de Detroit de la segunda entrega, llega el final de esta saga con un tono más ligero en cuanto a la crítica social, aunque se mantiene el espíritu de la serie de películas. Basándose en la historia original de Frank Miller y aprovechando ideas y conceptos que éste no utilizó en la segunda parte, nos encontramos con una película que pone fin de forma apropiada a esta trilogía. Como ya sucede en la segunda parte, Robocop se erige una vez más en campeón de los oprimidos y del pueblo, y la Policía de Detroit se alza como una fuerza benéfica que protesta como puede contra la tiranía de la OCP. En cuanto a ésta última, se profundiza más en el aspecto más oscuro de la misma, acentuando el tono distópico con la introducción de un cuerpo de mercenarios para pacificar las zonas de Detroit que deben ser derruidas para construir Delta City. Pero la OCP también tiene otros problemas en la figura de sus nuevos socios japoneses, lo que introduce un nuevo personaje, un asesino ninja enviado para ayudar a resolver los problemas en Detroit.

Mucha acción y violencia, con más protagonismo en los personajes secundarios y una trama con un noto combativo y distópico en el que los ciudadanos de los distritos pobres son víctimas de la forma más cruda de los manejos de la OCP. Película que muestra a un Robocop más héroe del pueblo que nunca, y que, en algunos momentos exagera su tono de salvador, no deja de dar importancia a los ciudadanos. Vale la pena resaltar el papel de la guerrilla urbana de resistencia contra la OCP, con un tono indudablemente de resistencia heróica contra el gigante opresor. Visualmente muy característica de su época, con algunas innovaciones para Robocop y un mensaje de lucha ciudadana contra los poderosos. Es un buen final que agradece dejar la saga y que no vaya más allá de este punto, pues a se nota un cierto desgaste tanto en el personaje como en el escenario. Así, asistimos a una obra en tres actos en la que vemos a través de cada una de las películas una parte de la evolución tanto de Robocop como de la policía, la ciudadanía y la OCP, los ejes principales en torno a los que gira la trama de la trilogía. Cine de principios de los años 90, interesante y, aunque de menor calidad que sus predecesoras, vale la pena su visionado para contemplar la obra completa.

Robocop 2 (1990)

Título: Robocop 2

Título original: Robocop 2

País: Estados Unidos

Productora: Orion Pictures Corporation
Director: Irvin Kershner

Guión: Frank Miller, Walon Green

Reparto:  Peter Weller,  Nancy Allen,  Daniel O'Herlihy,  Belinda Bauer,  Dan O'Herlihy, Tom Noonan,  Gabriel Damon,  Willard Pugh,  Patricia Charnonneau,  Felton Perry

Sinopsis:

Bajo un cielo carente de ozono y en una época futurista, la policía de Detroit está en huelga, y las peligrosas bandas criminales dominan a la población. La adicción al Nuke, una poderosa y nueva droga es el pan de cada día. La megacorporación OCP -Omni Consumer Products-, en un intento de reforzar su implacable imperio, pretende apoderarse de la ciudad, para su propia explotación privada. El director de la OCP solicita a la doctora Faxx que reprograme a RoboCop, dejándolo incapaz de luchar contra la delincuencia. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Secuela de la película de 1987 que guionizaron por Edward Neumeier y Michael Miner y dirigió Paul Verhoeven. En esta segunda parte cambia el equipo a los mandos y eso se nota. En la dirección tenemos a Irvin Kershner que logra hacer un trabajo meritorio con un guión de Frank Miller y Walon Green. Más espectacular, con más acción y mucho más dura, se nota la mano de Miller en la historia. Continuando con el statu quo establecido en la primera parte, esta secuela va un paso más allá, con la huegla de la Policía de Detroit que ha dejado a la ciudad prácticamente indefensa debido a los abusos de la OCP. Por su parte, la poderosa empresa es escenario de una lucha corporativa entre el creador del proyecto Robocop, que planea crear una segunda versión y la doctora Julie Faxx, que, actuando como el arquetipo de la femme fatale, pretende imponer su criterio y reprogramar a Robocop según sus propios criterios.

Nuevamente se repite el esquema de las dos tramas paralelas: las acciones internas de la OCP y la situación de la Policía. Sin embargo, en esta ocasión Anne Lewis y el Departamento de Policía de Detroit reciben un mayor protagonismo. Robocop ya no es un ciborg que actúa casi de forma independiente. Esta vez está más integrado en la Policía, que recibe un mayor protagonismo y peso, hasta el punto de que, para identificar a Robocop como un miembro más del cuerpo, éste ha sido repintado de color azul. Y es que Robocop 2 es una película que trata de hacer un alegato a favor de la Policía y en contra del crimen organizado, representado en la secta/banda de narcotraficantes que fabrica y distribuye la droga Nuke y su líder mesiánico.

Aunque no está a la altura de la primera parte, si que es mucho más dura, con más acción y no deja de ser una película interesante y entretenida. Con un escenario social más crítico, más distópico y más cruel, se nos retrata una sociedad muy castigada por los excesos del pasado, con una OCP mucho más dura y fascista, como se ve hacia el desenlace con la presentación del nuevo Robocop 2. Es una película que destila una crítica más rabiosa y feroz pero a la que le falta la mano de Verhoeven. No por ello, deja de ser un título que vale la pena ver.

Robocop (1987)

Título: Robocop 

Título original: Robocop 

País: Estados Unidos

Productora: Orion Pictures Corporation
Director: Paul Verhoeven

Guión: Edward Neumeier, Michael Miner

Reparto:  Peter Weller,  Nancy Allen,  Kurtwood Smith,  Miguel Ferrer,  Ronny Cox, Dan O'Herlihy,  Robert DoQui,  Paul McCrane,  Ray Wise,  Jesse D. Goins, Felton Perry,  Del Zamora

Sinopsis:

Ambientada en una sociedad futura. Alex J. Murphy, agente de policía de Detroit, es asesinado en acto de servicio. Para acabar con la delincuencia en la ciudad, las autoridades aprueban la creación de una máquina letal, mitad robot, mitad hombre, a la que llaman Robocop, y para fabricarla utilizan el cuerpo de Murphy. El experimento parece un éxito, pero el policía, a pesar de estar muerto, conserva la memoria y decide vengarse de sus asesinos. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Robocop es una película clásica dentro del cine de ciencia ficción. Se trata de un thriller distópico cyberpunk dirigido por Paul Verhoeven que, con esta cinta, logra mantener el listón de su filmografía. Se trata de una ácida crítica a la corrupción empresarial y el poder desmedido de las corporaciones, representadas por la poderosa OCP que pretende destruir una gran parte de Detroit para construir una ciudad idílica y futurista: Delta City. Pero la alta delincuencia y la animosidad del Departamento de Policía son dos problemas que hay que tratar. Estos son los puntales que marcan la trilogía de Robocop. En esta primera entrega se nos cuenta el origen del ciborg policía, una sangrienta y brutal historia de venganza cargada de violencia y una satírica y ácida crítica social.

Con Peter Weller (Alex J. Murphy) y Nancy Allen (Anne Lewis) como protagonistas, Verhoeven dirige esta historia policiaca dura, muy dura, que se divide entre lo que sucede en las agotadas, conflictivas y duras calles de Detroit  y las intrigas corporativas entre los ejecutivos de la OCP que están a favor y en contra del proyecto Robocop. Los guionistas saben dar el tono apropiado a ambas tramas y las combinan muy acertadamente, elaborando una película muy característica de su tiempo que, pese a los años transcurridos, a sabido envejecer. Excelente cinta para ver en solitario o como comienzo de una trilogía que se vuelve incluso más dura en la crítica con sus secuelas.

Se trata de una película altamente recomendable en sus diversos aspectos: thriller policíaco duro y distopía ciberpunk. Es tanto una ventana al pasado para conocer la visión de las distopías tecnológicas de su tiempo como una película que se puede disfrutar como puro cine de acción.

Ghost in the Shell 2: Innocence (2004)

Título: Ghost in the Shell 2: Innocence

Título original: Inosensu: Kôkaku kidôtai (Ghost in the Shell 2: Innocence)

País: Japón

Productora: Studio Ghibli / Bandai Visual Company / DENTSU Music And Entertainment / Production I.G.
Director: Mamoru Oshii

Guión: Mamoru Oshii (Manga: Masamune Shirow)

Reparto (voces originales):  Atsuko Tanaka, Akio Ōtsuka, Kōichi Yamadera, Tamio Ōki, Fumihiko Tachiki, Minoru Hirano, Nanami Hinata, Naoto Takenaka, Sumi Mutō, Gō Aoba, Hiroaki Hirata, Yoshiko Sakakibara, Masaki Terasoma, Katsunosuke Hori, Eisuke Asakura, Hiroyuki Kinoshita, Sukekiyo Kameyama, Yutaka Nakano, Ryūji Nakagi, Yuzuru Fujimoto.

Sinopsis:

En el año 2032, la frontera entre seres humanos y máquinas se ha reducido a niveles casi imperceptibles. En este contexto, un cyborg detective de la unidad antiterrorista (Batou) investigará el caso de un robot con forma de mujer, creado exclusivamente para satisfacer deseos sexuales, que ha asesinado a su propietario. Batou deberá indagar en las profundidades de la conciencia humana y en la sociedad del momento; donde la diferencia entre los robots y los humanos es extremadamente vaga. (FILMAFFINITY)

Crítica:

Segunda parte de la película de 1995 dirigida por Mamoru Oshii, esta vez Oshii no vuelve sólo como director, si no que también lo hace como guionista. Continuando los temas de caracter filosófico existencialistas y transhumanistas, la película vuelve a adaptar una trama del manga original referida a robots que se descontrolan y atacan a los humanos, en concreto del capítulo Robot Rondo (con elementos de Phantom Fund). Esta vez el protagonismo reace por completo en Batou, con Togusa como secundario que le acompaña durante gran parte de la película. Mientras que en el manga Togusa actúa como un novato de la sección 9 recientemente trasladado desde la policía (papel que ejerce en la primera película) y da un contrapunto más humano, ya que es el único al que se le ve en su entorno familiar, aquí se convierte en un mero acompañante de Batou. Actuando como su compañero, le da la réplica al veterano ciborg y acompaña los monólogos existencialistas y filosóficos de éste con algunas aportaciones propias y citas.

Las secuencias de acción son más escasas que en la primera película, aunque de mayor espectacularidad, destacando el asalto a la base yakuza y la penetración en el barco factoría de la corporación LOCUS SOLUS. Por lo demás, los escenarios, desde el callejón en el que empieza la película hasta el barco factoría, son una maravilla gráfica, espectaculares y dotados de gran belleza. La animación y el CGI son mucho más depurados y fluidos, haciendo que sea una película que se disfruta mucho en el aspecto visual. La música, de nuevo en manos de Kenji Kawai, sigue siendo perfecta, manteniendo una continuidad con respecto a la primera entrega y ofreciendo algunos temás de gran belleza. Vale la pena destacar que la canción que cierra la película, Follow me, es una repetición de una canción originalmente interpretada por Demis Roussos en 1982. La música está basada en el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, con letras de Herbert Kretzmer y Hal Shaper.

Nuevamente nos encontramos con un thriller cyberpunk lento, con una historia interesante que queda lastrada por los abundantes diálogos y monólogos, principalmente por parte de Batou, de caracter existencialista, dejando el transhumanismo en un segundo plano, aunque sigue presente. Se incide en la diferencia entre hombre y máquina a través de los intercambios y reflexiones de caracter filosófico que tienen los personajes, lo cual puede hacer a la película más pesada y difícil de visualizar. Junto con la primera parte, se obtiene una obra completa en la que Mamoru Oshii explora unos temas de caracter filosófico complejos, apoyándose en el mundo creado por Masamune Shirow en el manga original pero dándole un caracter diferente y distintivo. Por ello, Innocence puede ser más pesada y díficil de asimilar que su predecesora.